My Obsession

Wilson Simonal na Odeon [1961-1971]

2011-02-04T22:13:00.001-03:00

Caixinha supimpa. O brother comprou, e além de eu recomendar a compra a quem pode (nada como um projeto gráfico decente para cada Cd e um livreto altamente informativo), me senti impelido a compartilhar o som magistral que invadiu minha casa. Enquanto devorava cada novo álbum, postava no mediafire, e tuitava o respectivo link. Terminado o trabalho, seguem todos os links.
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Ao invés de me meter a analisar toda a obra, me recolho à minha insignificância e me junto a toda uma população brasileira sem memória. Não sabia que Simonal foi em todos os sentidos o maior cantor desse país. Só mesmo uma caixa dessas e o filme "Simonal - Ninguém sabe o duro que dei" para colocar em perspectiva o que sua incrível trajetória representa para a música brasileira. Ascenção e queda, como nos melhores contos de heróis, a carreira dele é tão absurdamente brilhante em seu topo e tão fundo-do-poço no ostracismo pós 71 que ter sua fase de glória relançada e remasterizada é mais do que merecido. É necessário para nos dar um pouco da tal memória perdida. Necessário lembrar que nem sempre música (extremamente) popular é de mau gosto. Que arranjos sofisticados não só se enquadram no jazz ou na elitista MPB. É só acompanhar os brilhantes arranjos dos maestros Lyro Panicalli, Erlon Chaves, Eumir Deodato e Cesar Camargo Mariano, esse último atuando também como pianista do Som Três (ao lado de Sabá e Toninho Pinheiro), trio que acompanhou Simonal em mais da metade desta discografia. Sofisticação a serviço da boa música, que chegou num ponto (a chamada "pilantragem") que flertava com músicas folclóricas, dando um ar popularesco à sua música, porém sempre em arranjos certeiros e um swing irresistível. E a voz... que voz!! Não é só uma aula, é uma humilhação à toda uma geração de pretensos cantores de música popular brasileira. Se tudo isso não fosse suficiente, a gama de compositores gravados por Simonal dá uma ideia de sua versatilidade e bom gosto no repertório: Carlos Lyra, Tom Jobim, Vinicius, Antonio Adolfo, Edu Lobo, Jorge Ben, Silvio César, Marcos Valle, Gil e Caetano (engatinhando como compositores), Chico Buarque, além da marca pessoal de Carlos Imperial, um dos arquitetos da "pilantragem".

É o tipo de artista que dá pra dizer sem medo: leia o livro, veja o filme, e ouça cada disco. Depois tente pensar se já houve cantor maior que Simonal. Não há!

(Clique em cada capa para um link diferente. Boa música para as pessoas de bem!)

Unfinished Music No.2: Life With The Lions [1969]

2011-01-17T15:29:00.000-03:00

O novo lançamento da Zapple Records saiu apenas 7 dias após o Electronic Sounds de Harrison. O título é uma referência ao famoso programa da rádio britânica (Life with the Lyons) que John Lennon costumava ouvir com seu tio George, quando garoto em Liverpool. Claro que a mudança de uma letra continha um ácido comentário sobre a rejeição geral que sua nova parceira musical sofria na pele em relação aos outros Beatles, e em todo o lugar onde passava. A foto da contra-capa é peculiarmente ilustrativa, mostrando o momento em que uma "fã" arranca um fio de cabelo de Yoko, num momento já difícil - o casal estava sendo levado à delegacia, acusados de porte de maconha (incidente que perseguiria-os por muitos anos a frente em Manhattan). Sentindo-se o próprio "Daniel na cova dos Leões", a capa mostra outro momento difícil, quando Ono perdeu o que seria o primeiro filho do casal (John Ono Lennon II, acredite), e o pobre MBE teve sua cama levada após um dia em que estava ao lado da paciente. "No Bed for Beatle John", a peça, é exatamente sobre isso.

Enquanto Two Virgins era espontâneo em sua experimentação com gravadores em um mesmo espaço, como uma espécie de suíte durando uma noitada regada a drogas, o No. 2 da série é feito de faixas sem aparente relação umas com as outras. O resultado é mais cerebral ou, se preferir, mais chato. Há algum grau de interesse na longa faixa que toma todo o lado 1, "Cambridge 1969", primeiro por ser uma gravação ao vivo, uma das primeiras performances do casal, em março daquele ano. Descontada a gritaria interminável, o trabalho de microfonia da guitarra de John é bastante interessante, especialmente quando o baterista John Stevens responde com os pratos (e a essa altura já estamos beirando os 20min dos mais de 26...). Os universitários de Cambridge não acreditaram que um Beatle pudesse fazer uma performance tão avant-garde, já os que conheciam Ono como artista plástica não devem ter se espantado tanto... Lá pro fim da peça podemos ouvir John Tchicai no saxofone soprano, o que contribui para o clima free-jazz, mas insisto que os berros de Yoko infelizmente tomam demais as atenções do que poderia ser uma grande jam session.
O lado 2 do vinil original foi gravado em fita ainda em 1968, exatamente durante a estadia do casal no hospital Queen Charlotte. A citada "No Bed for Beatle John" é Yoko a capella, em uma melodia de sabor oriental (japonesa, imagino). Ao mesmo tempo pode-se argumentar que seu canto (e o contracanto de John, ao fundo) lembram o Canto Gregoriano dos monges da Idade Média. Isso dá o que pensar sobre o paradigma Ocidente X Oriente, mas vou deixar a brecha para outro post... "Baby's Heartbeat" é o rebento ainda com vida intra-uterina, num tipo de gravação que seria imitado por Max Cavalera no disco Chaos A.D. do Sepultura. Pelo menos Max foi mais sensato, e usou os batimentos cardíacos do filho como introdução do disco, apenas. "Two Minutes Silence" é exatamente isso. Hoje em dia é fácil "desprogramar" a faixa, mas pensemos no disco de vinil. Lá no meio do lado 2 você é obrigado a "ouvir" 2 minutos de silêncio. A ideia deve muito a John Cage, claro, mas devemos lembrar que o casal perdeu o bebê, então a faixa serve como um luto, interrompendo os batimentos cardíacos que martelam por 05 min. Fechando a bolacha, "Radio Play". Parece que Joko Nono & Cia. estavam mesmo dispostos a imprimir uma estética Cageana à sua produção alternativa. Só que diferente das experiências com rádio do outro John, o casal limitado a um quarto de hospital, gravou o som do dial do rádio indo pra frente e para trás, enquanto podemos ouvir Lennon ao telefone, conversas triviais, aquela coisa doméstica. A faixa dura 12 min (...).
Por fim, temos os bonus tracks incluídos na versão em CD. "Song for John" é outra balada folk, assim como "Remember Love", bônus em Two Virgins. "Mulberry" traz como novidade o que parece ser um dobro, tocado com slide por Lennon. E os vocalizes de Yoko são menos agressivos, provavelmente devido a seu estado de saúde. Ela bem que podia ter estado mais doente durante outras sessões dos dois.. Brincadeiras à parte, melhor citar o sábio George Martin: "No Comment"!

Aqui (.mp3, 192 kbps).

Sn00ze e Plástico Lunar no Capitão Cook

2010-12-27T21:14:00.001-03:00

Para acabar o ano de bem com o Rock, uma ótima ideia para uma festa se transformou em um evento que vai botar o Cook pra ferver. Tudo começou com um combo do Snooze tocando no casamento do amigo Ian Moreira. Com o sucesso do repertório anos 80 com Beatles, o pessoal ficou com "gosto de quero mais". Rapidamente já tínhamos um novo show para divulgar, com os comparsas do Plástico Lunar, mostrando suas novas composições e os clássicos do cancioneiro psicodélico sergipano.
No repertório do Snooze, prometemos cobrir toda a carreira (uma demo, 03 CDs) e tocar novo material, que estamos aos poucos dando forma para poder gravar.
Além disso, dois dos produtores da festa irão mostrar seus talentos como DJs, numa batalha que promete não deixar ninguém entediado antes, entre e depois das bandas.
Quer mais motivo para festejar??
Até quinta!

Matéria do portal da Infonet aqui.

Exercício de composição pós-tonal

2010-12-17T13:16:00.004-03:00

Chega ao fim mais um período de faculdade, o 6° para mim. Um dos trabalhos que tive especial interesse em fazer nessa reta final (entre inúmeros relatórios de estágio que entreguei com um dia de atraso) foi da disciplina Estruturação VI, ministrada pelo Prof. Hermilo Santana. Essa matéria é basicamente composição, e marcou muito os alunos das primeiras turmas do curso de Licenciatura da UFS, por ser a cadeira ocupada anteriormente pelo Prof. Dr. Hugo Ribeiro, atualmente na UNB. Quem conhece Hugo deve imaginar o porquê. Como amigo, o ex-guitarrista e/ ou tecladista do Warlord é até um doce de pessoa (em seu jeito peculiar de ser), mas como professor, ele é capaz de deixar traumas, ao mesmo tempo que é unanimidade no quesito competência profissional. As primeiras turmas de Estruturação Musical colecionam histórias ora bizarras e ora hilárias de Hugo à frente como professor. Já é lendária a ocasião em que, aplicando uma prova - onde a essência era compor -, o professor tocou violão, cantando com sua "linda" voz e, não satisfeito, acionou o micro system com alguma banda de heavy metal, sem se preocupar com os protestos dos alunos. Seu nível de exigência incluía a leitura de no mínimo 02 livros por semestre, livros que não necessariamente refletiam seu conteúdo na disciplina, porém serviam como completo, uma espécie de curso paralelo de erudição musical que a gente era obrigado a passar, só por sermos alunos dele.

Nesse momento então que encerro o ciclo começado em 2008, quando entrei no curso, gostaria de compartilhar a composição pós-tonal, que acabou sendo a avaliação final do Prof. Hermilo.

Esta é uma peça para piano baseada na Teoria dos Conjuntos. Eu já havia tido uma introdução a esse universo através do Prof. Bordini, que esteve aqui no II SISPEM, e sinto não ter tido a oportunidade de ouvir de Hugo sua maneira de pensar a música pós-tonal. Quem sabe um dia...

Os conjuntos utilizados foram:

- 0, 1, 2, 8 (que formam a data de aniversário de minha filha) - Dó, Dó#, Ré e Sol#

- 0, 1, 7, 11 (sub-conjunto do anterior, com duas notas em comum) - Dó, Dó#, Sol e Si

- 2, 6, 7, 8 (transposição do anterior, uma quinta justa acima) - Ré, Fá#, Sol, Sol#

O título "há 05 anos atrás", em inglês, é uma referência ao nascimento da Juju, cujo aniversário aconteceria na semana que entreguei o trabalho... Não sei dizer se ela gostaria de ouvir o resultado, mas ela me viu compondo e também quis participar. Diferente do que se pensa no senso comum de que "qualquer nota tá valendo" para esse tipo de música (que não é atonalismo livre), o controle tem que ser absoluto. Segundo o professor Hermilo, o que acontece é que o resultado sonoro desse tipo de música em geral é "frio", como uma música não dotada de emoção, por ser altamente cerebral e calculada. O fato é que gosto é uma coisa estranha, mas juro que prefiro ouvir uma peça de Schoenberg das mais medonhas ao barulho que ecoa das rádios comerciais, que muita gente usa como "música ambiente", condicionados pelos programadores, que por sua vez são guiados pela indústria. Não é música para toda hora, mas ouvidos atentos poderão achar fortes emoções em Stockhausen, Ligeti ou Xenakis, ou tantos outros. It's just music.

Em tempo: http://www.catm.co.uk/

Enjoy!

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Electronic Sound [1969]

2010-10-24T20:29:00.001-03:00

Em 1969, o mundo ocidental vivia no mundo da Lua. Melhor dizendo, a corrida espacial entre EUA e URSS inspirava não só músicos, poetas e cineastas, mas era parte do vocabulário do cotidiano, visto que tudo que os yankees consideram oficialmente relevante parece reverberar culturalmente. Um ano antes, Stanley Kubrick através de seu "2001: Uma Odisséia no Espaço", revelou o que o jazzista doidão Sun Ra sintetizaria em alguns anos: "space is the place".
Mas pera ae, a capa desse disco aí ao lado diz "produced by George Harrison", né o cara dos Beatles? É. Ele fez um disco de música eletrônica (gargalhadas histéricas). "Electronic Sound" é mesmo uma viagem, bixo. Nas palavras do pai da criança: "pode-se chamar de avant garde, mas uma descrição mais adequada seria (como diria meu velho amigo Alvin) pista avant garde!". Entendeu?

Este foi um dos dois lançamentos da Zapple, subsidiária da Apple Corps., empresa fundada pelos besouros um ano antes. John Lennon (sua futura conexão com Zappa me deixa intrigado...) era o principal entusiasta dessa vertente vanguardista, tendo sido responsável pela inclusão de "Revolution #9" no álbum branco. Apesar de Paul brincar com "música séria" bem antes (vide post sobre o Revolver), nessa época ele preferiu ficar de fora das maluquices, e George resolveu dar sua contribuição (ele também havia colaborado em "Revolution #9", ao contrário de Paul). Só que este "Electronic Sound" tem pouco ou nada ver com a série Unfinished Music de John & Yoko, estando estritamente presa a seu título. Como disse, é um disco de música eletrônica. Trata-se de duas faixas (cada uma ocupando um lado do disco) onde o experimento sonoro é simplório ao ponto de podermos visualizar o cabeludo brincando de cientista maluco com seu Moog. E como todo sintetizador, dá pra fazer um bocado de barulho. "Under the Mersey Wall", a primeira faixa parece definitivamente trilha sonora de filme espacial. Há de aparecer algum doido para sincronizá-la com 2001! Já "No Time or Space" é bem mais tensa, e menos interessante. Também é intenso o uso do chamado "ruído branco", que foi aproveitado na introdução de "I Remember Jeep", presente no All Things Must Pass. Curioso mesmo é que Bernie Krause, creditado como assistente da sessão realizada na California em Novembro de 68, processou Harrison alegando que o que foi lançado ali no lado 2 consistia de sua própria demonstração de como operar o Moog III. Verdades ou mentiras, o fato é que a outra gravação data de fevereiro do novo ano. Georginho juntou 1+1, pintou essa lindeza de capa, e pronto, virou vanguardista (rs.). E antes de julgar, porque não ouvir? Encerro traduzindo uma citação que figura no encarte da obra (opa, duplo sentido?):

"Existe muita gente por aí fazendo um monte de barulho... aqui vai um pouco mais" (Arthur Wax)

Aqui (.mp3, 128 kbps)

Unfinished Music No.1: Two Virgins [1968]

2010-10-15T23:57:00.000-03:00

Hora de chutar-o-pau-da-barraca. Lançado no emblemático novembro de 1968, Two Virgins foi gravado na verdade em meados de março, portanto oito meses antes. Após o Wonderwall do George, e com o novo The Beatles revelando excentricidades como "Revolution #9", o terreno parecia mais que propício para John Lennon & Yoko Ono se assumirem como casal e parceiros na arte, com ou sem Beatles.
Mas naquela produtiva noite de março, o futuro casal mal se conhecia. Lennon e sua esposa Cynthia haviam retornado de Rishikesh, Índia - após o mergulho dos Beatles na meditação transcendental - e John parecia disposto a salvar o casamento já em ruínas. Porém, trocando telefonemas com Yoko, a quem ele conhecia desde 66, John aproveitou uma viagem da esposa para a Itália para convidá-la até seus aposentos em Kenwood, onde também se encontrava seu amigo de longa data, Pete Shotton. John e Pete haviam gravado inúmeras fitas durante aquelas semanas (assim como na juventude, os dois adoravam fazer rimas nonsense), e foram essas gravações a base do que viria a ser "Two Virgins".

A ideia é comovente, de tão ingênua. Os pombinhos começaram a noitada dividindo um ácido (acho que a essa altura o Pete já havia dado o fora) - hábito que eles levariam para a futura vida a dois, só que usando heroína. E então deram vazão à loucura produzindo enquanto a noite durava o que ouvimos durante o o disco. As divisões de sessão (Two Virgins 1, 2, etc.) não fazem sentido se pensarmos que a música (se é que podemos chamá-la assim) é como o retrato da capa, tirada meses depois. Um snaphot de um acontecimento, de um love affair. Este, especificamente, só foi consumado após a conclusão da gravação, daí vem a ideia de estarem se descobrindo e se apaixonando, indiferentes ao mundo lá fora, como dois virgens. E daí por diante nada seria do jeito que era antes na vida dos dois...

Após muitos assobios, uma série de sons randômicos no piano começam a aparecer, entrecortados por ruídos. Em seguida uma gravação com rotação alterada se contrapõe aos primeiros vocalizes de Ono, e o primeiro clímax é um grito bastante estridente. Lá pros 6:00 a coisa fica bem interessante: o disco gravado continua tocando (beeem lento), os ruídos se tornam mais intensos, e o piano chega a tentar uma progressão bastante atonal. Seja quem for o pianista do casal, mandou bem. Em geral é fácil achar tudo uma droga e jogar a culpa na voz da Yoko, mas nessa gravação em particular parece que tudo funciona. Os vocalizes de Ono tem um terreno perfeito na loucura concebida pelo Lennon-produtor, incluindo os ocasionais diálogos. Em termos de textura musical, o experimentalismo dos dois tá mais pra dadaísmo do que pra qualquer corrente musical estabelecida. Conclusão? Two Virgins é uma obra sem par, ame ou odeie. Espontâneo, corajoso, e altamente verdadeiro. O final do lado 1 é perfeito nesse sentido, com o "excuse me" de John para apertar o botão de parar do gravador, independente do climão que estava rolando entre a reverberação de algum instrumento e a voz da moça. O lado 2 é extremamente "mais do mesmo"; se não gostou da primeira metade, melhor desistir. A cereja do bolo mesmo é o bonus track do Cd editado em 1997, como parte dos relançamentos do catálogo de Yoko Ono. "Remember Love" é uma pérola, lançada originalmente como Lado B do compacto "Give Peace a Chance". A voz de Yoko é tão doce, que me faz crer que se ela não fosse tão vanguardista em suas concepções artísticas, ela poderia muito bem ter se tornado uma cantora folk/ pop bastante bem sucedida. O violão dedilhado de John lembra muito "Sun King", presente no Abbey Road. Obrigatório.

Download link (.mp3, 192 kbps)

Wonderwall Music by George Harrison [1968]

2010-10-10T22:35:00.002-03:00

"Today is gonna be the day...". É, nem no título de sua música mais famosa o Oasis escapa de uma referência (geralmente inferior) aos mestres de Liverpool.

A segunda incursão Beatle em um projeto fora do grupo também foi uma trilha sonora. George Harrison recebeu essa incumbência no esquema "o que você fizer está bom", e assim foi. O resultado é surpreendente, pela diversidade do material e originalidade, vindo de um músico de uma banda de rock, que havia lançado apenas 02 músicas com orientação indiana (a saber: "Love You To" e "Within You Without You").
Gravado entre Londres e Bombay, "Wonderwall Music" é interessante tanto do ponto de vista da música indiana (as sessões na EMI indiana também renderam "The Inner Light", pros Beatles), como das partes mais experimentais, que ao que parece ilustram cenas do filme em que a psicodelia e o surrealismo imperam. Não é um disco de canções, que o compositor só viria a escoar de verdade dois anos mais tarde em "All things must pass", mas também não é um disco de experimentalismo gratuito (este, a gente fala em breve neste blog). George compôs com liberdade total e é assim que um piano honky-tonk em "Drilling a home" convive com instrumentos indianos (sarod, tabla, shanhais, cítaras...) em outros momentos. São 19 peças instigantes, mesmo sem imagens para ilustrar. "Ski-ing" é um ótimo rock, e assim como Paul em "The Family Way", Harrison não toca (pelo menos não creditado), e no encarte além dos músicos listados da Índia ou Inglaterra, ele agradece aos loops dos amigos. Eddie Clayton é na verdade Eric Clapton.. Rich Snare, Ringo Starr e Peter Tork dos Monkees não é creditado (como Harrison) tocando um banjo emprestado de McCartney. Ashish Kahn é o nome indiano em destaque como performer.
A ideia a princípio foi fazer uma mini-antologia de música indiana para continuar sua recente empreitada de divulgador oficial dessa música no Ocidente. Ele conta que a experiência de gravar na Índia foi instigante porque ele tinha que mixar tudo na hora, pois lá eles trabalhavam com apenas um gravador em mono. Nos termos de Harrison, eles estavam mal-acostumados em Londres com as mesas de 08 e agora 16 canais, então o desafio era fazer tudo acontecer "valendo". Fora isso, não havia isolamento acústico, então em algumas faixas 'indianas' é possível ouvir carros passando, e quem disse que isso é ruim? A sensação durante toda a audição é de música feita espontaneamente, sem pressão. Bem diferente do inferno astral que George viveria com os Beatles dali pra frente, até o fim.
Historicamente, além de ser o primeiro lançamento oficial de um Beatle fora do grupo (levando-se em conta que em "The Family Way" a música de McCartney é incidental), foi o primeiro LP lançado pela recém criada Apple Records, saindo semanas antes do Álbum Branco dos Beatles. Fora de catálogo, devemos agradecer a todos os deuses indianos ou não pela Internet e seus bancos de dados sagrados. Amen.

Download link (.mp3, 128 kbps)

Paul McCartney: "The Family Way" [1966]

2010-10-08T21:43:00.002-03:00

A primeiríssima incursão solo de um Beatle aconteceu no auge da banda, naquele período pré-Sgt. Pepper's, quando eles "deram um tempo" de si mesmos, da badalação e das turnês. Lennon foi pra Espanha filmar "How I Won the War" (e lá compôs "Strawberry Fields Forever"), Ringo o acompanhou porque não tinha muito o que fazer, e Harrison fez a primeira viagem à Índia, que iria redefinir sua música e sua vida.
McCartney era o mais cosmopolita do quarteto, solteiro e antenado com a vida cultural e boêmia de Londres na época. A oferta de produzir música para um filme britânico veio na hora certa. A pausa nos Beatles era a deixa para exercitar suas habilidades composicionais. George Martin era indispensável para a tarefa, pois Paul não escreve música em partituras, então o produtor não só iria transcrever suas ideias como orquestrar toda a trilha.
Ouvindo o álbum, é dificil atribuir toda a composição da trilha a Paul, visto que a orquestração de Martin é tão rica que são pequenas composições que amarram os temas compostos.

O tema de abertura que abre com um órgão de igreja, seguido de trompetes (precursor de "Penny Lane"?). Paul conta que a inspiração veio da banda de fanfarra que seu participava (ele tocava tuba em mi bemol!). Já na faixa 04 aparece rapidamente o tema principal, "Love in the Open Air", que em seguida é repetido, transposto e rearranjado uma meia-dúzia de vezes. É realmente uma linda melodia, digna da fama do Beatle, mas tem pouco ou nada a ver com o grupo, mesmo pensando-se no direcionamento posterior.
Lennon acabou se sentindo excluído do processo, visto que era a primeira vez que ele não levaria crédito em uma composição de Paul, e este só descobriu em anos recentes através de Yoko, que John carregava esse ressentimento. Interessante lembrarmos que é na segunda fase dos Beatles que Paul tem uma voz mais predominante... é como se ter feito essa trilha "sozinho" tenha causado um efeito inconsciente em John do tipo "ele não precisa mais de mim, então que se dane!". Psicologia-beatle de botequim é o que há!

Voltando à trilha em si, há tratamentos de banda de rock ao tema principal, o Wikipedia até credita baixo, piano e vozes (ops) a Paul, mas sinceramente duvido muito, pois o disco original é atribuído a The George Martin Orchestra, sendo McCartney o compositor. Ou seja, não é um disco solo de Paul, coisa que ele só faria 04 anos na frente.
Outras formações incluem quarteto de cordas, e há um violão "clássico" muito bem sucedido em suas entradas. Acaba que, para mim pelo menos, essa trilha prova mais uma vez a genialidade de Martin, além da capacidade de Paul de trabalhar com material composicional tão diverso. Anos mais tarde ele tomaria gosto e se dedicaria a obras orquestrais e para côro, mas o que temos aqui são exercícios muito bem aproveitados por um produtor que já costumava fazer milagres em termos de arranjo e tratamento de material vindo do mesmo cara e e seu grupo de cabeludos. Quer mais? Ouça e tire suas próprias conclusões...

Este cd contém um adendo que posto também porque VALE A PENA. São excelentes variações e se não supera o original adiciona e muito ao que é ouvido antes. Então se for baixar, baixe tudo. Eu recomendo.

Download links (.mp3, 192 kbps):

The George Martin Orchestra Original Soundtrack [1966]
The Claudel String Quartet Variation Concertantes Opus 1 [1995] + Quatuor La Flûte Enchantée [1999]

Exercício pós-tonal e divagações octatônicas

2010-10-03T22:17:00.055-03:00

Feito primeiro no Sibelius (para eu poder ouvir as notas), escrevi no Lily Pond (que é gratuito, bonito e gera midi) este exercício para a disciplina Estruturação Musical VI, que entregarei hoje na UFS. A ideia do post é testar esse aplicativo, também gratuito. Com ele dá para tomar gosto em publicar mais partituras e slides produzidos para trabalhos acadêmicos. Também posto o audio, para apreciação.

Daí pensei que poderia fazer o trabalho completo, e resolvi pesquisar sobre o objeto de estudo em si: a Escala Octatônica. Em sua dissertação de Mestrado pela Federal de Goiás, Marlou Peruzzolo Vieira (2010) oferece alguma luz quanto à sua conceituação:

"Escala octatônica é um termo aplicável a qualquer formação escalar que faça uso de oito notas diferentes no âmbito de uma oitava (WILSON, 2008). (...) Designação para uma escala que consiste na alternância de segundas maiores e segundas menores (KOTSKA, 2006, p. 31). (...) Há, portanto, dois modos desta escala".

Segundo Adriano Gado (2009), em uma comunicação disponível aqui, "um dos interesses pelos compositores quanto à sua utilização reside na riqueza de propriedades internas que ela possui". Citando Joel Lester (1989), o autor aponta que por "conter quatro trítonos, seu uso sugere ênfase em divisões iguais da oitava".

Em tempo, o trítono é aquele intervalo ouvido no riff principal da música "Black Sabbath" (G - G - Db), e não por acaso, costumava ser conhecido como o diabolus in musica durante a Idade Média (WISNIK, 1999, p. 82). Sua constituição é de três tons inteiros, daí o nome. Mais sobre ele aqui.

Voltando à Esala Octatônica, Gado (2009) traz a categorização de Pieter Toorn (1983), que diz respeito às três possíveis transposições desta escala. Isto porque todas as outras "são repetições enarmônicas destas três possibilidades" (VIEIRA, 2010). Em acordo com Kotska (2006) e Wilson (2008), estas transposições podem ser resumidas tomando como ponto de partida as notas dó, dó# e ré. No quadro abaixo, transcrevo da forma sugerida por Toorn, a partir das notas mi, fá e fá#. É tão verdade que "dá na mesma" que podemos fazer a correlação. Na forma OCT 1 temos o ré, a OCT 2 contém a nota dó, e no OCT 3 aparece o ré bemol, enarmônico de dó#.

Por fim, é importante mencionar, que no jazz a "escala diminuta" e a chamada "dom-dim" são as duas formas da escala octatônica. Moral da estória, não é porque é pós-tonal que precisa ficar no academicismo. A aplicação na improvisação (especialmente em músicas de caráter modal) resulta em sonoridades bastante ricas e por isso devemos aprofundar nosso conhecimento na prática! Saiba mais aqui e bons estudos...

Escala octatonica

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Sobre o título de meu exercício: um "octopussy" pode ser entendido como um gato de oito pernas. Referência? "Meu Vizinho Totoro", obrigatório para os fãs de animação...

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Octatonico

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II SISPEM

2010-09-29T23:19:00.010-03:00

O segundo Simpósio Sergipano de Pesquisa e Ensino em Música ocorreu na semana de 20 a 23 de setembro, lá mesmo no Campus de São Cristóvão, onde funciona o Núcleo de Música da UFS.

O primeiro dia serviu como pontapé inicial com apresentações musicais. Não houve palestra, como anunciado na programação. E nem precisava. Qualquer evento que trate de música, mesmo do ponto de vista científico deve haver música para apreciação. E a noite começou lindamente com o Prof. Msc. João Omar, que desenvolve trabalhos na cidade de Vitória da Conquista/BA. Difícil descrever o que ouvi... musicalidade profunda e técnica exuberante. Não precisava ser aluno do curso para se deixar levar por essa música. Todos presentes ficaram encantados. Em seguida o Prof. Msc. João Liberato o acompanhou no palco, retomando uma parceria de longa data. A última peça dos dois trabalhava bem a síncopa nordestina, baseada em semicolcheias. O violão é emblemático em lembrar-nos que a ponte entre música "erudita" e "popular" pode e deve ser encurtada.

Antes de nos recuperarmos dos orgasmos sonoros, a próxima atração foi anunciada, mas não havia músicos no palco. Os artistas estavam todos do lado de fora do Auditório da Reitoria. Eram eles crianças e adolescentes, os Canarinhos de Aracaju. E entraram, cantando, com moral de quem faz isso há bastante tempo. A cantiga repetida por todos até o palco transformou-se num cânone, com os grupos formando rodas, deixando claro para o ouvinte quem está fazendo o quê. Para mim foi especialmente gratificante ver o grau de domínio dos garotos, pois os conhecia desde o ano passado, porém essa foi a primeira oportunidade de assistir uma apresentação completa. Acompanhando a cantoria, além do regente ao teclado, destaque total para o contrabaixo da colega Val, com muita liberdade e propriedade. O maestro Carlos Magno falou bastante, informando o papel do INCASE na formação de futuros alunos do Curso de Licenciatura (o que é desde sempre uma realidade), e do papel social de se estudar música, e não se cobrar nada para aqueles alunos da rede pública. Os Canarinhos saíram como entraram: cantando. Alguns poucos (como eu) ainda foram lá fora ver como o maestro terminaria aquilo. Sem problemas, estavam lá eles, voltados para o regente, de olho no gesto...

De volta ao auditório, a terceira parte do programa trazia o quinteto de sopros da Filarmônica Nsa. Sra. da Conceição, instituição respeitadíssima, um patrimônio cultural do Estado e da cidade de Itabaiana. Me chamou atenção em especial o fagote, fica mais fácil acompanhá-lo em seus registros graves nessa formação do que dentro de uma massa sinfônica. Troquei ideia com o fagotista Henrique no dia seguinte, e para minha surpresa ele não é aluno do curso, mas sim graduando em História, apesar de ter feito diversas disciplinas conosco. A formação do quinteto inclui ainda clarinete, oboé, flauta e uma trompa, muito bem executada.

Para encerrar, nas palavras de João Liberato, um grupo emblemático para o curso de Música da UFS: o Ferraro Trio, que contou em 80% da apresentação com um quarto elemento: o Prof. James Bertisch, que subiu ao palco ovacionado, atestando um alto grau de aprovação dos alunos em relação ao seu trabalho em diversas disciplinas. James tocou teclado e o timbre 'hammond' trouxe uma cor importante para o som do Ferraro. Dá pra dizer que foi a melhor versão que presenciei de temas como "Hamster"... nada contra o didjeridoo, mas a música ganhou em profundidade harmônica. E o que dizer de "Cissy Strut" dos Meters? Perfeito, os diálogos improvisados entre guitarra e teclados foram absurdos. Aliás, apesar de ser óbvio o alto nível de musicalidade de trio, parecia que Saulinho estava particularmente à vontade com mais um instrumento harmônico. Seus improvisos atingiram o grau máximo de liberdade, um Hendrix jazzístico tocando funk. Ave Ferraro!!! Já no dia seguinte...

Era hora de estudar e conversar sobre música. Os mini-cursos de três dias aconteceram pela parte da manhã, e foram eles três: de Canto com o Prof. Dr. Eduardo Xavier, coordenador do curso de Bacharelado em Canto da UFAL; de violão com o já citado João Omar e o curso de Introdução à Teoria Pós-Tonal e Processador de Classes de Notas, com o Prof. Dr. Ricardo Bordini, gaúcho radicado na Bahia. Se eu pudesse teria feito os três, mas como tinha que escolher, fiquei com este último. Por vários motivos, notadamente por ser um assunto de interesse pessoal, mas também por ser esse o semestre que estou cursando Estruturação VI, onde abordamos música contemporânea. E nada melhor que aprender com um especialista na área, referência internacional e também compositor de música moderna. E ao longo dos três dias não me arrependi de minha escolha, pois além de ser um cara bacana, fã de Yes e rock progressivo, Bordini é muito bom professor. E conseguiu passar a sensação de que, mesmo dentre uma infinidade de conceitos de difícil assimilação, é possível se apropriar dessas ideias e experimentar um pouco, ou mesmo se debruçar em uma partitura de música do séc. XX e investigar o que está acontecendo, ao invés de simplesmente julgar que o que ocorre é aleatório e que uma criança poderia fazer o mesmo. Longe disso, se nos conformarmos ao fato de que essa música não obedece às regras do Sistema Tonal e sim às suas próprias regras, configurando-se em outro sistema também fechado em si mesmo, poderemos quem sabe até gostar de alguma coisa que alguns consideram "feia" ou de "mau gosto". Como toda obra de arte, é debruçando-se e entendo as relações dos elementos que a constituem que poderemos ter condição de apreciar o que se fez. E é por essa razão que muitos compositores do séc. XX se tornaram analistas, publicando artigos sobre suas próprias obras, para provar que há sentido no que estavam fazendo, mas não à luz da consagrada música da chamada "prática comum". Pois bem, caras como Bordini passaram anos fazendo contas no papel para compor e analisar peças (é, notas são números para a teoria pós-tonal). E o resultado desse empenho é uma calculadora criada pelo Prof. Jamary Oliveira da UFBA, disponível aqui. Com ela, uma serie de operações que antigamente você precisaria brincar de cientista maluco para analisar ou compor suas peças estão disponíveis em botões de uma calculadora. É disso que trata o tal Processador de Classe de Notas. Claro que não adianta sair apertando botão sem entender para que serve cada coisa. Lá naquele sítio dá para baixar tutorial e explicações, e mesmo para nós que fizemos o curso é necessário se debruçar para começar a entender e ter consequente domínio. Assim que conseguir completar minha composição baseada em meu número de CPF, pretendo postar e explicar o que fiz e porquê.

Na terça-feira, dia 21, no turno da tarde o Prof. Dr. Sérgio Figueiredo (UDESC) foi apresentado a nós como agente importante no processo que levou ao complemento da LDB de 1996, a lei 11.769 de 2008, a famosa lei que finalmente regulariza o ensino de música como obrigatório em todo o país. E é justamente esse o ponto principal sob o qual foi realizado esse simpósio. E foi com Sérgio que pudemos entender melhor o texto da lei, e refletir sobre a aplicabilidade da mesma e outras questões, como o polêmico veto do presidente Lula a um de seus artigos. Dada a importância e a quantidade de informações e modelos adotados em outras cidades que o palestrante acompanhou, o workshop continuava na quarta.

Tivemos em seguida, na terça, uma importante sessão de comunicações, onde alunos do curso tiveram a oportunidade de desenvolver alguma pesquisa científica, que poderá ou não desembocar no TCC ao fim do curso. Foi assim que ano passado falei sobre Varèse, mas este ano fui só ouvinte. Maria Gorete, gloriosa "tia" de vários colegas do Conservatório, abriu os trabalhos apresentando uma visão geral de seu trabalho de conclusão, colocando o nome de três mulheres, geralmente ignoradas pela História, como fundamentais para a criação do que hoje é o Conservatório de Música de Sergipe. Em seguida, minha coleguinha Thais Rabelo nos apresentou a fábula da Cigarra e a Formiga à luz da atual situação que a música se encontra, quando vários segmentos da sociedade duvidam que sirva "pra alguma coisa" ou que a atividade musical seja digna de respeito. Ótimo trabalho, fiquei apenas apreensivo do músico morrer de fome e de frio, como no desenho animado, baseado na mesma fábula (rs.). Seguindo a sessão, um representante do "clube do baixo" (forte tendência no nosso curso), Paulinho "Groove", propôs uma reflexão sobre a música como Arte ou Ciência. Difícil tarefa com a quantidade de abordagens expostas, mas a ideia é excelente, necessitando de mais tempo para maturação. Encerrando, o guitarrista-ninja Saulo Ferreira nos apresentou um método desenvolvido pelo próprio para ensinar guitarra para seus alunos. A ideia é muito simples, Saulo sacou que o que costuma travar os instrumentistas de corda com traste é justamente a facilidade de transposição, visto que aprendemos escalas através dos chamados shapes. Daí que muitos não se preocupam em saber quais as notas das diferentes escalas, já que mantendo-se o mesmo desenho conseguimos a mesma sonoridade transpondo regiões do braço. Se você quiser entender mais é melhor perguntar ao próprio Saulo, mas o resultado é uma bênção quando você lembra de professores que querem mais quantidade que qualidade do aluno. O desdobramento é ainda mais gratificante quando ele aborda a improvisação. O que muitas vezes parece impossível de teorizar, pode se tornar muito simples, dependendo da abordagem...

E ainda na terça ocorreu uma mesa redonda (originalmente programada para quarta) intitulada "Políticas públicas e legislação educacional para a área de música", que além de Sérgio Figueiredo, contou com a Prof.ª. Dr ª. Rejane Harder do nosso NMU, e o Prof. Dr. Eduardo Xavier da UFAL. A fala deste último foi basicamente um desabafo acerca da precariedade e dificuldades encontradas no curso superior de Música em Alagoas. Um retrato assustador, com intrigas e politicagens ofuscando um curso de mais de 20 anos de existência. Recentemente conseguiram criar o curso de Licenciatura em Piano, tendo como professor o grande Manoel Junior, mas o que entendemos da fala do prof. Xavier (isso me lembra X-Men), foi que poderiam ter expandido e revitalizado o curso de maneira inédita, não fosse a má vontade dos próprios colegas. Um dado lamentável. Se no nível de graduação é assim difícil, imagino que a tarefa de levar música pras escolas será ainda mais complicado para os colegas alagoanos...

O papel da Prof.ª Rejane foi relatar o andamento de uma pesquisa feita em conjunto com alguns alunos das disciplinas de Estágio, que mapeia a atual situação do ensino de música em Aracaju. Em linhas gerais o que temos é somente uma escola da rede pública com aulas de música, outra com uma banda que ensaia anualmente para o 7 de setembro, e muita desinformação e preconceito. Na rede particular há escolas que já tem aulas regulares, como a Nossa Escola e Arquidiocesano, que inclusive cederam espaço para nós estagiários observarmos seus professores e neste semestre ministrarmos aulas. Fora esse levantamento, a professora nos trouxe informações sobre as 20 bolsas do PIBID que está servindo para dar um pontapé inicial para a implementação da música no Ensino Fundamental II (sexto ao nono ano) em várias escolas da rede pública. Além disso, há um projeto vinculado ao PRODOCENCIA, cuja proposta é a elaboração de material didático, com planos de aula testados e aprovados pelos estagiários em campo e bolsistas do PIBID.

Mas a estrela da noite foi mesmo o Prof. Sérgio. Suas principais ideias e estratégias motivacionais que iriam desembocar na continuação do workshop no dia seguinte eram:

- o MEC não vai nos dizer que aula de música é essa, muito menos dizer que livro didático deve-se adotar, então cabe a nós determinar tudo isso e brigar pela qualidade do ensino;

- as escolas de Sergipe não vão sair abrindo vaga e ligando pros ex-alunos formados na UFS para poder fazer cumprir a lei. Se um diretor entender que cantar o Hino Nacional é suficiente para estar em acordo com a lei, ninguém estará lá para dizer que a ideia não é essa;

- nós, músicos e/ ou futuros professores de música temos que estudar a lei para ter argumentos sólidos e sair do senso comum do tipo "música faz bem para a alma". Não adianta só reclamar. Para fazer valer nossos ideais de uma educação que inclua música bem ensinada, é preciso agir politicamente, e isso significa ser o mais presente possível: participar de encontros da área de educação; frequentar a câmara de vereadores; fazer artigos em blogs como este; enfim, unir a classe estudantil em prol de uma mesma vontade política.

Outro argumento bastante martelado é para derrubar qualquer opinião que desqualifique a importância do profissional formado para ensinar música. Afinal todos nós falamos português e nem assim somos todos professores desta língua. Assim como ser professor de “línguas estrangeiras" não implica que ele vai ensinar qualquer língua, afinal todas que não são português se encaixam nesta categoria. Isso derruba a insistente noção de se dividir o horário de música com "Artes", fruto de uma prática educacional adotada nos anos 70, com a disciplina-fiasco "Educação Artística". Daí outra briga: todas artes precisam ser contempladas, mas cada uma como disciplina isolada. O que mais se ouve é que "não há espaço na grade", mas tudo é uma questão de vontade e reorganização dos projetos político-pedagógicos. E é aí que entra a ação dos estudantes em ter certeza que representantes, por exemplo, de nosso Núcleo de Música acompanhem essas discussões e ajudem a formatar a inserção das Artes e da Música nas escolas. A obrigatoriedade implica por fim numa democratização dos conteúdos em suas diferentes áreas de ensino. Quantas vezes eu não me perguntei para quê que eu estava estudando algo de Química ou Física?? E, de fato, não lembro de quase nada destas áreas, e não me tornei alguém capacitado a lidar com tubos de laboratório porque passei nessas disciplinas (e em dois vestibulares). Educar musicalmente nossos futuros cidadãos, da mesma forma, não implica "descobrir novos talentos", mas preparar pessoas com um melhor senso crítico, estético e, enfim, sempre tem um ou outro que acaba se interessando o suficiente para procurar o Conservatório, e futuramente uma graduação. Implica em disponibilizar uma informação que não devia ser exclusiva dos músicos. É reintegrar uma matéria tão básica que fazia parte do Quadrivium na Antiguidade Clássica (junto com Geometria, Aritmética e Astronomia)!

Foi essa a discussão continuada na quarta à tarde, sendo que após uma pausa, o Prof. Sérgio propôs que formássemos grupos para pensar o que se poderia fazer a curto, médio ou longo prazo. Iniciativas individuais, coletivas... era hora de pensar em nossa realidade! O resultado foi bastante positivo, com alunos como Rodrigo “Peninha”, Rafael Jr. e Juarez manifestando-se e confirmando que o discurso do prof. deu resultado. Falou-se de assembleias de alunos, confecção de material informativo (folders), explicando à sociedade os benefícios do estudo da música. Foram mais ideias do que eu vou conseguir lembrar, mas o mais importante foi perceber que tava todo mundo contaminado. E o desafio é justamente continuarmos contaminando outros... do micro ao macro.

A última tarde de simpósio começou com duas palestras em cada um dos dois horários, ou seja 04 no total. As minhas escolhas foram as da maioria, então tivemos uma sala de aula entupida de gente, tanto na palestra do Prof. Dr. Christian Lisboa, quanto na seguinte, do Prof. James Bertisch. Na outra sala revezaram-se o Prof. Msc. João Liberato, expondo sua dissertação “Filarmônica N. Sra. Da Conceição: Funções de uma banda de música no agreste sergipano entre 1898 e1915”, e em seguida o Prof. Msc. Ion Bressan: “A formação de orquestras jovens e sua relação com o mercado de trabalho”. Segue o meu relato presencial.

O tema do Prof. Christian era Psicologia da Música, que ele já havia abordado no ano anterior. Importante diferenciar da Musicoterapia, que tem função terapêutica, a abordagem aqui é mais investigativa acerca do que ocorre conosco ao ouvirmos ou executarmos música. O mais legal foi simular um experimento real, onde ouvíamos músicas e ora escrevíamos palavras aleatórias, ora escolhíamos grupos de adjetivos que poderiam caracterizar nossas sensações. Ainda pretendo me aproximar do grupo de estudo nessa área que o prof. lidera dentro do NMU, até por uma questão de honra, sendo Psicologia minha primeira formação. Mais interessante ainda do ponto de vista pessoal foi a palestra do Prof. James, que tratava da relação contrapontística que se configura como um desafio para o contrabaixista que canta. Ou seja, algo que faço desde moleque. Houve até o momento em que apontaram para mim e me fizeram receber uma salva de palmas. Mas os caras escolhidos para os exemplos diferem bastante deste pobre baixista-cantor. Após uma geral dos termos usados em música popular, e a diferenciação dos sub-gêneros dentro do rock, o primeiro exemplo era uma música do Yes, anos 80. Nessa música Chris Squire dobra o vocal com Jon Anderson, e o que foi mostrado na partitura é que muitas vezes as linhas ascendentes da voz coincidem com linhas descendentes do baixo, e vice-versa. O prof. Bordini, sentado ao meu lado, observou que poderia-se analisar a peça como 6/8 na voz enquanto o baixo marca 3/4. Compasso composto X compasso simples. E esse era um exemplo até bem básico. A coisa começou a complicar mesmo com Geddy Lee, do Rush, também um exemplo dos anos 80. “The Big Money” foi sugerida por Robson, e ainda bem que James o ouviu. O trecho transcrito era a parte do meio (“sometimes, etc.”) e se eu já tinha certeza da incrível independência de Geddy Lee, a transcrição serve como uma espécie de comprovação científica! O último baixista contemplado era um cara que eu não conhecia, Mark King, do Level 42, mas definitivamente foi o mais “cabuloso”. O groove do baixo era bastante complexo e a voz simplesmente não acompanhava suas síncopas, chegando a não coincidir entradas por diferenças de meio-tempo. E o pior era que o vídeo era ao vivo, não dava nem para dizer que ele gravou separado. Belo exemplo.

Finalmente, encerrando o II SISPEM, ocorreu a mesa redonda “O papel das IFES nordestinas diante da nova realidade vislumbrada a partir da lei 11.769/2008”. Este era, na verdade o título da fala do Prof. Christian, que fez um apanhado geral das conquistas do curso de licenciatura em música da UFS, desde sua chegada em 2009. Claro que o caminho até 2009 foi carregado pelo Prof. Dr. Hugo Ribeiro, que afastou-se do núcleo e hoje está em Brasília. Mas é fato que foi a partir da contratação dos demais professores efetivos que mudanças importantes foram feitas. A desassociação com o departamento de Morfologia (uma bizarrice necessária para a existência do curso em um primeiro momento); a conquista das salas de aula e da secretaria; a contratação dos secretários; os contínuos concursos para mais professores efetivos e substitutos; os aparelhos de som, DVD e data show; a compra de instrumentos (muitos a chegar); a prova específica prática para entrada no curso (valendo esse ano!).... O relato dele deixou claro que para um curso que ainda vai formar a primeira turma, estamos crescendo e rápido. As novas gerações não tem com o que se preocupar, porque já está reservado para o nosso curso um bom espaço nas futuras instalações da UFS, onde teremos salas acusticamente preparas, auditório, e um espaço decente para se guardar instrumentos. Fora o anúncio do plano para implementação de um curso técnico, onde estaríamos preparando melhor os futuros alunos da graduação.

Mas essa mesa redonda configurou-se especial pela presença de um diretor, representando a Secretaria de Educação, Paulo Roberto de Menezes Rêgo, atual Diretor do Serviço de Ensino Médio; e também de Rivaldo Dantas, que compôs a mesa como representante da Secretaria de Cultura. A última integrante da mesa era a Prof. Rejane, que basicamente repetiu sua fala da terça-feira, no intuito de informar aos convidados sobre como está a situação da música atualmente, além de um breve histórico da Educação Musical no país desde a época do Canto Orfeônico. Por fim, a fala de Rivaldo, ex-diretor do Conservatório, revelou-se polêmica, devido a um infeliz exemplo de um músico sergipano bem-sucedido, onde ele sugeria que estes músicos poderiam ser absorvidos pelo mercado, já que o campo de trabalho é imenso, e a quantidade de profissionais graduados em licenciatura não seria suficiente. Mesmo tendo deixado claro que estes músicos deveriam ter um tempo para procurar as universidades e se reciclar, a sugestão não foi muito bem recebida, e o debate acabou numa tentativa de entendimento de ambos os lados, com alunos tomando partido e já expondo as ideias aprendidas durante o simpósio. Em relação à necessidade de se incluir nos futuros editais a exigência de licenciatura, Paulo Rêgo pronunciou-se no sentido de nos assegurar que essa já é a política dos últimos anos, e não haveria possibilidade de concurso público para professor em qualquer área sem essa graduação. A professora Gorete manifestou-se relatando o processo ocorrido no concurso deste ano pro Conservatório, onde eles tiveram que dialogar bastante junto à SEAD, para que reduzissem a exigência para 50% de créditos cursados na licenciatura, o que de fato foi como essas vagas foram preenchidas, com colegas de minha turma como Thais e Ítalo Robert, merecidamente aptos a assumirem depois de passar pelas bancas examinadoras, mesmo sem terem ainda concluído a licenciatura.

O que podemos refletir junto a tudo isso é que a música nas escolas não deve ser implementada de uma vez, mas de pouco a pouco. Parece ser o caminho mais prudente a se seguir. O que já é uma realidade, diretamente relacionada à ação dos alunos da graduação no Estágio e os bolsistas do PIBID. É justamente esse o papel da Universidade, assumir-se como centro pensante dessa discussão, e agente articulador entre as ideias e a prática.

Para encerrar o SISPEM com música, visto que o recital previsto pro Cultart havia sido cancelado por problemas técnicos da casa, improvisou-se no mesmo espaço da mesma redonda uma belíssima apresentação do quinteto Clarinetando. Destaque para o clarinete-baixo (ou clarone) tocado por Enéas. Foram poucas e curtas peças, mas necessárias para lavar a alma, depois de tanta discussão. Que venham mais simpósios! Antes de encerrar ainda houve sinalizações de continuação das discussões entre os alunos, dentro das assembleias do diretório acadêmico. Parece que o “bichinho” mordeu pra valer...

P.S.1: Todas as fotos deste post de autoria de Paulinho "Groove".
P.S.2: Blog do SISPEM: http://www.sispem.blogspot.com

Uma Breve História da Música no Séc. XX

2010-07-04T16:05:00.000-03:00

Como parte dos trabalhos de monitoria da disciplina História da Música III, catei esses videos e fiz a tradução para inserir legendas em português. Aqui neste caquético espaço, faço o trabalho completo: pra quem manja inglês basta carregar as 04 partes abaixo. Pra quem achar bacana mas precisa das legendas em português, é só fazer o download (.avi+.srt) em duas partes.
Trata-se de um documentário bastante interessante sobre o período pós-romântico, e a forma como as legendas narram contextualizando o fundo musical é uma boa iniciação pra quem não conhece a música dos compositores contemplados.
Bom divertimento!

PARTE 1 - O Nascimento do Moderno

PARTE 2 - Claude Debussy e o Impressionismo Francês

Parte 3 - Stravinsky e a Sagração da Primavera

Parte 4 - Arnold Schoenberg e o Expressionismo Alemão

Download Videos + Legendas em Português:
Parte 01
Parte 02

Artigo SISPEM

2010-04-09T08:12:00.000-03:00

Está no ar a página do Núcleo de Música da Universidade Federal de Sergipe.
Por enquanto há pouca informação, mas o que vale a pena fuçar são os artigos publicados, dos alunos do curso que submeteram suas comunicações durante o I SISPEM - Simpósio Sergipano de Educação Musical, realizado no último semestre.
Entre eles meu artigo: "Reflexões em Apreciação Musical", que tem foco no compositor vanguardista Edgar Varèse, além de discutir um pouco sobre a música contemporânea do séc. XX. Esperamos que este seja um pontapé inicial para uma possível carreira acadêmica...
Por fim, o vídeo mencionado no artigo, como uma das possibilidades de trabalhar a música de vanguarda num contexto de apreciação musical, usando a peça escrita por Varèse para 13 percussionistas: Ionisation.

Enjoy!

Abbey Road [Stereo Remaster]

2010-02-23T19:15:00.001-03:00

01 - The Ballad of John & Yoko (Lennon/ McCartney)
02 - Old Brown Shoe (Harrison)

Um mês após o lançamento de Get Back, saía mais um compacto pela Apple, em 30 de maio de 1969! A 'balada' (aqui no sentido de saga, do tipo heróica) foi gravada inteiramente por John e Paul, e é um incrível exemplo de colaboração entre os dois, nos derradeiros meses de relação dentro da banda. Tudo funciona aqui, e o lado B consegue ser melhor ainda. A safra Harrison de '69 é tão alto nível que desembocaria num álbum impecável como All things must pass, lançado no ano seguinte. Essa foto acima parece ter sido tirada na casa dele, vide os anões de jardim que também estampam o citado disco solo. De todas as pérolas contidas na letra de "Old Brown Shoe", a mais emblemática é "I'm changing faster than the weather" (estou mudando mais rápido que o clima). Ave George, que faria aniversário no dia de hoje... (que escrevo, e não do post que demorou mais que o divórcio dos Beatles pra sair hehe).

03 - Come Together (Lennon/ McCartney)
04 - Something (Harrison)
05 - Maxwell's Silver Hammer (Lennon/ McCartney)
06 - Oh! Darling (Lennon/ McCartney)
07 - Octopus's Garden (Starkey)
08 - I Want You (She's So Heavy) (Lennon/ McCartney)

Finalmente, em 26 de setembro de 1969, saía o canto-dos-cisnes, a derradeira obra-prima dos FabFour. Último disco 'em vida' (o Let it be já foi um lançamento póstumo), os Beatles encerraram as atividades em grande estilo, no topo. Grandes bandas dos anos 70 como Deep Purple ou Black Sabbath, e até os Rolling Stones contém em suas extensas discografias discos altamente mais-ou-menos, em alguns casos ruins mesmo, o que é lamentável. Um exemplo recente de uma banda que soube parar no auge foi o Soundgarden. Mas é difícil comparar a discografia de qualquer banda à trajetória impecável de John-Paul-George-Ringo. E pro bem da humanidade (e dos bolsos deles), eles conseguiram resolver as diferenças dentro de uma grave crise e passar alguns meses no estúdio, construindo esse disco. A vontade de fazer um bom álbum é perceptível, o cuidado com os arranjos e execução é comovente. Difícil não considerar Abbey Road um dos melhores álbuns de todos os tempos! As duas primeiras faixas sairiam em compacto em 06 de outubro, sendo "Something" o seu lado A. Além do incrível arranjo de cordas, destaque para a matadora linha de baixo de McCartney, que já havia deixado sua assinatura em "Come Together", com letra tipicamente de John, o blues mais intelectual de que se tem notícia. "Maxwell's..." foi praticamete rejeitada por todos na banda, exceto seu mentor Paul, que insistiu tanto que conseguiu um resultado à altura do resto do disco. Melhor ainda é "Oh! Darling", que assim como a anterior havia aparecido nas sessões de Let it be. "Octopus's Garden" é uma linda música de Ringo sobre a vida sub-aquática a dois, with a little help from Harrison. Fechando o lado 1, a épica "I Want You", que seria a última sessão que os 04 fariam juntos. A música segue a tendência de John de juntar pedaços de canções diferentes pra formar uma nova. A seção "She's so heavy" - que vira uma coda repetitiva - criou tendência, reverberando tanto no rock progressivo quanto servindo de referência pro peso do metal!!

09 - Here Comes The Sun (Harrison)
10 - Because (Lennon/ McCartney)
11 - You Never Give Me Your Money (Lennon/ McCartney)
12 - Sun King (Lennon/ McCartney)
13 - Mean Mr. Mustard (Lennon/ McCartney)
14 - Polythene Pam (Lennon/ McCartney)
15 - She Came In Through The Bathroom Window (Lennon/ McCartney)
16 - Golden Slumbers (Lennon/ McCartney)
17 - Carry That Weight (Lennon/ McCartney)
18 - The End (Lennon/ McCartney)
19 - Her Majesty (Lennon/ McCartney)

O lado 2 abre com mais uma pérola de George, que com seu tema bucólico abre espaço para uma das faixas mais melancólicas da carreira dos Beatles. Diz-se que "Because" foi inspirada na "Sonata ao Luar" de Beethoven, quando John pediu a Yoko para tocá-la ao contrário(!). Nunca entendi muito bem essa origem, mas de fato há uma semelhança no dedilhado. O grande gênio surdo da música que me perdoe, mas nada se compara às três vozes harmonizadas e duplicadas, cantando essa bela poesia. Se há algum trunfo entre música cantada sobre a instrumental, é quando letra e música se encaixam como se não houvesse possibilidade de separação. É o caso aqui: perfeita, tanto que é difícil ouvirmos versões de "Because"; se alguém se anima para executá-la, provavelmente o arranjo vai ser uma cópia exata do original. Assim como no lado 1, Paul aparece após seus colegas darem o recado. Só que dessa vez ele vai dar a direção para o resto do disco, pelo menos em termos de concepção. "You Never Give Me Your Money" é de fato o início de uma espécie de suíte, uma forma genial de abarcar um monte de música em um mesmo pedaço de disco. Essa mesma melodia volta mais pra frente dentro de "Carry That Weight", e o final das duas é idêntico. Mas antes, um interlúdio: "Sun King" é mais bucolismo, com um toque de ácido na estrofe que mistura línguas sem muito critério. Um sonho talvez. John parte para o rockão de "Mean Mr. Mustard", com baixo levemente distorcido, efeito perceptível principalmente nessa versão remasterizada. "Polythene Pam" é bobinha, mas assim rapidinha funciona bastante. A ponte para "She Came In Through..." também funciona, e o andamento aqui é acelerado se compararmos com a versão do Anthology 3, das Get Back Sessions. O que contribui pruma pegada funk de baixo e batera. Finalmente a seção final: "Golden Slumbers"-"Carry That Weight"-"The End" poderiam ser consideradas a mesma música. Mas essa divisão deixa tudo mais interessante. And in the end... cada Beatle tem sua chance de solar, começando com Ringo, depois Paul, George e John revezando-se nas guitarras. O baixo e bateria nesse trecho foi sampleado pelos Beastie Boys anos mais tarde em algum lugar do disco Paul's Boutique. E apesar do piano desafinado com o que vinha rolando antes, o final de "The End" é apoteótico. Não dá pra não imaginar que eles sabiam que esse poderia ser a "última valsa". A prefeição só é imaculada com a inclusão de "Her Majesty", o que é bem típico dos Beatles: não se levar muito a sério, mesmo que a música em questão seja das mais importantes de todos os tempos...

Download links (.flac):

Part 1
Part 2
Part 3

Let It Be [Stereo Remaster]

2010-01-31T22:53:00.001-03:00

01 - Get Back (Single Version) (Lennon/ McCartney)
02 - Don't Let Me Down (Lennon/ McCartney)

A caixa Mono termina no álbum branco, porém este compacto está presente na Mono Masters. Mas para dar unidade à essa compilação, as faixas aqui postadas serão inteiramente em glorioso estéreo.
Estamos em janeiro de 1969, e as infames Get Back Sessions começavam a todo o gás desde o primeiro de janeiro, pouco mais de um mês após o lançamento do White Album. De todas as controvérsias em torno do parto mais longo desse trabalho de um quarteto cada vez menos unido, aquela que põe em cheque a qualidade musical do que foi lançado é a que mais dói, e a mais nonsense também. Prova disso foi o êxito deste compacto, um mega-hit lançado em 11 de abril daquele ano (sim, antes do Abbey Road). A versão do lado A parece ser o mesmo take da que entrou no LP, um pouco mais longa na verdade (no final), o que é uma curiosidade, visto que em geral as versões em compacto é que costumam ser 'radio edits'. Get Back, o disco, foi solenemente engavetado, assim como foram abortados os outros dois projetos que sairiam das mesmas sessões: um disco de regravações dos próprios Beatles, e outro de clássicos do rock 'n' roll (exaustivamente disponíveis nos bootlegs de ensaios, Anthology, etc.). Interessante notar que John aproveitou essa última ideia em sua carreira solo.
"Don't Let Me Down" é uma das melhores músicas de todo o projeto, e talvez o maior mérito de Let it be... Naked [2003] tenha sido reparar o histórico erro de não tê-la incluido no álbum de 1970. Indo além, o disco revisitado acerta no track-list, seguramente melhorado, ainda que Let it be tenha um charme único pelo caráter caótico da introdução da maioria das músicas, e também as eventuais vinhetas.

03 - Two Of Us (Lennon/ McCartney)
04 - Dig a Pony (Lennon/ McCartney)
05 - Across The Universe (Lennon/ McCartney)
06 - I Me Mine (Harrison)
07 - Dig It (Lennon/ McCartney/ Starkey/ Harrison)
08 - Let It Be (Lennon/ McCartney)
09 - Maggie Mae (Trad. arr. Lennon/ McCartney/ Starkey/ Harrison)

É importante discutir o papel de Phil Spector na (des)construção do que chegou às lojas em 08 de maio de 1970 (com uma capa diversa à que estampa este post). Além da responsa, imagino o tremendo abacaxi que deve ter sido aquele monte de ensaio gravado, com um meio mundo de material desprezível. Como ele não foi o produtor responsável pelas sessões, o papel dele foi o de um editor, e isso ele fez sem dó nem piedade. Várias das falas não aconteceram exatamente antes daquele trecho no disco, melhor exemplo sendo os agradecimentos ao final (do concerto no Rooftop) encerrando "Get Back" que havia sido gravada no estúdio. A introdução ("I dig a pigmy...") também pode ser ouvida no disco-bônus de Naked, a 'mosca-na-parede', assim como o final da jam que virou "Dig It", que não guarda absolutamente nenhuma relação com "Let It Be", e daí que mora o perigo de um editor-produtor (é só lembrar da importância de um editor de imagens): é metendo a tesoura que se ressignifica o bruto das sessões em um produto que tem a cara que se quer dar. O idealizado projeto "volta-às raízes" não só foi um fracasso como trabalho em equipe, mas fracassou em conceito. A necessidade de contratar Phil Spector, depois de dispensar os "production rubbish" (segundo Lennon) de George Martin antes mesmo de começarem a rodar as fitas é admitir a incapacidade de cumprir com a idéia por trás do projeto. E digo mais: é fácil acusar Spector de ter passado dos limites, mas os próprios Beatles (sem John) terminaram "I Me Mine" um ano depois das sessões originais, pois nada do que havia sido registrado daquela faixa era bom o suficiente (ainda que uma passada razoável possa ser conferida no doc). Ainda mais intrigante é ver Paul McCartney, o grande atingido pelas modificações sem aviso prévio de Spector, usando os mesmos arranjos, em particular em "The Long and Widing Road" em suas turnês, entra ano e sai ano. Em resumo, egos à parte, Let It Be é sim um discão, claro, é um disco dos Beatles, leia-se composições de qualidade, os mesmos bons vocalistas e instrumentistas de sempre, e sim bons arranjos, mesmo nas pegadas mais simplistas. Uma grande bandinha de rock. Sempre.

10 - I've Got a Feeling (Lennon/ McCartney)
11 - One After 909 (Lennon/ McCartney)
12 - The Long And Widing Road (Lennon/ McCartney)
13 - For You Blue (Harrison)
14 - Get Back (Lennon/ McCartney)

Quando disse que Naked acerta na ordem das músicas, não tava brincando. O lado 2 de Let It Be é infinitamente melhor que o lado 1, e isso não é por causa nem de "Dig It" ou "Maggie Mae", mas esse lado 2 tem uma cara mais 'direto-ao-ponto', como o Naked que pensa a distribuição das faixas num formato Cd, e não tem a preocupação de ser trilha sonora de coisa nenhuma. Ainda dentro dessa comparação, e retomando o ponto anterior, o de que não há nada "as nature intended" em qualquer encarnação de Let It Be, o Naked só foi mais a fundo no processo começado por Phil Spector em 1970. Tirando a limada em suas contribuições de côro e cordas, o som do álbum continuou sendo editado, polido, e remixado usando a tecnologia a serviço da boa música, e o padrão-Beatle de qualidade.
Com isso encerro meu humilde testemunho de que Let It Be... Naked é superior sim ao disco original, isso não quer dizer que meu vinilzão e essa compilação não garantam bons momentos de rockão garageiro e baladas gospel. Ah, em tempo, prefiro a versão de "Across the Universe" daqui mesmo - e não dá nem pra dizer que é a original, certo? Ponto pra Phil Spector...

15 - Across The Universe (WWF Version) (Lennon/ McCartney)
16 - Let It Be (Single Version) (Lennon/ McCartney)
17 - You Know My Name (Look Up The Number) (Lennon/ McCartney)

Para encerrar com as outras faixas que tem a ver com o tracklist do LP, temos a versão de Across The Universe um pouco mais 'altinha' em registro, sem o côro, mas com backings femininos de duas fãzocas, dentre elas a brasileira Lizzie Bravo. Tudo muito bonito, sons de pássaros e tal, mas como já mencionado, prefiro a versão revisitada mesmo. O último single com material inédito dos FabFour trazia a faixa-título do LP com solo de guitarra alternativo. Nunca me decidi sobre preferência, mas - até onde eu sei - é mais um caso dos próprios Beatles (no caso Harrison) e não Spector, voltar lá no estúdio pra refazer algo pra soar melhor, e não deixar 'como deus quis soar'. Finalmente o lado B do compacto lançado em 06 de março de 1970 - dois meses antes do álbum póstumo, e um ano após Get Back/ Don't Let Me Down - trazia a bizarra "You Know My Name", uma gravação começada em 1967, que incluia até solo de saxofone do finado Brian Jones. Não dá pra dizer que não é divertido...

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Part 1
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Part 3

The BEATLES [White Album Mono Mix]

2009-12-31T11:37:00.000-03:00

Em 22 de novembro de 1968 o mundo conheceu uma obra sem precendentes. Avant Garde sem deixar de ser rock; aliás um dos discos mais rock que se há notícia. Porém fragmentária, encontrando soluções inteligentes a serviço do exagero quantitativo, com faixas pouco conectadas estilisticamente umas com as outras (o que ocorre ocasionalmente também), seus 04 lados dando uma progressiva cara a um álbum que só pode ser realmente entendido e apreciado dentro da completude de suas 33 músicas! O caráter individual do Álbum Branco não se restringe ao modus operandis dos 04 compositores-músicos e agora homens de negócio. Era definitivamente uma nova fase pós-retiro na Índia, perda de Epstein, divórcios, casamentos e, da parte de John, heroína e Yoko. A busca por paz interior em Rishikesh teve como efeito para os Beatles, além da quantidade enorme de novas músicas, a preparação para mais um vôo na carreira: assumir a reponsabilidade de gerir a Apple Music e cuidar de um negócio pra lá de atribulado, enquanto continua-se a produzir boa música. Pelo menos nesse quesito, ainda que muita gente torça o nariz para uma ou outra extravagância, a maturidade e capacidade de produzir diversas sonoridades soando sempre Beatles e impecável em todas elas é suficiente para atestar o álbum como superior a qualquer outro lançado até então, ainda que outros clássicos anteriores e o Abbey Road sejam mais 'favoritos' em listas como tais. Pessoalmente acho cada novo disco produzido pelos Beatles uma evolução em relação ao anterior, com exceção de Let it Be, gravado imediatamente após o lançamento de The BEATLES, que tinha a idéia geral de ser um projeto revisionista e não apontando pro futuro. E o futuro é aqui. Um disco (digo, dois) verdadeiramente transcendental.

1-01 - Back In The U.S.S.R. (Lennon/ McCartney)

1-02 - Dear Prudence (Lennon/ McCartney)

1-03 - Glass Onion (Lennon/ McCartney)

1-04 - Ob-La-Di Ob-La-Da (Lennon/ McCartney)

1-05 - Wild Honey Pie (Lennon/ McCartney)

1-06 - The Continuing Story Of Bungalow Bill (Lennon/ McCartney)

1-07 - While My Guitar Gently Weeps (Harrison)

1-08 - Happiness Is A Warm Gun (Lennon/ McCartney)

Ringo não aparece nas duas primeiras faixas, sinal dos tempos. Sua saída da banda, ainda que por pouco tempo, foi o começo da sensação geral de que se estava começando o fim. Mas como terminar com uma banda que é parte de como uma pessoa se vê agindo no mundo, em toda sua vida adulta? A neurose dos Beatles em registrar tanto material novo é descrito por Harrison como o ego de seus integrantes vindo à tona, com sessões muitas vezes tensas e diferente dos "velhos tempos" onde 'os cinco', banda e produtor eram um grupo coeso de trabalho, assistido apenas por um engenheiro de som ou algum assistente da banda. A fórmula para essas gravações que cobriram longos 05 meses era não esperar por ninguém, e muitas vezes não contar mesmo com o outro. Paul já havia sido baterista em uma gig logo antes de irem para Hamburgo no começo de carreira. Na faixa de abertura, de inspiração beachboyniana ele faz o básico, mas certamente o que ele apronta em "Dear Prudence" estava à altura das inovações de Ringo. A música de John é marcada pela afinação da corda 'Mizona' do violão (a mais grave) um tom mais baixo (ou seja, Re), e um peculiar dedilhado que Lennon havia aprendido na Índia com Donovan. Depois da ótima "Glass Onion" - "the walrus was Paul" sendo a melhor das várias sacadas na letra - o reggae é o ponto de partida para uma faixa quase infantil. Para Paul, "Ob-La-Di Ob-La-Da" seria o próximo single. Alguma dúvida de que iria vender como água? As estranhezas dão o primeiro sinal de vida numa vinheta produzida por McCartney sozinho. Nada muito sério. John apresenta Yoko ao mundo fonográfico em "Bungalow Bill", liderando uma brincadeira alegre em tons melancólicos (ouça o tema tocado no melotron ao final da faixa). Os vocais de Ringo no refrão, junto à sua então esposa Maureen, mais John&Yoko são o ponto alto. Simplicidade em meio à bagunça. E antes que o ouvinte se recupere do susto que é "While My Guitar..." - e o solo de um coringa, frequentemente referido como "Deus" (se bem que pra mim 'deus' é Hendrix), John faz mais um gol de placa: "Happiness is a warm gun" parece ser a música favorita tanto de Paul como de George nesse disco. Uma 'ajuntamento' de três canções distintas, "I Need a Fix" pode ser conferida no Anthology 3 na versão demo caseira. O que se tornou a master começa com um riff hipnótico que introduz versos psicodélicos. Em seguida uma guitarra saturada introduz outro riff desta vez pesadão, num 6/8 que desemboca num ajustamento livre da métrica que pode ter influenciado caras como Syd Barrett e algumas músicas de seu Pink Floyd. Por fim, o título, uma manchete de uma matéria numa revista trazida ao estúdio por George Martin, com o clássico "Bang Bang, Shoot Shoot". Que golaço!

1-09 - Martha My Dear (Lennon/ McCartney)

1-10 - I'm So Tired (Lennon/ McCartney)

1-11 - Blackbird (Lennon/ McCartney)

1-12 - Piggies (Harrison)

1-13 - Rocky Raccoon (Lennon/ McCartney)

1-14 - Don't Pass Me By (Starkey)

1-15 - Why Don't We Do It In The Road (Lennon/ McCartney)

1-16 - I Will (Lennon/ McCartney)

1-17 - Julia (Lennon/ McCartney)

O lado 2 do disco é o que mais se parece com uma coleção de esforços individuais, e o que também deixa claro a inspiração minimalista das composições nascidas no esquema voz-violão. Minimalismo este que desembocaria no conceito geral da capa branca e título do disco. "Martha My Dear" começou como um estudo de piano para Paul McCartney e virou uma de suas canções mais líricas. "I'm So Tired" é outra de John que revisita a sonoridade 'banda', como em "Happiness...", enquanto que "Blackbird" é novamente Paul on his own banquinho-e-violão. É a segunda diferença significativa da mix Mono em relação à Estéreo (a primeira sendo a intro de "Ob-La-Di..."): o canto dos pássaros-negros aparece aqui em momentos distintos, e soam diferente mesmo. "Piggies" é um comentário social de George Harrison sobre a classe média no Reino Unido, e sua mãe contribuiu com o verso "all they need is a damn good wacking"! "Rocky" é o personagem principal de uma estorinha estilo "faroeste" de Paul, com intervenções interessantes de gaita e harmônio (Lennon), baixo com pedal (Harrison) e piano honky-tonk (George Martin). Em "Don't Pass Me By" acontece o mesmo que "She's Leaving Home": a rotação é alterada para cima, deixando a música 'mais alegrinha'. Esse country de Ringo já vinha sendo composta há alguns anos, e no final da música ouve-se a 'rabeca' (violino) de Jack Fallon numa versão completamente diferente do que se conhecia na stereo mix. "Why Don't We.." também omite algumas palmas na introdução, e o lado 2 do disco 1 fecha magistralmente com duas baladas: "I Will" e "Julia", ambas canções que, assim como "Good Night", embalaram muitas noites de sono de minha pequena Julia.

1-18 - Hey Jude (Lennon/ McCartney)

2-01 - Revolution (Lennon/ McCartney)

Em 30 de agosto, a Apple era sacramentada com seu primeiro lançamento, mais um compacto a mudar as regras fixas do mercado fonográfico. Uma música de trabalho de mais de 7 min não era algo pensável, mas sendo agora donos do próprio nariz, os Beatles mais do que nunca jogavam as cartas do próprio jogo. Mr. Ballad Man, Paul McCartney, compôs "Hey Jude" enquanto estava a caminho da casa de John, que não estava mais lá, mas sim Cynthia Lennon e seu filho Julian. A letra, mais do que Paul consolando o garoto, é um recado direto a seu pai, especialmente no verso "go out and get her". Ao seguir "Julia" com "Hey Jude", põe-se em perspectiva seus temas como se estivessem relacionados: a falecida mãe de John, Yoko ("ocean child") e Julian... O longo final da música soa como um canto ritualístico, um mantra pop. Ou nada disso, apenas mais uma maneira de se fazer uma canção perfeita. O lado B aqui abre 'meu' segundo Cd, e assim temos as três encarnações de "Revolution" num mesmo disco. E as guitarras estridentes dessa versão é uma ótima introdução ao lado 3 do Álbum Branco...

2-02 - Birthday (Lennon/ McCartney)

2-03 - Yer Blues (Lennon/ McCartney)

2-04 - Mother Nature's Son (Lennon/ McCartney)

2-05 - Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey (Lennon/ McCartney)

2-06 - Sexy Sadie (Lennon/ McCartney)

2-07 - Helter Skelter (Lennon/ McCartney)

2-08 - Long Long Long (Harrison)

"Birthday" continua o clima "jam session" que se estende até "Yer Blues", no pedaço de vinil mais pesado e cru de qualquer álbum dos Beatles. Remasterizados, o blues e todas as faixas que a banda toca junto ganharam um brilho em sua sonoridade jamais ouvida anteriormente. Eu sempre achei que o problema era porque as gravações ao vivo não poderiam ter a mesma qualidade das gravadas em separado. Mas ao que parece a pós-produção fez toda a diferença! E antes de mais um rockão, Paul mais uma vez acompanhado só de músicos de estúdio (trompas) nos leva ao bucólico mundo de Rishikesh em "Mother Nature's Son". A irmã-gêmea "Child of Nature" de John só viria a ser resolvida como "Jealous Guy" três anos depois... "Everybody's..." é de minhas prediletas. Groove matador de baixo, guitarras no talo, riff certeiro e um sinal de alarme de incêndio que deu um charme especial, além de gritinhos e falatório ao final. John continua a ter o Maharishi em mente na próxima composição. "Sexy Sadie" de alfinetada acabou virando uma grande música, com vocais que remetem à terceira parte de "Happiness..." e órgão e piano (John e Paul) bastante entrosados. O trabalho de contrabaixo de Paul também é destaque (como sempre). Mas o auge estava apenas com seu terreno assentado. "Helter Skelter" foi parido numa sessão que desembocou numa festinha no estúdio, com os Beatles em jams insanas e Harrison atiçando fogo a um cinzeiro, correndo de um lado ao outro com o mesmo em sua cabeça! Um bom retrato para a sonoridade caótica, que inclui vários sons esquisitos, como intervenções de saxofone de John, algo como um patinho de borracha (seguido por riso de Paul) e claro, o sensacional noise de guitarra que começa o trecho final da mono mix de maneira completamente alternativa à versão em estéreo, sem retorno triunfal e os calos nos dedos de Ringo. Após a tempestade, a calmaria chega com "Long Long Long", que tem vocais finalmente desenterrados das profundezas da mix e realçadas na remasterização. A bateria continua alta e marcante e o final é marcado pelo som do shehnai, mais uma novidade trazida da Índia. O órgão Hammond é tocado por Paul.

2-09 - Revolution 1 (Lennon/ McCartney)

2-10 - Honey Pie (Lennon/ McCartney)

2-11 - Savoy Truffle (Harrison)

2-12 - Cry Baby Cry (Lennon/ McCartney)

2-13 - Revolution #9 (Lennon/ McCartney)

2-14 - Good Night (Lennon/ McCartney)

Como o nome indica, a versão lenta de "Revolution" foi a primeira das três a serem trabalhadas (e também a primeira das sessões começadas em Maio - opa, lembremos que estamos em 1968!!), e serviu de base para a colagem sonora do 'sonho 9' de Lennon. Os metais são uma boa introdução à sonoridade vaudeville, ou música-de-cabaré que Paul conseguiu para "Honey Pie". Anos 20 total. Saxofones marcam "Savoy Truffle" de George, que manda um órgão matador, além de um solo de guitarra à altura do que ele não fez em "While My Guitar...". Aliás é o mesmo Eric Clapton a fonte de inspiração para todos os sabores de trufas descritas na letra. Precisa falar do baixo? "Cry Baby Cry" foi descrita por Lennon como "porcaria", e guardadas as devidas proporções e radicalismo do pai da criança, eu concordaria que não é das melhores em todo o álbum. Ainda assim, não faz feio dentro do conjunto da obra, e a vinheta só agora creditada no encartes da versão digipack "Can You Take Me Back" forma uma ponte perfeita para "Revolution #9". Muito já foi dito dessa não-música, mas longe de procurar explicações que possam justificar a inclusão de 8 min de experimentalismo vanguardista, é preciso filosofar acerca da importância desse marco da música popular contemporânea. Não é à toa que 09 de setembro (09) de 2009 foi a data escolhida para lançamento da obra completa do quarteto em seus dois formatos. O que aconteceu com essa faixa foi algo que ocorre com o distanciamento que só o tempo pode proporcionar. A perspectiva histórica nos ensina que obras-de-arte não precisam de explicação, mas elas explicam-se por si mesmas. Mas minha leitura é de que "Revolution #9" é tão fundamental para o Álbum Branco como qualquer outra de suas faixas. Com o adendo de que sendo uma não-canção, ela funciona como um manifesto. O verdadeiro modernismo (ou pós-modernismo, sei lá) esboçado na colagem de fotos disposta no pôster tem como acompanhamento a trilha sonora do fim do mundo, pelo menos do jeito que o conhecíamos. É um comentário definitivo e definidor do que poderia ser uma revolução, não mais com uma letra esperta, mas sonoramente desafiador, com o tipo de manipulação de fitas que Paul fazia já algum tempo, mas que John precisou do apoio de George (e Yoko onipresente) para dar vida. Um epitáfio: "Good Night" é descrita por Paul como um dos momentos de mais ternura por parte de John, e seria uma dádiva se alguma versão com ele fazendo voz guia aparecesse em alguma compilação piratex ou não... Mas Ringo não faz feio (mesmo) e George Martin cria com seu arranjo um belo clima hollywoodiano. E assim se encerra um clássico. Com o caos solto no mundo externo e interno dos Beatles, só nos resta embalar as crianças para dormir e esperar que tudo saia bem no fim-de-tudo.

Total Time:
Disc 1 - 53:34
Disc 2 - 50:43

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Disc 1 - Part 2
Disc 2 - Part 1
Disc 2 - Part 2

Magical Mystery Tour [Mono Mix]

2009-12-21T20:32:00.001-03:00

01 - All You Need Is Love (Lennon/ McCartney)
02 - Baby, You're A Rich Man (Lennon/ McCartney)

Não havia se passado nem um mês do lançamento de Sgt. Pepper's e os Beatles já estavam em estúdio novamente, desta vez para uma gravação que seria transmitida via-salétite (wow!) ao vivo para todo mundo. Our World era o nome do projeto televisivo, parte do festival canadense Expo 67. A transmissão foi em 25 de junho, e o compacto sairia no dia 07 de julho! O que se ouve na gravação não é exatamente o que foi executado ao vivo. O banda já havia criado uma basic track mais cedo, e ao que parece o que tava valendo ao vivo era a orquestra e os vocais. Há ainda uma estória que eu não saberia confirmar (e não lembro onde li) que a versão do compacto original é diferente da versão que encerraria o Lp Magical Mystery Tour e dois anos depois o Lado 1 de Yellow Submarine. Mas só quem tem esse 45rpm histórico poderá confirmar alguma diferença... A música cita clássicos da canção popular ("Greensleaves", "In the Mood", "She Loves You"), faz um uso descarado do hino da França em sua introdução, e tem uma fórmula de compasso pouco convencional em suas estrofes. Já mencionei que John Lennon gostava da brincadeira, e aqui ele contrói suas estrofes (de belos versos) num 7/4. O Lado B do single trazia "Baby, You're a Rich Man" que é mais uma junção de duas músicas distintas, como foi "A Day in the Life" e como seria "Happiness is a Warm Gun". Destaque para o excelente trabalho contrabaixístico de McCartney (palheta e notas abafadas).

03 - Hello Goodbye (Lennon/ McCartney)
04 - Only A Northern Song (Harrison)

E aqui começa(?!) minha licença poética para mais essa compilação em Mono. "Hello Goodbye" foi lançada em compacto no dia 24 de novembro, mas o seu lado B era "I am the Walrus", que sairia pouco depois no... ah, você já sabe. Fica a deixa para usar a imaginação: por que "Only a Northern Song" - uma genuína sobra de estúdio de Sgt. Pepper's - não foi aproveitada como lado B nestes dois compactos de 1967? Levanto algumas hipóteses: a) "I am the Walrus" era boa e revolucionária o suficiente para sair tanto no disquinho de 7'' quanto em MMT; b) o ego de John falou mais alto: o lado A é de Paul; c) "Only a Northern Song" poderia não estar considerada concluída... é uma gravação deveras experimental. Há de se lembrar também que Harrison só viria a emplacar pela primeira vez uma composição sua num compacto dos Beatles em 1968 (ver "Lady Madonna" logo abaixo). Mas aqui sua música é estranha (porém magnífica) o suficiente para contrabalancear a perfeição pop de "Hello Goodbye", e seu riff baseado na escala diatônica. E quer lugar melhor para se dizer que "isso é apenas uma canção da Northern" (empresa que gerenciava os direitos das músicas de Lennon/ McCartney) do que o lado B de um mega-hit? Detalhe histórico: nunca existiu uma mix estéreo de "Only a NS", o que se ouvia nos antigos Lps e Cds Yellow Submarine era um chamado fake stereo. O cd remasterizado em caixinha digipack apresenta essa mesma mix mono.

05 - Magical Mystery Tour (Lennon/ McCartney)
06 - Your Mother Should Know (Lennon/ McCartney)
07 - I Am The Walrus (Lennon/ McCartney)
08 - The Fool On The Hill (Lennon/ McCartney)
09 - Flying (Lennon/ McCartney/ Harrison/ Starkey)
10 - Blue Jay Way (Harrison)

A trilha sonora para o novo filme dos Beatles (e primeiro projeto após a morte do empresário Brian Epstein) saiu pela Parlophone (UK) em 08 de dezembro num formato inusitado: dois compactos extendidos cada um com duas faixas no Lado A e uma no Lado B. Cheguei a manusear a belíssima versão nacional, original da época, num sêbo em São Paulo, mas infelizmente não tive condições de adquiri-lo. Mesmo sendo no formato compacto, o disco trazia o generoso libreto, esse ano reeditado nos Cds remasterizados, tanto Estéreo quanto o Mono. A diferença sendo, o que foi estabelecido como o Magical Mystery Tour da discografia dos Beatles é o Lp lançado pela Capitol nos EUA em novembro de 1967, disco que só sairia no Reino Unido em 1976(!). São essas mesmas faixas redistribuídas para um lado maior de Lp, e o lado B compilando três compactos (já comentados) do mesmo ano. E o filme pode até ser um saco (principalmente se você o assistir sem legenda), mas a música dos caras não caía de nível. Aliás o experimentalismo dos Beatles em estúdio atinge o ponto culminante aqui. Daí para frente eles buscariam uma volta a uma sonoridade mais básica. Os trompetes dão o tom na faixa-título, que tem um final extendido para uma jam session quase jazz. "Your Mother Should Know" é da mesma safra de "Good Day Sunshine" e "When I'm Sixty Four". É o fascínio de Paul pelos discos que o velho Jim McCartney ouvia em casa. Já em "I Am The Walrus" não há nada que possa se chamar de convencional.

O melotron tocado por John já tem um som um tanto sinistro. O arranjo de cordas capricha nos graves criando um clima soturno. A bateria entra seca, lembrando que isso é uma banda de rock, apesar da ausência de guitarras. A letra é o grande trunfo, uma continuação para o que Lennon havia lançado em livro (foram 02), inspirado por Lewis Carroll em suas justaposições de palavras sem qualquer relação aparente e livres associações de sentido, numa preocupação formal surrealista na criação de imagens. Poesia pura. Para completar o arranjo, John plugou um rádio à mesa de som, e na gravação ouve-se várias dessas inserções. Fora o côro bizarro, uma ótima maneira de se encerrar um lado de um disco (seja ele o lado B do compacto ou lado 1 do Lp).

"The Fool On The Hill" abria o segundo disquinho de maneira singela. É impossível não se derreter com a beleza dessa canção. Paul gravou as flautas, e aparece no filme sozinho, como o fool himself. Mas diferente de "Yesterday" ou "Eleanor Rigby", todos os outros Beatles colaboraram nessa gravação antológica. Encerrando o Lado A, a única música creditada aos Fab Four, e segundo registro instrumental do grupo (a outra sendo "Cry For a Shadow", disponível no Anthology 1). Como trilha do filme, funciona. Mas interessante mesmo é a contribuição de George para a trilha. "Blue Jay Way" é um lugar que ele havia se hospedado em Los Angeles. A letra fala na verdade do dia em que Derek Taylor, futuro assessor de imprensa da Apple, se perdeu numa neblina tentando achar o tal lugar. George-o-compositor escancara um órgão hammond, a bateria de Ringo é quase tribal, e um violoncelo é a cereja do bolo, que inclui ainda alguns efeitos eletrônicos (Harrison lançaria em dois anos o disco Electronic Sound aprofundando-se no assunto)...

11 - Lady Madonna (Lennon/ McCartney)
12 - The Inner Light (Harrison)

Já era 1968 e as sessões de fevereiro produziriam o 17º compacto (o último a sair pela Parlophone), lançado em 15 de março, além de mais algumas canções que seriam aproveitadas para a trilha da animação Yellow Submarine. Em "Lady Madonna" temos Paul dando uma de Fats Domino no piano, e um solo de sax altamente rock 'n' roll (para não perder o costume, os Stones fariam o mesmo um ano depois em "Live With Me"). Já o lado B teve a parte instrumental colhida na Índia em janeiro, durante as gravações do primeiro disco solo de um beatle: Wonderwall Music. George gravaria o vocal com algumas intervenções ao final de John e Paul um mês depois em Abbey Road. É a última da séria série George-o-indiano. E das mais belas, sem o clima pesadão das outras duas. Vale a pena conferir a versão do Concert for George.

13 - All Together Now (Lennon/ McCartney)
14 - Hey Bulldog (Lennon/ McCartney)
15 - It's All Too Much (Harrison)

Não existe o disco Yellow Submarine na caixa Mono. Essas três faixas, mais "Only a Northern Song" estão disponíveis como parte das Mono Masters. O detalhe é que é a primeira vez que essas mixes em mono são lançadas comercialmente, a trilha só saiu em janeiro de 1969, quando o Estéreo já havia se consolidado. Mas o filme estreou nos cinemas ainda em 68, e os Beatles já tinham essas músicas na manga antes mesmo de entrar em estúdio para gravar o Álbum Branco. "All Together Now" tem o poder de encantar crianças, minha filha que o diga; "Hey Bulldog" tem um dos melhores refrões da carreira de Lennon (numa progressão de acordes que ele voltaria a explorar); e "It's All Too Much" encerra esse disquinho como a quarta composição de Harrison (só o duplo álbum branco conseguiria tal feito), assim como ela encerra o excelente filme (ok, antes da reprise de "All Together Now") e também a Songtrack. A lisergia do arranjo e final extendido remetem à trilha do filme anterior. No fim das contas, apesar da assumida forçação, essas músicas não soam tão deslocadas assim do resto do material acima. É importante lembrar que no Yellow Submarine a música que seguiria é "All You Need Is Love". Tá vendo, nothing is real...

Total Time:
49:58

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Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band [Mono Mix]

2009-12-18T09:48:00.002-03:00

01 - Strawberry Fields Forever (Lennon/ McCartney)
02 - Penny Lane (Lennon/ McCartney)

Em 17 de fevereiro de 1967, o novo compacto duplo dos Beatles, mostrava uma nova persona. Lennon se referia a 'eles' como os "clever Beatles". Não fazer mais shows trouxe uma dramática mudança na concepção de banda. E isso se refletiu logo nessas duas faixas, que poderiam ter sido parte de um novo álbum, porém eventualmente elas sairiam no fim daquele ano no LP da Capitol Magical Mystery Tour. Aqui, esse humilde compilador faz exatamente como na coletânea azulzinha (1967-1970), que põe essas duas obras-primas onde deveriam estar - o Lado 1 daquele disco indo como está aqui até "Lucy", e concluindo com "A Day in the Life". O que é um tracklist natural, pois "Strawberry Fields" foi a primeira faixa a ser trabalhada naquelas longas sessões. O que mais gosto nela (e há várias coisas que me tiram do sério em "Strawberry Fields") é a voz de John desacelerada. É muito legal reconhecer o timbre de um mesmo vocalista numa região mais grave, atípica pros Beatles. Essa desaceleração da fita é fundamental pro clima soturno da gravação; os pratos (entre outras coisas) ao contrário, a genial performance de Ringo na bateria e overdubs e todo arranjo de George Martin contribuem para tudo funcionar sem tirar nem botar. A versão mono traz um diferente fade no final... "Penny Lane" é o contraponto ideal: após a visita aos campos de morango com um olhar dark, hora de fazer um picnic ao som de melodias assobiáveis, inspirados pelos Beach Boys. Perfeição perde.

Diz-se que tanto George Martin como John Lennon já foram citados comentando algo como "se você não ouviu Pepper em Mono, você não ouviu Pepper". Um certo exagero, talvez, mas é indiscutível que a experiência é outra. Melhor ou pior é irrelevante, mas qualquer fã sério dos Beatles deveria pelo menos ouvir alguns desses discos em sua versão Mono. E "Sgt. Pepper's" é ponto alto. Lançado em 1º de junho, 04 meses após aquele compacto inicial, o disco é uma busca honesta por um som original, arranjos e concepções que nunca haviam sido explorados anteriormente. E o resultado é 'satisfação garantida'. Da rasgação da faixa-título à catarse de "A Day In The Life" são vários os motivos para se incensar um disco que, à primeira ouvida, pode não parecer mesmo grande coisa (explico: no fundo, é só mais um ótimo disco dos Beatles). Mas a fórmula é simples de entender: pegue os Beatles saídos de Revolver (e "Tomorrow Never Knows"), com a emergente cultura flower power, adicione os escritores da contracultura que incluiam os beatniks Kerouac e Ginsberg, uma pitada de aditivos alteradores de consciência, não esqueça de praticar sua meditação transcendental ao som de música indiana, e tenha George Martin como produtor responsável. Para embalar pra venda, e não virar um item cult deixe tudo bem pop: uma capa que realmente chame atenção, cores berrantes e um conceito - vazio, claro. Mas forte o suficiente para as pessoas acreditarem que se trata de um álbum sobre um mesmo tema.

03 - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Lennon/ McCartney)
04 - With a Little Help From My Friends (Lennon/ McCartney)
05 - Lucy In The Sky With Diamonds (Lennon/ McCartney)
06 - Getting Better (Lennon/ McCartney)
07 - Fixing a Hole (Lennon/ McCartney)
08 - She's Leaving Home (Lennon/ McCartney)

09 - Being For The Benefit of Mr. Kite! (Lennon/ McCartney)

O que faz um bom disco? As músicas! E o que faz boas músicas? Os músicos! Pegue o exemplo da Motown. Anos e anos se falando da mágica no "som da Motown", e há pouco tempo saiu um Dvd apresentando a banda (quase nunca creditada nos discos) que esculpiu aquele som, os Funk Brothers - todos músicos de jazz, arranjadores incríveis. Moral da história: sem Lennon, McCartney, Harrison, Starr ou Martin não haveria Pepper. Que como ideia, surgiu numa viagem de trem... Paul foi o grande catalisador de ideias e responsável por motivar o grupo a sempre pensar à frente e não se acomodar. Em "Sgt. Pepper's..." ele é o mestre-de-cerimônias e o que se ouve são guitarras no talo, um cartão-de-visita de um real disco de rock. Já em "Little Help" o minimalismo do arranjo dá a tônica para Ringo cantar à vontade. "Lucy" é bastante lisérgica - essa mix me pareceu ter uma dose maior de phaser, na voz e bateria... E o baixo de Paul comanda, além do órgão Hammond também tocado por ele. O ponto forte é a letra, num estilo surrealista que John levaria ao extremo em "I Am The Walrus" ainda naquele ano. São basicamente canções de Paul as próximas três faixas: "Getting Better" tem uma sacada genial na bateria, e a tambura indiana de George Harrison; em "Fixing a Hole" ouve-se um cravo (George Martin), e os timbres de guitarra ajudam no clima psicodélico. Já "She's Leaving Home" abre com um som de harpa (quer instrumento mais angelical?), num arranjo bacana de Mike Leander para cordas (George Martin até hoje se ressente do fato). Ah, já ia esquecendo: essa música roda mais 'rápida' na versão mono. A voz é mais aguda, e o andamento é levemente alterado 'pra cima'. O lado 1 fecha como um colorido carrossel, com Lennon contando em detalhes todas as atrações observadas em um cartaz de circo, para uma performance do Mr. Kite! Muito bom o loop criado por George Martin que traz a sensação de "música de circo", em compasso 6/8 (o resto da música é quaternário). Esse processo de gravação elaborado por Martin - o bouncing down de trilhas de 04 canais para apenas uma, assim tendo sempre mais trilhas disponíveis para mais gravações foi revolucionária e inspirou dezenas de engenheiros, músicos, produtores (detalhe: já se usava o sistema de 08 canais nos EUA nessa época). E mesmo com os modernos estúdios e mesas de hoje em dia há bandas que - talvez em busca da 'mágica' - utilizam o mesmo recurso que George e os Beatles fizeram em 1967. Exemplo: ouça o disco Black Foliage do Olivia Tremor Control. Quatro canais e muita experimentação...

10 - Within You Without You (Harrison)
11 - When I'm Sixty-Four (Lennon/ McCartney)
12 - Lovely Rita (Lennon/ McCartney)
13 - Good Morning Good Morning (Lennon/ McCartney)
14 - Sgt. Pepper's Reprise (Lennon/ McCartney)
15 - A Day In The Life (Lennon/ McCartney)

Estávamos conversando... sobre como "Within You Without You" é música indiana seriamente composta por Harrison e executada por músicos de lá. Alguns dos instrumentos usados: dilruba, tabla, swarmandal e tamburas (uma delas tocada pelo eterno roadie Neil Aspinall). É perceptível - fora a instrumentação -, o quanto é complexa a música indiana. Os compassos não seguem uma quadratura identificável, onde se espera uma continuação ou resolução. Os ragas, como chamados os temas que podem ser desenvolvidos por horas de improvisação coletiva, seguem estruturas não-lineares, ou seja, as mudanças de fórmula de compasso são constante, muito do fundamento do raga se dá nessa 'quebra' da sensação retilínea do tempo... ao mesmo tempo que uma mesma nota fundamental dá uma sensação de eterno retorno, de tempo suspenso. E como bom Beatle, George conseguiu unir toda essa complexidade na estrutura dessa música, sem fugir do senso de canção que consagrou seu grupo. A melodia é simples, porém forte e a letra resume tudo que se possa elocubrar sobre uma canção como essa: "if they only knew!".

Depois de boas risadas (de novo: esse final na versão mono é bem diferente) mais uma vez Paul quebra o climão e deixa tudo light: "When I'm Sixty Four" é uma delícia e foi uma das primeiras músicas a serem trabalhadas nas sessões iniciais, junto ao compacto lá de cima. Os clarinetes (e clarinetes-baixo) comandam a festa. Frank Zappa acusou os Beatles de terem surrupiado alguma de suas idéias avançadas em Freak Out para o final de "Lovely Rita", o que de fato faz sentido. Em retorno, Zappa faria isso. Mas voltando à "Rita", o experimentalismo não é só no final: o som de 'chocalhos' é na verdade pente e papel. O solo honky-tonky é de George Martin mas ao final ouve-se McCartney ao piano. Sounds Incorporated é um grupo de Liverpool formado por três saxofones, dois trombones e uma trompa (seriam eles os Lonely Hearts Club Band?). É essa galera que segue o canto do galo em "Good Morning". A história do comercial da Kellog's todo mundo conhece, mas o que não se fala muito é de como Lennon gostava de mexer na estrutura das músicas. Essa é bem peculiar, misturando compassos 5/4 - bem incomuns no pop, com o tradicional 4/4 que acompanha o corinho ("Good Morning, Good Morning"). O final então é uma zona. Muito bom! A "Reprise" cumpre seu papel sem muita enrolação, com melodia agora nas três vozes. Mas o melhor estava guardado para o final...

"A Day In The Life" é uma das principais músicas do séc. XX. Tá tudo lá. O melhor de Lennon, de McCartney e dos Beatles - o bongô tocado por Harrison faz bastante diferença, e a bateria de Ringo é citada por 09 entre 10 bateristas como uma das coisas mais instigantes que eles já ouviram. De George Martin, temos um bom exemplo de como o rock se apropriou do som de uma orquestra chegando ao ápice de usá-lo como efeito sonoro, e não apenas num arranjo pomposo. O que era para ser mais uma canção de rotina de John, precisava de um B que ele não tinha composto ainda. Paul leva então a música a outra direção. Ainda assim, precisa-se de um final grandioso. Faz-se 'o som' então. George Martin o descreve como um "orgasmo sonoro grandioso". É tipo isso mesmo. E pro acorde final, várias mãos num mesmo piano: os 04 Beatles mais Mal Evans, gravando juntos 04 vezes mais através de overdubs e sincronizados naquele processo de bouncing. E sendo o fim de um disco como Sgt. Pepper's, o que não falta é estória. Como aquela do ruído percebido apenas pelos caninos. São 15,000 Hz! E o chamado "Inner Groove", hoje em dia um bônus das edições em cd, mas a idéia na verdade era usar aquela parte do sulco do vinil que não tem música, que serve pra gente lembrar de retirar o disco, e em muitos aparelhos a agulha fica ali, indo e voltando... Com um som um tanto bizarro, ao terminar Sgt. Pepper's você poderia ficar ouvindo aquilo indefinidamente até algum voluntário ir lá na vitrola e trocar o disco. Como diria Mr. Kite: a splendid time is guaranteed for all...

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47:02

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Revolver [Mono Mix]

2009-12-16T10:08:00.000-03:00

01 - Paperback Writer (Lennon/ McCartney)
02 - Rain (Lennon/ McCartney)

Lançado em 30 de maio de 1966, o compacto #12 da discografia Fab trazia uma sonoridade mais orientada para o peso das guitarras, baixo incluso. Até o volume da gravação na prensagem do 45' original era superior ao que se lançava antes. E na mix, nunca o baixo de Paul foi colocado tão "na cara". É certamente um sinal que o domínio de Macca na liderança do grupo já estava se consolidando. Além de peso, "Paperback" trazia arranjos vocais sofisticados, difíceis de serem reproduzidos ao vivo, o que seria uma das desculpas que eles usariam para abandonar os palcos alguns meses na frente. Já "Rain" aproxima ainda mais os Beatles de um som psicodélico, ainda em processo embrionário, mas experimentando vozes tocadas ao contrário, e alguns efeitos interessantes. Um excelente aperitivo para a bomba (no bom sentido) que explodiria no álbum a seguir.

03 - Taxman (Harrison)
04 - Eleanor Rigby (Lennon/ McCartney)
05 - I'm Only Sleeping (Lennon/ McCartney)
06 - Love You To (Harrison)
07 - Here, There and Everywhere (Lennon/ McCartney)
08 - Yellow Submarine (Lennon/ McCartney)
09 - She Said She Said (Lennon/ McCartney)

A capa já é um susto; nos créditos George é o compositor da faixa de abertura; na bolacha uma contagem por cima de um som de rolo de fita voltando, mais uma tosse (!)... A impressão é de que tudo é peculiar em Revolver. Para muitos é o melhor álbum dos Beatles pois ainda dá pra sentir um trabalho de banda, mesmo com uma "Eleanor Rigby" que é quase Paul solo (mais uma vez). O que interessa, as canções, são o grande trunfo enfim. Uma pedrada após a outra. O baixo de "Taxman" é funk dos bons, e solo rasgadão de guitarra também é cortesia de Mr. Macca. "Eleanor Rigby" é daqueles momentos inspirados e definidores de uma carreira, no caso a de Paul. Obra-prima sem par. "I'm Only Sleeping" é deliciosamente preguiçosa e traz guitarras ao contrário no solo, o que na época era grande coisa! E se o ouvinte desavisado achar que tudo ainda parece com Beatles, o que dizer de "Love You To"? Mais uma bola dentro de Harrison: a música indiana havia entrado em sua vida, e ele sabiamente trouxe essa linguagem pra banda e encontrou sua voz - um beatle que compõe música indiana com tempero psicodélico. A balada que segue é um respiro necessário após ouvir "Love u2", e "Here, There..." tornou-se mais um standard no repertório de... Paul McCartney!

Na mesma data de lançamento do álbum (05 de agosto), "Yellow Submarine" era também lançada em compacto, o 13º da carreira. Deve ser número da sorte, pois essa faixa de inspiração infantil cantada por Ringo renderia um filme de animação e um disco a ser comentado neste blog em breve. Mas a canção merece! A gravação é cheia de efeitos especiais e a letra por mais simples que pareça é rica o suficiente para inspirar um roteirista... Encerrando o lado 1 de Revolver mais uma piração: "She Said She Said" é clássico Lennon, com uma breve mudança de compasso (quaternário pra ternário) no B, e guitarras! Muitas guitarras...

10 - Good Day Sunshine (Lennon/ McCartney)
11 - And Your Bird Can Sing (Lennon/ McCartney)
12 - For No One (Lennon/ McCartney)
13 - Dr. Robert (Lennon/ McCartney)
14 - I Want To Tell You (Harrison)
15 - Got To Get You Into My Life (Lennon/ McCartney)
16 - Tomorrow Never Knows (Lennon/ McCartney)

O lado 2 começa com uma gravação peculiar, a primeira tentativa (séria) de Paul de emular o som dos anos 30-40, influência que ele recebeu de seu pai. Em "Good Day Sunshine" ouve-se basicamente piano (George Martin), bateria e vocais. E não é que funciona? As guitarras voltam com sede de gás em "And Your Bird Can Sing". O que domina é o som das Rickenbakers 12 cordas. Reza lenda que o baixo dessa gravação é de George, depois que Paul abandonou o estúdio. Realmente a versão do Anthology (aquela das gargalhadas) tem uma linha de baixo bem diferente... E o baladeiro-mor emplaca mais uma: "For No One" tem aquele toque nostálgico/ heróico de uma trompa (o trompista: Alan Civil), e melodia belíssima. "Dr. Robert" é o dentista que colocou LSD nos chás de John e George + esposas, e o que fazer com isso? Escrever uma canção, ora. A música tem uma parte B interessante, em suspensão, para depois voltar ao backbeat característico. A terceira contribuição de George é rock clássico, antes de isso sequer existir. Deve ser por isso que Beatles são criadores de estética, não de uma mas várias. Grande música, ainda acredito que "I've got time". É um bom lema. Já "Got To Get You Into My Life" é uma declaração de amor. Daquele mesmo tipo que o Black Sabbath cantaria 05 anos depois em "Sweet Leaf". E se mesmo talking about it a canção é pouco psicodélica com seu arranjo à Motown (com McCartney mandando umas frases pinceladas de James Jamerson com bastante propriedade), em "Tomorrow Never Knows" os limites não existem pro que se pode fazer em termos de experimentalismo num estúdio.

Tudo num mesmo caldeirão: pedaços de fita cortados
embrulhados em um saco plástico e conceitos avant garde seriam a contribuição de Paul para "Tomorrow Never Knows" (além de provavelmente o piano ao final da faixa, e o solo de guitarra, backwards), não esquecendo o baixão groovado em uma única nota contribui para o clima hipnótico da peça. Bass and drums: sem Ringo, essa música jamais teria "acontecido". Da forma que foi executada e gravada (a chamada master take) ela nunca poderia ter sido reproduzida. Um happening como outro qualquer. Isso porque para conseguir mixar os loops de fita (as "gaivotas"), tudo seria improvisado. Uma galera, várias máquinas de fita e alguns lápis. Esse foi o caldeirão cozido por John, motivado pela leitura de The Psychedelic Experience, que por sua vez era uma leitura do Livro Tibetano dos Mortos, e temperado pela música indiana - o centro tonal (Dó) é estático; mesmo com a única mudança de acorde, a nota mais grave (fundamental) continua sendo Dó. Uma música modal, que não segue um pensamento tonal (caracterizada por progressões as mais diversas). Uma idéia trazida aos Beatles através de George, claro. A tambura já havia sido apresentada lá na primeira esquina de Revolver. The end of the beginning.

Total Time:
40:59

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Rubber Soul [Mono Mix]

2009-12-08T18:58:00.001-03:00

01 - Drive My Car (Lennon/McCartney)
02 - Norwegian Wood (This Bird Has Flown) (Lennon/McCartney)
03 - You Won't See Me (Lennon/McCartney)
04 - Nowhere Man (Lennon/McCartney)
05 - Think For Yourself (Harrison)
06 - The Word (Lennon/McCartney)
07 - Michelle (Lennon/McCartney)

Lançado em 03 de dezembro de 1965, o sucessor de "Help!" trazia um direcionamento musical bem mais sofisticado. É senso comum dizer que aqui começa a fase madura do quarteto. Mas é possível ainda fazer conexões com o álbum anterior, especialmente nas faixas com pegada mais country e folk. Por exemplo, "Norwegian Wood" comparando com "You've Got To Hide...", a diferença é que você não ouviria uma cítara naquele disco e aqui parece que a música não faria sentido sem ela. Difícil citar pontos altos num disco como esse, mas é digno de nota o solo de guitarra de Paul em "Drive My Car" que tem clara influência do som da Motown (assim como "The Word") - George gravou o baixo; também Paul gravou dois baixos em "Think For Yourself", um deles com distorção fuzz (o que ele repetiria somente em Abbey Road); "The Word" traz George Martin no harmônio e Paul no piano. "Nowhere Man" é das melhores safras de Lennon, não é à toa que o novo filme baseado em sua vida chama-se Nowhere Boy. Mas isso é papo pra outro post...

08 - What Goes On (Lennon/McCartney/Starkey)
09 - Girl (Lennon/McCartney)
10 - I'm Looking Through You (Lennon/McCartney)
11 - In My Life (Lennon/McCartney)
12 - Wait (Lennon/McCartney)
13 - If I Needed Someone (Harrison)
14 - Run For Your Life (Lennon/McCartney)

O Lado B abre com Ringo mais uma vez numa postura country, mas dessa vez assinando a composição. Mas o negócio esquenta mesmo no meio da bolacha: o bucolismo de "In My Life", a quase-psicodélica "Wait" e as 12 cordas byrdianas de "If I Neeeded Someone" formam a sequencia definitiva para colocar Rubber Soul num patamar acima de quaisquer dos discos anteriores. Em um dos vídeos Anthology Paul clama a real co-autoria de "In My Life". John chegou a negar, mas segundo Paul ele fez a melodia principal para a letra de John. Sendo isso mesmo, parece mais uma coincidência cósmica com os Beatles: uma música nostálgica, que olha para o passado, talvez a última grande parceria de Lennon/McCartney num disco chave para entender a mudança de som que estava por vir. De Rubber Soul em diante, eles não produziram mais discos de rock 'n' roll, mas obras-primas que mudaram o mundo da música para sempre.

15 - We Can Work It Out (Lennon/McCartney)
16 - Day Tripper (Lennon/McCartney)

E na mesma data que Rubber Soul chegava às lojas, também era lançado um complemento: um 45 rpm que trazia mais uma inovação: ao invés do tradicional lado A e um lado B encheção-de-linguiça, o compacto era composto por dois lados A's. Quer dizer, as duas músicas eram singles. O Dj poderia escolher o lado que quisesse, não havia a indicação de qual era a música-de-trabalho (ou seja, o lado A). Na compilação Past Masters "Day Tripper" vem primeiro, o que funciona pois é a abertura do disco 2. Mas aqui respeito a ordem da coletânea vermelhinha (1962-1965), e também a preferência dos Beatles. É bem claro em entrevistas da época o quanto eles estavam orgulhosos de "We Can Work It Out". Possivelmente pelo harmônio tocado por John, ou a mudança de compasso breve no refrão, ou quem sabe pelo contraste das duas partes distintas, uma mais positiva (Paul) e outra mais realista (John). Não importa, é mais um clássico e é o 11° compacto da discografia (não perca a conta)!

Total Time:
40:38

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Obs.: Esse cd na caixa Mono traz como bônus o mesmo Rubber Soul em Estéreo, na versão descartada por George Martin em 1987. Essas faixas não fazem parte dessa compilação para download, e sinceramente, não consigo ouvir diferença dessa versão original para a atual, remasterizada e disponível em digipack nas melhores lojas do ramo...

Intermission - RAMU

2009-11-28T21:19:00.000-03:00

O tempo sem postar mais nenhum item da discografia-beatle é justificado: fim de semestre, provas, seminários, resumos e tudo aquilo que sempre acontece tudo-ao-mesmo-tempo-agora e nunca uma-coisa-de-cada-vez. Mas isso é passado. Sexta fiz minha última prova, além da audição de violão, onde toquei uma "Marchinha de Carnaval" em duo e um arranjo de "Asa Branca" feita por Ulisses Rocha. Acho que me saí bem. Melhor que a de piano, uma semana antes, com certeza! Mas esse post é mais pra divulgar o RAMU - Recital dos Alunos de Música da UFS.

Programação acima!

Acho que na terça também rola "Classe de Percussão", que não saiu no folder. Além do Snooze & The Rubberman fazendo um repeteco do tributo ao Abbey Road do último dia 14, na quarta eu também acompanho o guitar-hero Alex Victor. É de graça, então é só colar....

Help! [Mono Mix]

2009-11-06T08:12:00.001-03:00

01 - Help! (Lennon/ McCartney)
02 - The Night Before (Lennon/ McCartney)
03 - You've Got To Hide Your Love Away (Lennon/ McCartney)
04 - I Need You (Harrison)
05 - Another Girl (Lennon/ McCartney)
06 - You're Going To Lose That Girl (Lennon/ McCartney)
07 - Ticket To Ride (Lennon/ McCartney)

A última faixa desse Lado 1 foi o primeiro single dos Beatles em 1965: "Ticket To Ride", com seu riff de guitarra instigante. Mas voltaremos ao compacto mais tarde. Aqui a ordem do Lp foi respeitada, e nada melhor que "Help!" pra abrir qualquer disco. Diferentemente do disco americano, o álbum parece pouco com uma trilha sonora, sendo apenas mais uma vez uma coleção das novas composições da dupla dinâmica, e novas contribuições de George. Confesso que, em minha juventude, não gostava tanto do Help! como de outros álbuns. Hoje não consigo entender esse sentimento, pois é clássico um-atrás-do-outro... O predecessor do Rubber Soul faz jus a tal posição: enquanto que naquele disco o grupo flerta com o soul, aqui é o country que dá o tom ("Another Girl", "I've Just Seen a Face") e o folk que era rock agora é só acústico mesmo ("You've got to..."). Mais Dylan, impossível. Detalhe pra guitarra solo em "Another Girl" - é o velho Macca mostrando suas multi-habilidades.

08 - Act Naturally (Vonnie Morrison/ Johnny Russell)
09 - It's Only Love (Lennon/ McCartney)
10 - You Like Me Too Much (Harrison)
11 - Tell Me What You See (Lennon/ McCartney)
12 - I've Just Seen A Face (Lennon/ McCartney)
13 - Yesterday (Lennon/ McCartney)
14 - Dizzy Miss Lizzy (Larry Williams)

O lado 2 abre com Ringão mandando bem nesse country altamente previsível. Digno de um lado B de compacto, típico filler. Mas é Beatles, hora, funciona! Não menos comercial é "It's Only Love", pelo menos o arranjo é interessante... As coisas começam a melhorar com "You Like Me Too Much" (aliás, bem melhor que "I Need You"), que traz uma introdução num piano Steinway, tocado por George Martin e Paul ao mesmo tempo, além de John no piano elétrico. Um exemplo clássico da capacidade deles de elaborarem arranjos inusitados para músicas simples. Mesma coisa em "Tell Me What You See", onde John toca tábua-de-lavar-roupa, e Paul piano elétrico. John, Paul e George fazem violão na ótima "I've Just Seen a Face" (não tem baixo!) e "Yesterday" é aquela música que persegueria John Lennon pro resto de sua vida. O quarteto de cordas é o grande lance aqui, mas não dá pra negar: Paul é o baladeiro-mor, nasceu pra isso e o faz divinamente. Dá-lhe "scrambled eggs"...

15 - Yes, It Is (Lennon/ McCartney)
16 - Bad Boy (Larry Williams)
17 - I'm Down (Lennon/ McCartney)

Essas são as respectivas capas dos singles de número 09 e 10 na discografia britânica dos 4-Four, ambos lançados antes do álbum (que saiu em 06 de agosto!). Ticket To Ride foi lançado em 09 de abril de 1965, e trazia em seu lado B uma pequena pérola: "Yes, It Is" é pura melancolia com um envolvente efeito de pedal de volume da guitarra de George (também usado em "I Need You") e deslumbrantes vocais dos 03 de arrepiar qualquer marmanjo apaixonado. Pois bem, pra quem não sabe essa música teve uma versão horrenda no Brasil, trilha de novela ("foi um sonho que passoooou... longe demaaais"), um pesadelo infeliz para uma música tão bela...

"Bad Boy" seria o último cover gravado pelos Beatles, lançado antes de "Dizzy Miss Lizzy", do mesmo autor, no álbum da Capitol Beatles VI (a arte de dar nomes a discos dos outros...), que saiu em junho. Na Inglaterra ela só apareceria na compilação "A Collection of Beatles Oldies", feita pro Natal de '66! E, finalmente, o lado B desse compacto acima, lançado em 19 de julho de 1965, é o rockão "I'm Down", berrado por Paul, e escudado por John no piano elétrico. Antológico é ver o quarteto tocando isso no Shea Stadium, com Lennon solando com seus cotovelos e rindo de sua própria loucura.

Total Time:
42:51

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Obs.: Esse cd na caixa Mono traz como bônus o mesmo Help! em Estéreo, na versão descartada por George Martin em 1987. Essas faixas não fazem parte dessa compilação para download, e sinceramente, não consigo ouvir diferença dessa versão original para a atual, remasterizada e disponível em digipack nas melhores lojas do ramo...

Beatles For Sale [Mono Mix]

2009-10-24T20:28:00.000-03:00

01 - No Reply (Lennon/ McCartney)
02 - I'm A Loser (Lennon/ McCartney)
03 - Baby's In Black (Lennon/ McCartney)
04 - Rock And Roll Music (Chuck Berry)
05 - I'll Follow The Sun (Lennon/ McCartney)
06 - Mr. Moonlight (Roy Lee Johnson)
07 - Medley: a) Kansas City (Jerry Leiber/ Mike Stoller);
b) Hey, Hey, Hey, Hey (Richard Penniman)

As gravações pro novo Beatle-LP começaram por volta de agosto, logo após a gigantesca segunda turnê americana. Como de costume, ao invés do descanso, era preferível garantir um novo lançamento pro Natal... E em 04 de dezembro de 1964 surge Beatles For Sale com essas caras sérias e entediadas com a fama. É um disco beeem mais "rock" que o anterior, garantido por mais releituras de clássicos. John Lennon contribui bastante nesse álbum com sua já citada verve dylanesca, e em "Baby's in Black" seu dueto com Paul era sempre apresentado em shows como "uma valsa" (deviso ao compasso ternário). É também de Lennon a rasgação em "Rock and Roll Music", Mr. Berry deve ter ficado orgulhoso... Se não me engano, "I'll Follow The Sun" era uma canção bem antiga de Paul, que ele aproveitou pros Beatles. É de McCartney o solo de órgão Hammond ouvido em "Mr. Moonlight", mas não foi dele a idéia do "Medley" que fecha o Lado 1. Little Richard, autor de "Hey, Hey, Hey, Hey" é que praticava essa junção com o standard "Kansas City". Paul levou essa idéia aos palcos com os Beatles, e assim ela foi registrada em glorioso vinil.

08 - Eight Days a Week (Lennon/ McCartney)
09 - Words of Love (Buddy Holly)
10 - Honey Don't (Carl Lee Perkins)
11 - Every Little Thing (Lennon/ McCartney)
12 - I Don't Want To Spoil The Party (Lennon/ McCartney)
13 - What You're Doing (Lennon/ McCartney)
14 - Everybody's Trying To Be My Baby (Carl Perkins)

O Lado 2 começa com um fade in, talvez o primeiro sinal de experimentação de técnicas nunca antes ouvidas em estúdio (assim como o feedback em "I Feel Fine"). Assim é a introdução de "Eight Days a Week", que poderia tranquilamente ter sido um tremendo compacto. E as homenagens a seus ídolos do rock ainda ganham espaço: Buddy Holly é realmente um dos artistas favoritos de Paul McCartney - ele teria comprado os direitos de suas músicas (onde eu ouvi isso antes ?!), e Carl Perkins tocou anos mais tarde no disco "Tug of War" do Paul. Mas em 64 ele só assistiu Ringo entoar "Honey Don't" e George a hilária "Everybody's Trying To Be My Baby", outra pincelada do repertório ao vivo. "What You're Doing" pode ser considerada como filler, mas como qualquer coisa dos Beatles, tem seu grau de interesse: o riff de bateria do começo que reaparece ao final da música parece uma clara homenagem a Phil Spector e o sucesso das Ronettes "Be My Baby" - música favorita de Brian Wilson, que John Lennon gravaria em 1975 no seu disco "Rock 'n' Roll".

15 - I Feel Fine (Lennon/ McCartney)
16 - She's a Woman (Lennon/ McCartney)

Naquela 'nóia' de não repetir músicas dos álbuns em singles (pelo menos não sempre hehe), ao invés de lançar "Eight Days a Week", os Beatles sacaram mais duas canções, e esse compacto sairia na verdade uma semana antes do álbum, em 27 de novembro. E que belo aperitivo. A introdução seminal (e acidental) de "I Feel Fine" traria consequencias definidoras da estética rock por muitos anos na frente. O riff de guitarra que se segue é instigante, o som deles parece cada vez menos convencional, mesmo que na forma, seja tudo previsível e a gosto do freguês. No Lado B, mais um filler by McCartney, mas tudo bem, we love him anyway...

Total Time:
41:04

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A Hard Day's Night [Mono Mix]

2009-10-18T15:38:00.001-03:00

01 - Can't Buy Me Love (Lennon/ McCartney)
02 - You Can't Do That (Lennon/ McCartney)

Lançado em 20 de março de 1964, o sexto compacto dos Beatles trazia duas canções que ficaram mais conhecidas como parte da trilha sonora do filme (therefore, do álbum) A Hard Day's Night. Mas os três meses de antecedência em relação ao filme-trilha, faz esse compilador considerar esse como o pontapé inicial dessa fase do grupo. Digno de nota é que a partir desse single, os Lados B tornam-se tão relevantes quanto os Lados A. "You Can't Do That" pode não ser tão vibrante quanto "Can't Buy Me Love" mas ajuda a definir o som dos Beatles (baixo groovado, harmonias vocais, etc.). Ecos dessa canção podem ser conferidos no EP que seria lançado logo em seguida...

03 - Long Tall Sally (Enotris Johnson/ Richard Penniman/ Robert Blackwell)
04 - I Call Your Name (Lennon/ McCartney)
05 - Slow Down (Larry Williams)
06 - Matchbox (Carl Lee Perkins)

Você conhecia essa capa aí ao lado? Pois é, esse foi o novo lançamento dos Beatles em 1964, após o single já comentado. O lado A foi gravado em 1º de março e trazia "Long Tall Sally", cover de Little Richard, e presença constante nas apresentações do grupo, geralmente abrindo os shows, e uma original. Ambas as faixas foram primeiro lançadas no mercado americano, especificamente no LP The Beatles' Second Album, de 10 de abril de 1964. A Parlophone então juntou essas com mais duas para fazer o EP lançado em 19 de junho. No Lado B, mais versões do cancioneiro rockenrou, gravadas no começo de junho: "Slow Down" foi a primeira das três canções de Larry Williams que os Beatles gravariam até 1965, e "Matchbox" foi supervisionada no estúdio pelo próprio autor, Carl Perkins, ídolo-mor de todos eles, especialmente de George Harrison (porém quem gravou os vocais foi Ringo). Em ambas as faixas ouve-se também o piano de George Martin.

07 - A Hard Day's Night (Lennon/ McCartney)
08 - I Should Have Known Better (Lennon/ McCartney)
09 - If I Fell (Lennon/ McCartney)
10 - I'm Happy Just To Dance With You (Lennon/ McCartney)
11 - And I Love Her (Lennon/ McCartney)
12 - Tell Me Why (Lennon/ McCartney)

É impossível não lembrar que a edição nacional trazia a cor vermelha de fundo e o título do filme em português: Os Reis do Ié-Ié-Ié, justiça seja feita, é mais fidedigno ao original britânico do que a trilha sonora lançada pela United Artists nos EUA, que continha apenas as faixas usadas no filme (o Lado 1) com exceção de "If I Fell" (acredite!) espalhadas nos dois lados, entrecortadas por vinhetas instrumentais orquestradas por George Martin pro filme. Mas voltando ao álbum lançado pela Parlophone em 10 de julho de 1964 (mesma data de um novo compacto com "A Hard Day's Night"/ "Things We Said Today"), musicalmente é perceptível a evolução dos compositores. Após o EP dominado por versões, esse é o primeiro álbum exclusivamente de músicas próprias (coisa que os Rolling Stones só viriam a fazer em 1966!), e o único da carreira a trazer apenas músicas de Lennon & McCartney, pois o Harrison só voltaria a contribuir na trilha do próximo filme, um ano mais tarde. Nesse disco ele canta a ótima "I'm Happy Just To Dance With You".

13 - Anytime At All (Lennon/ McCartney)
14 - I'll Cry Instead (Lennon/ McCartney)
15 - Things We Said Today (Lennon/ McCartney)
16 - When I Get Home (Lennon/ McCartney)
17 - I'll Be Back (Lennon/ McCartney)

E essas são as outras faixas do Lado 2, não usadas no filme, apesar de "I'll Cry Instead" ter sido composta especificamente para a trilha. Essa é a faixa que abre inclusive o LP Something New da Capitol, que traria as canções que não vinham na trilha do filme mais o Lado B do Ep lá de cima... Ainda sobre "I'll Cry Instead": pode-se dizer que é um marco numa linha de temas característico de Lennon nos mid-60's - que musicalmente revelavam a influência de Dylan, que por sua vez se reinventou inspirado pelo som dos britânicos. A angústia, a depressão, a solidão, ao invés do lugar-comum dos românticos temas do ano anterior. Ele continuaria a desenvolver essa linha com "I'm a Loser" e "I Don't Want To Spoil The Party", de Beatles For Sale, chegando ao ápice com "Help!". Não é de se estranhar então que o último número desse disco também acabe pendendo pra uma bela melancolia ("I'll Be Back"). Amores partidos, ao invés do romance perfeito: I wanna go, but I hate to leave you...

Total Time:
40:09

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With The Beatles [Mono Mix]

2009-10-15T10:25:00.001-03:00

01 - She Loves You (Lennon/ McCartney)
02 - I'll Get You (Lennon/ McCartney)

O quarto compacto dos Beatles foi gravado em 1º de março de 1963, e lançado em 23 de agosto. Mais um smash hit, como já se sabe. E mais um lado B bobinho, mas que funciona que é uma beleza. Eu gosto.

03 - It Won't Be Long (Lennon/ McCartney)
04 - All I've Got To Do (Lennon/ McCartney)
05 - All My Loving (Lennon/ McCartney)
06 - Don't Bother Me (Harrison)
07 - Little Child (Lennon/ McCartney)
08 - Till There Was You (Meredith Willson)
09 - Please Mister Postman (B. Holland/F. C. Gorman)

A célebre foto de Robert Freeman além de dar uma ar mais artístico ao segundo álbum dos Beatles pela Parlophone, estampou os primeiros LPs do grupo lançados nos EUA (Meet The Beatles) e também no Brasil (Beatlemania). Diferente de Please Please Me nenhum single foi incluído ou retirado do álbum, mas como naquele disco há ainda vários covers, mas nunca mais do que as originais. O Lado A começa com 05 delas, todas excelentes, um clássico ("All My Loving") e o primeiro registro de uma composição de George Harrison. "Don't Bother Me" é mais ou menos o que George gostaria de dizer aos jornalistas que o enchiam especulando sobre suas habilidades para compor e rivalizar com os companheiros de banda... A "Till There Was You" original foi trilha de um musical ("O Vendedor de Ilusões") e "Please Mister Postman" é novamente de um grupo feminino americano: The Marvelettes.

10 - Roll Over Beethoven (Chuck Berry)
11 - Hold Me Tight (Lennon/ McCartney)
12 - You Really Got A Hold On Me (Smokey Robinson)
13 - I Wanna Be Your Man (Lennon/ McCartney)
14 - Devil In Her Heart (Richard B. Drapkin)
15 - Not A Second Time (Lennon/ McCartney)
16 - Money (That's What I Want) (Janie Bradford/ Berry Gordy Jr.)

O lado 2 do disco lançado em 22 de novembro reveza covers com originais, mostrando bem as influências principais do quarteto: rock 'n' roll clássico e o som da Motown; Chuck Berry é o pai da matéria, Smokey Robinson foi o líder dos Miracles e grande estrela do soul americano, já Berry Gordy (co-autor de "Money") é o chefão da Motown - idealizador, produtor executivo, e ao que parece, compositor. Já "Devil In Her Heart" é (adivinha) do grupo feminino americano The Donays. O legal dessa compilação é seguir "Money" (que traz George Martin no piano), com o single responsável pela doença que assolou o mundo no fim de 1963: a Beatlemania. If you want it, you got it!

17 - I Want To Hold Your Hand (Lennon/ McCartney)
18 - This Boy (Lennon/ McCartney)

Naquela necessidade de não repetir material dos álbuns em seus singles, em 17 de outubro ocorre a gravação do próximo compacto. "I Want To Hold Your Hand" sai em 29 de novembro - uma semana após With The Beatles, e se tornaria o primeiro #1 dos Beatles também no mercado americano. Mas bacana mesmo é o Lado B, totalmente Beach Boys, uma das minhas faixas prediletas dos Fab Four.

19 - Komm, Gib Mir Deine Hand (Lennon/ McCartney/
Nicholas/ Montague)
20 - Sie Liebt Dich (Lennon/ McCartney/ Nicholas/ Montague)

Essas bizarrices estão presente nos Past Masters, e agora nos Mono Masters. Também anteriormente podia-se ouvir essas versões no LP "Rarities". Mas ainda em '64, "Komm, Gib Mir Deine Hand" saiu pela Capitol (EUA) no disco Something New. Trata-se de uma gravação feita em Paris, em janeiro de 1964, por pedido da EMI alemã. Após muita insistência dos chefes, os Beatles toparam e o compacto com dois Lados A sairia na Alemanha em 05 de março de 1964. Em Komm, Gib Mir Deine Hand o que ouvimos é a mesma basic track do original britânico, eles apenas regravaram os vocais em alemão (créditos das letras lá em cima) e palmas. Já Sie Liebt Dich é uma real regravação de She Loves You, pois as fitas master haviam sido apagadas (!). Fato é, depois de dois álbuns e 05 singles, os Beatles não precisariam berrar que queriam "Money" por um bom tempo...

Total Time:
47:48

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Part 1
Part 2

Please Please Me [Mono Mix]

2009-10-12T19:05:00.000-03:00

01 - Love Me Do (Lennon/ McCartney)
02 - P.S. I Love You (Lennon/ McCartney)

Compacto lançado em 05 de outubro de 1962. A versão de "Love Me Do" é com Ringo Starr na batera, diferente do registro do álbum Please Please Me, gravado pelo "baterista profissional" Andy White nas mesmas sessões - a primeira oficial dos Beatles em Abbey Road (04/set/62). O grupo fez questão de lançar a versão com o Ringo no single, e a versão "alternativa" realmente não faz diferença alguma. Então em nossa discografia ela foi solenemente limada (porém é a mais fácil de se achar nas cópias estéreo em digipack do álbum). Esse é o famoso single que alcançou "somente" o 17º lugar das paradas, o que seria mudado rapidamente...

03 - Please Please Me (Lennon/ McCartney)
04 - Ask Me Why (Lennon/ McCartney)

Lançamento: 11 de janeiro de 1963, então só podem ter sido gravadas ainda em 1962! O lado A matador daria o nome ao primeiro álbum alguns meses depois, e a série de "number ones" começa aqui...

05 - I Saw Her Standing There (Lennon/ McCartney)
06 - Misery (Lennon/ McCartney)
07 - Anna (Go To Him) (Arthur Alexander)
08 - Chains (Gerry Goffin/ Carole King)
09 - Boys (Luther Dixon/ Wes Farrell)

Estas são as faixas que compõem o Lado 1 de Please Please Me, seguidas daquele segundo single em ordem invertida. Foram 13h de gravação em 11 de fevereiro de 1963, e o disco foi lançado em 22 de março do mesmo ano. O que dizer do álbum de estréia da maior banda de todos os tempos? O óbvio: é um dos melhores álbuns de estréia de qualquer banda de rock. Impressionantemente bem executado, resultado da larga familiaridade que o quarteto já tinha com o repertório em Hamburgo e no Cavern Club, aliás a idéia da sessão foi essa mesmo - o produtor George Martin pediu pra eles escolherem o melhor de seu set e o resultado é história. Os covers: Arthur Alexander gravou sua própria música "Anna" um ano antes dos Beatles. Os Rolling Stones também gravariam "You Better Move On" do mesmo compositor. Já tanto "Chains" quanto "Boys" foram gravadas por grupos femininos americanos: The Cookies e Shirelles, respectivamente, aliás sempre achei esquisito o Ringo berrando "Boys"... é bom saber a origem das coisas! Ah, se alguém não sabe, os vocais principais de "Chains" são de George.

10 - Baby It's You (Hal David/ Barney Williams/ Burt Bacharach)
11 - Do You Want To Know A Secret (Lennon/ McCartney)
12 - A Taste Of Honey (Ric Marlow/ Bobby Scott)
13 - There's A Place (Lennon/ McCartney)
14 - Twist And Shout (Phil Medley/ Bert Russel)

O Lado 2 de Please Please abre com a mesma sequencia do single de estréia do grupo (sendo que já sabemos que a gravação de "Love Me Do" traz um baterista não-beatle). Em seguida, o grand finale, alternando covers e originais: "Baby It's You" é a segunda faixa do disco gravada anteriormente pelas Shirelles, e traz como co-autor o grande Burt Bacharach; "Do You Want..." é cantada por George, apesar de composta obviamente por John; "A Taste Of Honey" é trilha de filme homônimo, canção fácil de ser encontrada em versões instrumentais de grandes bandas; e o encerramento é o arrasa-quarteirão "Twist And Shout", gravada originalmente um ano antes pelos Isley Brothers. Já ouvi essa versão (toquei até no Programa de Rock), e a conclusão foi: não ter sido composta por Lennon e McCartney foi um detalhe histórico, mas a versão dos Beatles fez dessa uma canção deles. É muita personalidade pruma banda "estreante". É definitivamente sinal da qualidade do material que eles continuariam a produzir....

15 - From Me To You (Lennon/ McCartney)
16 - Thank You Girl (Lennon/ McCartney)

Duas semanas após o lançamento de Please Please Me, sai um novo compacto - esse aí do lado. E é evidente em toda carreira dos Beatles, ao invés da saída fácil de tirar do disco mais uma faixa pra lançar o single (por exemplo "Twist And Shout" seria a escolha óbvia), eles optam por gravar duas canções originais fresquinhas. Data de lançamento: 12 de abril de 1963, e a Beatlemania ainda está engatinhando, mas o single lidera imediatamente o topo das paradas britânicas. Yet again.

Total Time:
37:18

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Parte 1
Parte 2

My Beatles in Mono

2009-10-12T09:42:00.000-03:00

Não, eu não importei a linda caixinha em Mono dos Beatles. Pra quem não tá sabendo, além da Stereo Box, com os mesmos discos disponíveis para venda avulsa, essa segunda caixa não terá seus discos vendidos separadamente. E qual a importância disso? Que diferença faz? Bem, essas são as mixes originais dos álbuns e singles, e por muito tempo foram as únicas existentes. Quando o estéreo surgiu, nem se acreditava que ele ia pegar, muito menos substituir o mono. Isso quer dizer que os Beatles participavam e opinavam das mixes em mono, enquanto que a versão em estéreo era mais pra satisfazer um mercado ainda em expansão. A diferença não é tanta assim, mas dá pra dizer que é uma experiência diferente sim. Fora que, em alguns álbuns mais pra frente há versões diferentes de algumas músicas nas duas mixes. Então além da curiosidade de fã, torna-se um capricho de colecionador a obtenção de todas as versões de todas as gravações dos Fab Four... E pra quem efetivamente compra a caixa em mono, um mimo: ao invés dos modernos digipacks, cada disquinho reproduz fielmente um mini-vinil exatamente como na época do lançamento.
Voltando à minha coleção, estou aos poucos adquirindo os digipacks em estéreo (por enquanto: Abbey Road e Yellow Submarine), e achei os torrents em .flac (leia-se: qualidade de cd) da caixa em mono. O que vou fazer com isso? Meus próprios cds, ou do jeito que eu gostaria que fossem lançados, se algum executivo da EMI fosse insano como eu.
Explico, a base para essas compilações que irei disponibilizar nesse blog é a seguinte: odeio coletâneas. E por mais que os Past Masters cumpram sua função - a de coletar os singles dos Beatles já que eles não os incluiam nos álbuns -, não me conformo em ouvir um disco que cobre tantos anos e fases distintas dos Beatles numa mesma ordem, tendo como direção apenas a cronologia dos lançamentos. Então já que arquivos podem ser manipulados, ao contrário de um cd prensado, é assim que ouvirei minha coleção em Mono. E quem quiser baixar, pode conferir que o disco duplo Mono Masters é um item completamente dispensável nessa discografia... afinal espaço pra bonus tracks é o que não falta em discos de pouco mais de 30 minutos, certo?
Ah, outra justificativa pra algumas junções arbitrátrias em minha discografia: esses discos que a gente conhece hoje com começo, meio e fim e capas definitivas são a discografia britânica da época. O poderoso mercado americano só veio a ter esses lançamentos como definitivos (dos discos entre 1963 e 1966) nos relançamentos dos anos 70 e depois nos cds de uma década depois. Discos como Meet The Beatles, Something New, Beatles '65 e Yesterday and Today eram aberrações discográficas da Capitol Records. Verdadeiras compilações dos singles recém-lançados pela Parlophone na Inglaterra, juntando faixas avulsas geralmente de dois discos diferentes. Por exemplo, "Please Me Please" com "With The Beatles"; "A Hard Day's Night" com "Beatles For Sale"; "Rubber Soul" com "Help", daí as faixas não usadas em determinado lançamento viravam um novo disco... coisa de louco! E por muito tempo eram essas bizarrices que os americanos tinham como referência prum disco dos Beatles, chegando-se ao ponto de termos um álbum chamado Rubber Soul que não abre com "Drive My Car" e sim "I've Just Seen a Face" (do Help!). Isso tudo justifica algumas "licenças poéticas" que tomei para organizar essa minha discografia. Mas o que importa mesmo é a música. E essa... as good as it gets.

Tirando as próprias conclusões...

2009-09-25T23:25:00.000-03:00

40 anos depois, e o som em Abbey Road continua surpreendente. Minha primeira incursão nessas novas remasterizações da discografia dos Fab Four não poderia ser por melhor caminho. Primeiro disco deles mixado exclusivamente em Stereo, o canto do cisne dos The Beatles contém alguns dos arranjos mais sofisticados que eles engendraram junto ao fiel escudeiro George Martin - mesmo este tendo sido dispensado meses antes durante as gravações de Get Back/ Let it Be, com Lennon dizendo que eles não precisavam de seu "production rubbish".
E não é que de fato essa remasterização faz toda a diferença? Não que eu seja especialista na área, e não que eu achasse ruim as versões em cd lançadas a partir das masters feitas em 1987 pelo próprio Mr. Martin. As mixes são exatamente as mesmas daquela época (a propósito esses vinis lançados no Brasil em 1988 soam muito bem, obrigado, também!), mas é impossível não se entusiasmar com a clareza da totalidade dos detalhes e instrumentos usados em Abbey Road. Não sei se nos trabalhos iniciais vai fazer tanta diferença assim (talvez na versão Mono da caixa, disponível na gringa), mas o fato é que depois de ouvir esse Abbey Road, qualquer outra versão é dispensável. Tá, não tô dizendo que vou me desfazer de meu vinil americano comprado em Brasília por 0,50 centavos, mas até a arte, o trunfo eterno do vinil ganha outra dimensão nessa versão 2009.
Aliás, se tinha algo que eu reclamava dos cds antigos era como era pobre a parte gráfica. Nem parecia que era uma banda com garantia de vendas como os Beatles. De fato eu tive o cd do Abbey Road em alguma época de minha vida, mas acabei perdendo-o (até hoje penso que o emprestei e nunca devolveram). Voltando à my obsession, a caixinha luxuosa dá vontade de não largar nunca. As fotos são perfeitas. O encarte é daquele papel bom. E são muitas fotos, e bons textos também (contexto histórico e notas de produção). Achei que essas novas versões trariam as letras de todos os discos, mas até nisso eles foram fiéis aos lançamentos originais. Ao que parece (ainda falta conferir) só mesmo o Sgt. Pepper's e o White Album trarão as letras, tradicionalmente.
Ah, o cd é enhanced. O mini-doc é mesmo mini. Tão pequeno que dá raiva. Mas as imagens e depoimentos (e música claro) são muito bem selecionados, contendo segundos inéditos tanto de imagem quanto de takes alternativos. Mas é tudo muito rápido. Não dá pra dizer que vale a compra, porém ouvir o disco repetidamente descobrindo novas nuances, sim. O John soltando gemidos ao final de "Come Together", o moog em "Maxwell's Silver Hammer", as bolhas de "Octopus' Garden". O baixo gordo, as guitarras mais rock de toda a discografia... tá tudo lá, em versão melhorada.
Que tal conferir? Depois me conta o que achou...
Gostou? Compre aqui e seja feliz!

Beatlemania Strikes Back

2009-09-25T08:52:00.001-03:00

40 anos de Abbey Road, discografia remasterizada... That means a lot!!!

Wry de volta em Aracaju

2009-09-04T20:41:00.001-03:00

O Wry é uma banda seminal, da segunda metade dos anos 90 do rock independente nacional, mas encará-la apenas por esse prisma é ignorar as transformações musicais pelas quais ela passou nos últimos sete anos vivendo e tocando em Londres.

O retorno ao Brasil e a sua cidade natal, marca o fechamento de um ciclo cabalístico em sua trajetória (sete anos de Brasil e sete anos de Londres), uma viagem de volta as suas raízes e ao reencontro de sua verve criativa.

Cada vez mais próximos do shoegaze, deixam um pouco de lado as influencias "guitar/glam" dos primeiros álbuns e incorporam o experimentalismo como linha criativa.
Em composições bem estruturadas e com um senso pop na medida certa, flertam com ritmos
e melodias pouco comuns ao gênero e enriquecem sua sonoridade com instrumentos exóticos
e estruturas musicais mais ousadas, recebendo, até mesmo, elogios de Kevin Shields do My Bloody Valentine, que assistiu a uma de suas apresentações em Londres.

O novo álbum, She Science é o sexto trabalho lançado pelo Wry e vai mais a fundo na sonoridade proposta no EP Whales and Sharks, lançado anteriormente na Inglaterra pelo selo ClubAC30. Ciência, nostalgia e o mundo onírico se misturam em canções envolventes e multifacetadas com rompantes inesperados de puro noise e melodias que não saem da cabeça e te acompanham durante todo dia.

Completam a noite as atrações locais Snooze e Jezebels.

SERVIÇO

Wry (SP/ UK), Snooze, Jezebels

12/ setembro (sábado)

Capitão Cook (curva do Farol da Orla de Atalaia)

R$ 12,00

Maiores informações:

http://www.myspace.com/wrymusic

http://tramavirtual.uol.com.br/wry

http://wrynow.blogspot.com

http://pt.wikipedia.org/wiki/Wry

http://www.youtube.com/user/wryvideos

Cursos de Extensão em Música - Parte II

2009-08-25T00:01:00.000-03:00

Núcleo de Música da UFS

oferece

Cursos de Extensão em Música – 2009/2

De 08 de Setembro a 27 de Novembro

Teoria Musical II

Percepção Musical II

Apreciação Musical

Formas musicais

Metodologia do Ensino da Teoria Musical

Metodologia do Ensino de Piano em Grupo

Local de aula

Os cursos ocorrerão nas salas reservadas ao curso de Licenciatura em Música na Didática III, Campus de São Cristóvão, com exceção do curso de Formas Musicais, que ocorrerá no Conservatório de Música de Sergipe.

Certificação

Cada curso terá um certificado de participação emitido pela UFS, contendo a frequência e nota final de aproveitamento.

Inscrições

As inscrições serão realizadas na secretaria do Núcleo de Música, Sala 18, Didática II do Campus de São Cristóvão, entre 15 de julho a 04 de Setembro, das 14:00 às 21:00.

Os cursos são independentes, ou seja, a participação em um dos cursos não requer a participação em outro prévio ou simultâneo.

É possível participar de quantos cursos quiser, atentando ao fato que o valor dos cursos são independentes.

Somente o curso de Apreciação Musical não possui pré-requisitos. Os demais exigem um conhecimento prévio (ver conteúdo programático)

Cursos

Teoria Musical II

Turma A = Terça-feira das 9:00h às 11:00h

Turma B = Quarta-feira das 19:00h às 21:00h

Conteúdo: Signos de compassos mistos e compostos, clave de dó na 3ª e 4ª linha e claves antigas, síncopa e contratempo, tétrades, campo harmônico das tonalidades maiores e menores, modos litúrgicos.

Conhecimento mínimo: Compassos simples, intervalos, escala maior e menor, tríades, armaduras de clave.

Percepção Musical II

Turma A = Terça-feira das 19:00h às 21:00h

Turma B = Quarta-feira das 09:00h às 11:00h

Conteúdo: Leitura e transcrição rítmica de exemplos em compassos compostos utilizando síncopas e contratempos, solfejo e transcrição melódica de exemplos musicais simples em dó maior (com intervalos de até uma quinta justa), identificação e solfejo de intervalos diatônicos simples, identificação de acordes maiores, menores, aumentados e diminutos

Conhecimento mínimo: Leitura, solfejo e transcrição rítmica de exemplos musicais simples dó maior, identificação de acordes maiores e menores.

Apreciação Musical

Quinta-feira das 09:00h às 11:00h

Conteúdo: Audição comentada e contextualizada de formas e estilos musicais de diversos períodos da música clássica européia, desde a música renascentista até a música do século XX, abordando de forma sucinta suas principais características e procedimentos composicionais.

Sem pré-requisito

Formas Musicais

Quinta-feira das 19:00h às 21:00h

Conteúdo: Frases e períodos musicais, cadência, modulação, forma binária, forma ternária, forma rondó, forma sonata, fuga, choro.

Conhecimento mínimo: Intervalos, tríades, leitura e escrita de partitura.

Metodologia do Ensino da Teoria Musical

Terça-feira das 09:00h às 11:00h

Conteúdo: Problemas básicos no ensino da teoria musical para alunos iniciantes, intermediários e avançados. Como motivar o aprendizado da teoria musical através da contextualização do assunto estudado. Uso de recursos tecnológicos para exemplos da literatura. A importância das avaliações. Como lidar com a heterogeneidade.

Conhecimento mínimo: Ser professor de teoria musical ou ter bom conhecimento sobre a gramática (leitura e normas de escrita musical) e teoria musical.

Metodologia do Ensino de Piano em Grupo

Quarta-feira das 09:00h às 11:00h

Conteúdo: Metodologia do ensino de piano em grupo com apenas 1 piano, e com múltiplos teclados. Técnicas de ensino de piano em grupo especificas para crianças, adultos e idosos. Noções sobre a escolha de repertórios, identificação do nível dos alunos, e resolução de problemas técnicos básicos.

Conhecimento mínimo: Ser professor de piano, ou ter conhecimento intermediário do instrumento (pelo menos 2 anos de estudo do piano).

Objetivos, Público alvo e Organização

Os Cursos de Extensão em Música visam a formação inicial e continuada de músicos e amantes da música que pretendam obter um pouco mais de conhecimento técnico para poder aproveitar a máximo sua experiência musical.

Cada curso é organizado em um encontro de duas horas por semana. Todos os cursos terão a duração de vinte e quatro horas (doze semanas), com exceção do curso de Formas Musicais, que terá a duração de dezesseis horas (oito semanas).

Os ministrantes são alunos avançados do curso de Licenciatura em música e professores efetivos do Núcleo de Música da UFS. A coordenação pedagógica está sob a responsabilidade do Prof. Dr. Hugo Ribeiro.

Duração e Valor

Cada curso tem a duração de vinte e quatro horas distribuídas ao longo de doze semanas, resultando num valor total de R$150,00 (cento e cinquenta reais) a serem pagos no ato da inscrição com três cheques de R$50,00. Se preferir pagar à vista, terá um desconto de 20% sobre o valor total do curso.

O curso de Formas Musicais terá a duração de dezesseis horas distribuídas em oito semanas, com um valor de R$80,00 (oitenta reais) a ser pago a vista ou em duas vezes.

Para pessoas com necessidades financeiras comprovadas, poderão ser concedidas bolsas de 50% a 100% sobre o valor do curso.

Professores dos cursos

José Rafael de Oliveira Jr.

Fabio Alexandre de Oliveira

Saulo José Ferreira Santos

Luiz Eduardo de Souza Amaral Rocha

Tereza Cristina Criscuolo Montesanto

Carlos Heitor Mendonça

Prof. Dr. Hugo Ribeiro

Prof. Dr. Christian Lisboa

Coordenação

Prof. Dr. Hugo Ribeiro

Maiores Informações

Através do telefone 2105-6891

(secretaria do Núcleo de Música)

ou através do email

musica@ufs.br

Leonard Bernstein e a Música do Século XX

2009-08-08T22:03:00.000-03:00

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Track details

eSnips Social DNA

Essa brilhante palestra é a introdução para a peça Pithoprakta, de Iannis Xenakis, faixa 04, disco 09 da famosa série da New York Philharmonic, originalmente transmitida pela TV americana, também disponível em DVD. Uma espécie de "concertos para a juventude", o maestro minuciosamente discursa sobre os diferentes estilos e compositores e nuances das obras musicais, numa atitude encorajadora à apreciação e desveladora do fazer musical. Não estou tão certo em relação aos outros volumes, mas esse sobre música contemporânea me chamou atenção nos meus estudos para o SISPEM, onde devo apresentar algo em relação ao tema aqui proposto (aguardem novos posts on the matter). A acuidade das informações e insights instigantes sobre música contemporânea me levaram a transcrever o texto e disponibilizar por aqui. O inglês é razoavelmente claro e livre de termos técnicos, o que facilita bastante. Boa viagem....

Ps: Mesmo com ouvido atento, algumas palavras me escaparam do entendimento. Peço perdão antecipadamente por eventuais escorregões na língua bretã. Cheers!
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My dear friends, it is not my costume to speak at these concerts except occasionally on the Thursday evening, but we are embarking on a series of such unusual interest and perhaps complexity that I feel a few words may be in order. During these next six weeks we should be examining music of our time, and in a sense, music of the future – in the sense of whatever clues we can find in this music that point the new directions music is taking. Now that music has a future, and nobody will deny, but the nature of it is a question perhaps more crucial now than at any time in the history of music.

These days, changers and fads come and go with such startling rapidity that we can hardly follow them. There are even those who claim that half the avant-garde music we should be playing these next weeks is already old-fashioned. We live in a time of anxious confusion. _____ are easily perpetrated – everybody and nobody seems to be an authority on the subject. Serialism and electronics are jostling each other for first place in the race and 'chance' or 'random' music and jazz improvisation try to make a peaceful coexistence: often fail, often try again... Some new music has reached the mathematical complexity that staggers the mind, whereas other new music has reverted to a semi-idiotic simplicity where two notes, spaced a minute apart can constitute a sonata. Or, for that matter, even to new dada notion of no notes at all, or in some extreme cases, the notion of dropping a hairing down into a tuba and calling it a 'musical happening' or 'moment' or 'event' or conceivably a sonata for hairing and tuba.

In all this mess of truth and falsehood, of sincere striving and ambitious _________, there must be some constance, some invariables, and in fact some music of importance or charm or even of beauty. And believing this we've scheduled these series of works, which are the best and most representative examples we could find of what is now going on. Obviously we couldn't make a complete survey, specially within the limitations of a subscription series, but I myself am amazed that we can survey even as much as we've planned, there are a few really unfortunate(?) missing. Stockhausen, for example, anyone of whose few orchestral works, there are very few, would require more weeks of preparation than our symphonic society has at its disposal. Another conspicuous absence is that of Gunther Schuller, who represents the third stream of combining jazz and serious elements, so called serious elements... I deeply regret that absence. But we can do only so much, and even to this much the gentlemen of the orchestra are already extending themselves as far beyond the call of duty, and I think they deserve our biding gratitude.

Throughout this survey, you'll find one thing that all the new pieces have in common: and that is that not one of them is tonal in the old beethovenian sense of key, and even in the more liberal sense of Hindemith's or Bartók's tonality. Something seems to have changed qualitatively in music, it's not just a quantitative change like music becoming more dissonant or less tonal. It is a completely qualitatively change, the root of which is the total demise of tonality. Of course there are some reactionary composers still hanging around who cling arduously to the old beloved F Majors and modulatory harmonies, but they are not considered as part of the future by the avant-garde. Who actually does belong to the future is a question we can perhaps answer better six weeks from now, after we have visited some of the far out planets.

I feel also that something else even more basic has changed in music of our time and in all art of our time as well. And that began to happen on that day in August 1945 when a bomb fell on Hiroshima. Since that atomic moment, we've been forced to accept finally, reluctantly, hundreds of years late, the truth of the Copernican revolution, which tells us that man is no longer the center of the universe or of the infinity; the stars are not up above us; the sun is not in the east or in the west; there isn't any up or east or west... there is space, and somewhere in space there is a spec we call Earth along with the innumerable other specs and this spec is inhabited by what we call 'life', and that life is capable of creating new life. That's not an easy revolution to accept, proof of which is that it's taken us so long... now this is no moment to go into the matter physics of this revolution, it's enough to say that we have begun to perceive it in our time and the results in the arts are extraordinary. The main change seems to be that man's ego is no longer the inner motor of a work of art the way it used to be. The hero artist no longer exists. The Beethoven, the Wagner, the Berlioz... that romantic notion of the hero as artist. And modern art these days seems to be a collection of empty novels, non-poems, unpictures, and no-plays (I don't mean the Japanese noplays), and these works are so-described by their creators not just by antipathetic critics. Whether this is good or bad is not for me to say, or for anyone to say yet, although the miles of print on the subject extend from here to Mars, but in all this discussion, pro and con, one thing is clear that the modern artist is at least temporarily in the process of abdicating his personal will, his ego, his personality, and in some way he has begun to relate to space rather than to his fellow man.

Other two pieces we are going to hear now are clear examples of this. Of course, since they were not written five minutes ago they may already be _____ and not indicative at all of what is really new. The Xenakis piece, for example, was written way back in 1956, which makes it practically pre-historic, for the avant-garde point of view. And Ligeti who wrote his strangely beautiful Atmosphere in 1961, a bear two years ago is now, I'm told, engaged in writing a work for mast metronomes. As you see it's, in all seriousness, it's very hard to keep up with the times, but I am sure as anyone candid these days that these two works we're about to hear are central to our times and relevant to the revolution that is taking place in the arts. It's all too easy to laugh off this revolution as a passing fancy or ambitious nonsense. In truth it may be ambitious nonsense, but I rather doubt it. In any case, we have the obligation to find out and I hope you'll all have the curiosity and adventurousness to come along with us in our search in all seriousness and good faith.

O Som e o Sentido II

2009-07-07T09:57:00.000-03:00

Parte II
Modal

A escala, segundo Wisnik, é um “estoque simultâneo de intervalos, unidades distintivas que serão combinadas para formar sucessões melódicas”. Mas o que determina qual a ordem e direção de tais notas é a cultura, e quando estudamos o mundo modal, mais especificamente músicas não afetadas pelo sistema tonal, podemos identificar determinadas regiões e seus povos com a paisagem sonora evocada pelo modo. Apesar de haver um “paradigma natural subjacente à ordem dos intervalos melódicos” - a saber, a série harmônica, é a manipulação particular dos intervalos entre as notas que formarão as diversas escalas, ou modos e trarão com si significados específicos, também formalizados através da cultura ao qual está inserida.

Uma das mais antigas e amplamente utilizadas, a escala pentatônica pode ser explicada a partir de um engendramento de múltiplos intervalos através do ciclo de quintas, intervalos esses os mais básicos da série harmônica (levando-se em conta que a oitava é um desdobramento de um mesmo som). Hoje em dia usada em diversos contextos e estilos musicais, cada uma de seus notas representavam um modelo cosmogônico e político na tradição chinesa, que só faz sentido para tal configuração. Além disso, a ordem das notas e a estabilidade da relação entre elas é tão importante, que uma desconfiguração poderia fazer ruir impérios e destruir uma civilização inteira! É o sentido ritual da música, muito mais fundamental para o Oriente e seu mundo modal do que para os ocidentais. Assim como seus sistemas políticos e organizações sociais, as escalas do mundo modal são resistentes a mudanças, porque é na continuidade e manutenção da tradição que reside sua força, seu significado.

Uma característica da música modal é um eterno tributo ao centro, o que se confunde também com a ideia de um tempo circular, recorrente, um “tempo virtual” que não se reduz à sucessão cronológica, mas se faz através de um envolvimento coletivo e integrado do canto, do instrumental e da dança – tudo subordinado a um pulso fortemente definido, e o retorno ao centro já mencionado representado por uma tônica fixa. Desenhos melódico-escalares e ritmos tendem a se constituir uma coisa só. As melodias são manifestações do modo, e é assim que se dá a circularidade da escala, e essa circulação é uma modalidade de ritmo, enquanto figura de recorrência. Já a escala heptatônica, ou escala diatônica, contém internamente relações intervalares mais difíceis de administrar: uma sucessão desigual de tons e semitons, que dá a essa escala uma riqueza maior, mais também traz o problema do trítono, intervalo de três tons, dissonante e de alta instabilidade. É o tipo de intervalo capaz de “derrubar um império”. É justamente a eterna luta para resolver o dilema do chamado diabolus in musica que a música tonal encontrará as bases de sustentação e futura hegemonia. Se a pentatônica é a escala cuja história está especialmente vinculada ao Oriente, a heptatônica é a escala ocidental por excelência. Ela constitui o sistema escalar grego, os modos gregorianos e toda a música derivada desses até os dias atuais.

O que caracteriza o mundo modal é a associação a diferentes disposições afetivas e a diferentes usos rituais. Ente os gregos, cada modo era associado a uma região ou povo. O que acontece aqui e também no cantochão, é um rodízio de tônicas. Cada modo explora diferentes efeitos dados pelas diferentes distribuições de intervalos, dependendo da nota que se esteja tomando como tônica. O resultado é uma atribuição de sentido, (ethos) particular para cada modo.

O Som e o Sentido

2009-07-01T12:55:00.000-03:00

Hoje farei uma prova sobre esse livro do Wisnik, e também o "Curso e Dis-Curso do Sistema Musical (Tonal)" da Sekeff. A princípio esses trabalhos seriam resumos, portanto para não simplesmente jogar fora o que havia resumido, resolvi postar aqui, pelo menos os do Wisnik que já havia lido há mais tempo. Minha relação com esse livro começou quando eu ainda estudava Psicologia. Achei-o na biblioteca e devoreio-o sem entender metade de suas divagações extra-filosóficas acerca da música. Alguns anos depois ganhei um exemplar de presente de minha querida esposa, comecei a reler mas acabei deixando de lado. Qual não foi minha alegria ao descobrir que ia passar um semestre tendo que ler esse livro. Espero que meu resumo atraia outros leitores a essa obra, que deve ser adquirida na íntegra, é claro, ou pesquisada em alguma biblioteca....
Aqui vai um link de preços comparativos para adquirir o livro, que acompanha um cd muito bacana!
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Resumo Parte 1

WISNIK, José Miguel, O Som e o Sentido, 2ª Ed. São Paulo: Companhia das Letras, 1989.

Parte I

Som, Ruído e Silêncio

Pulso e freqüência são os elementos mais básicos num som musical, podendo ser observados em nosso próprio corpo, através do pulso sanguíneo e das ondas cerebrais. Na música, o pulso se apresenta na forma de durações e alturas, que estão intrinsecamente relacionadas. Um pulso constante aumentando de freqüência torna-se altura melódico-harmônica, a princípio grave, inconstante, tornando-se mais agudo e definido se continuarmos a aumentar sua freqüência até o ponto em que se torna inaudível para nosso aparelho auditivo. Nessa perspectiva, ritmo e melodia não são instâncias separadas, mas ganham em dimensão se as entendermos como indissociáveis entre si.

Uma onda sonora é bem mais complexa do que uma curva sinusoidal, daí a importância do estudo da série harmônica. O som depende do silêncio – também nosso sistema auditivo – e o silêncio só existe por causa do som, e, mais importante, essa onda é na verdade um feixe de ondas complexas, algumas mais ordenadas que outras. Ou seja, organização/ caos, definição/ ruído, presença/ ausência, fase/ defasagem, consonância/ dissonância, tensão/ repouso... Essa gama dialética de contradições inerentes ao fenômeno sonoro leva o autor a uma reflexão filosófica, comparando essa complexidade ao yin-yang da filosofia oriental, o que orientaria todo um entendimento do som musical como objeto metafísico, pela sua natureza não-material, e pelos diversos exemplos culturais de uso ritualístico, associados à religião e também às paixões do espírito, à capacidade da música de eliciar diferentes emoções nos seres humanos.

Mais uma relação dialética: o ruído, de acordo com a teoria da informação, significa interferência na comunicação. A música modal praticada em culturas não-influenciadas pelo tonalismo ocidental costuma integrar ruído à sua música. Da gama variada de instrumentos de percussão aos seus melismas vocais, tal música é viva e caótica, bem diferente da assepsia de uma igreja renascentista, preparada acusticamente para se entoar cantos gregorianos, idealmente livre de interferências sonoras exteriores. A música do mundo – do ruído branco do oceano à cacofonia do trânsito nas cidades – é barulho desordenado, e o que fazemos ao cantar ou tocar é instaurar ordem nesse caos. O que o autor propõe como “uma outra história das músicas” é traçar uma linha que vai de um tempo bem antes do marco zero que nos acostumamos a pensar a História da Música, o cantochão, até ponto de inflexão que ocorreu na virada do século XIX ao XX, com o advento do atonalismo. O que costuma ser pensado como uma revolução de linguagem – o serialismo, por exemplo, nega todo e qualquer centro tonal –, poderia ser interpretado como uma volta a uma predominância do pulso em detrimento das alturas. O minimalismo trabalha com manipulação de timbres e repetição. Se hoje o ritual de ouvir música significa apenas colocar um CD no aparelho, ou seja, temos o poder de interrompê-la ao bel prazer, a música ambiente está em toda parte, fazendo fundo – criando sentido – no meio da cacofonia incessantemente urbana.

Recital do Curso de Extensão

2009-06-13T16:38:00.000-03:00

Invention 15 - JS ...

Contrabaixo Solo e em Duo: a peça acima - Invenção em Si Menor para duas vozes (na gravação eu tocando comigo mesmo) será interpretada por Fabio Oliveira e Robson Souza (Maria Scombona, Ferraro Trio); o solo será minha interpretação pro Prelúdio da Suite para violoncelo no. 01 em Sol Maior, também composto pelo cabra aí de cima: J.S. Bach.
Completa o recital uma mini-apresentação do glorioso Ferraro Trio (Robson-Rafael-Saulinho), e uma jam de professores do curso de extensão com professores da graduação. Também haverá a participação do Prof. Fabio Queiroz apresentando alguma sublime peça para violão.
Como deu pra perceber, a programação não está fechada ainda, mas fica o convite. A boa música há de prevalecer. Mesmo no São João.

Quando? - Dia 19/06, às 19h
Onde? - Auditório da Reitoria da Universidade Federal de Sergipe
Paga? - De jeito nenhum, é absolutamente 0800.

Divulguem e até lá!

Maio-Nese

2009-04-26T17:49:00.000-03:00

Festivais são sempre diversão garantida! Em Maceió, show da Mopho também é diversão garantida. Agora um festival que traz o Mopho com a cozinha "do inferno" de Bocão e Pisca + os ótimos Mellotrons, e de quebra Snooze nos palcos, junto a um monte de banda da cena indie local parece perfeito! É dia 30! No blog do festival, entrevista comigo, com divagações a respeito da cena independente tupiniquim. Segue o link...

http://www.maionesecinco.blogspot.com/

Sn00ze num Hd perto de vc...

2009-04-11T20:12:00.001-03:00

Todas as músicas são de autoria da banda e arranjadas coletivamente pela formação de cada época... Some Rights Reserved!

"Waking up... waking down"
gravado entre 1996 e 1997, com inclusão de uma música da demo-tape de 1995; lançado em 1998 pela Short Records.
Shows de lançamento: Turnê Sudeste (Niterói, São Bernardo do Campo, São Paulo e Jundiaí); Festival Rock-SE.
Formação: Fabio Snoozer - Rafael Jr. - Daniel Garcia
Arte: Jamson Madureira

"Let my head blow up"
gravado em estúdio (2000), como trio e ao vivo (2001) como quarteto;
lançado em 2002 pela Short Records e Monstro Discos.
Shows de lançamento: 8º Goiânia Noise Festival; Espaço Emes (Aracaju).
Formações: Fabio Snoozer - Rafael Jr. - Mauro Spaceboy + Clínio Junior
Arte: Guilherme Carvalho

"Snooze"
gravado entre 2004 e 2005; lançado em 2006 pela Monstro Discos e Solaris Discos.
Shows de lançamento: 12º Goiânia Noise Festival; ATPN (Aracaju).
Formação: Fabio Snoozer - Rafael Jr. - Clínio Junior - Marcelo Moura
Arte: Duardo Costa

Após esse último lançamento, a banda contou por algum tempo com a inestimável colaboração de Duardo Costa. Hoje em dia, o Snooze voltou à formação de trio com Luiz Oliva nas guitarras.

http://www.snooze.com.br
http://www.myspace.com/snoozetherockgroup
http://www.tramavirtual.com/snooze
+
Orkut

Baixe também a outra banda do Luiz, a Perdeu a Língua!
Segue o link, o nome do álbum é "Mamparra":
www.sinewave.com.br

Rock Santo!

2009-04-06T16:15:00.000-03:00

Aracaju esquenta as turbinas para receber mais uma edição do FESTIVAL NORDESTE INDEPENDENTE.

O Festival Nordeste Independente chega em 2009 a sua 3ª Edição atingindo 6 cidades da região: Fortaleza, Natal, João Pessoa, Salvador, Camaçari e Aracaju. A idéia de se criar um Festival em conjunto com diversas cidades do Nordeste se confunde com a formação da Lista de Discussões de mesmo nome, formada por músicos, produtores e jornalistas ligados à cena independente nordestina. O Festival é um sonho antigo dos seus idealizadores e é uma consolidação das ações que a criação da lista, em meados de 2003, vem proporcionando às cenas locais, como turnês e shows organizados por bandas em cidades e estados vizinhos, agilização de turnês de grupos visitantes pelo Nordeste, cooperação na divulgação e formulação de projetos, troca de informações e colaboração, entre outros.

A etapa de Aracaju foi incluída no Festival em 2008 e teve na sua programação apenas bandas locais, em 2009 o evento terá a participação de duas bandas de fora do estado, além de uma parceria com o NUCLEO DE PRODUÇÃO DIGITAL ORLANDO VIEIRA que levará cinco curtas para exibição no local, também ocorrerá uma exposição de fotos organizada pela fotografa Daniely Clarisa.

O show acontecerá, como no ano passado, no Capitão Cook, dia 09/04, véspera de feriado, dividirão o palco as bandas locais Nautilus, que no inicio do ano excursionou por 3 estados do nordeste para lançar seu EP “Sometimes In Your Life”, e a veterana Snooze que levará seu mais que aprovado rock de guitarras ensolaradas e melodias semi-perfeitas.

As convidadas são a baiana The Honkers, que promoveu shows incendiários no último Punka e em uma das edições da Derrota Fantasy, e a paulista Vênus Volts, banda de Campinas que já passou por Aracaju quando ainda se chamava Fluid. Agora como Vênus Volts a banda tem sido apontada como um dos principais nomes do cenário independente nacional tendo participado de eventos importantes como o Motorola Motomix Festival, música em trilha de filme americano e participação em coletânea de gravadora britânica.

Serviço:

O que: Festival Nordeste Independente (Edição Aracaju)
Quando: Quinta (09 de abril) – véspera de feriado.
Onde: Capitão Cook, na curva da Orla de Atalaia, próximo ao Farol.
Hora: 21h.
Atrações: Snooze, Nautilus, Vênus Volts (SP) e The Honkers (BA) - (exibição de Curtas, exposição de fotos).

Links:

Vídeo Promocional: http://www.youtube.com/watch?v=9vATx4-JvFE

Bandas: http://www.myspace.com/nautilusbrasil

http://www.myspace.com/snoozetherockgroup

http://www.myspace.com/thehonkers

http://www.myspace.com/venusvolts

Lumpy Money

2009-04-02T22:15:00.000-03:00

Do babylon.com:
lumpy adj. grumoso; cheio de pedaços; estúpido, bobo; balde (de água)

Difícil é pegar essa tradução e entender exatamente o que seria um Lumpy Money. Seria o 'dinheiro' no título do mais recente lançamento do Zappa Trust uma referência à natureza "caça-níqueis" desses audio documentaries?? A onda começou com o MOFO - The Making of Freak Out - Project/ Object, três anos atrás, 04 disquinhos acerca da obra seminal que lançou Frank Zappa e os Mothers of Invention no cenário pop (pois é) mundial. Já que não saiu nenhum material extra sobre seu segundo disco Absolutely Free, parece que a idéia é lançar edições especiais sobre discos que eles realmente consigam pôr em perspectiva, fuçando os milhares de arquivos que Zappa acumulou desde sempre, quando começou sua carreira já com seu próprio Studio Z. Mas há quem possa reclamar que, além dos materiais extras e não lançados desses Projeto-Objetos, a repetição dos discos originais na íntegra são redundantes e só fazem encarecer o produto final. Mas não é de hoje que o bigodudo deixou bem claro que business fazia parte do fazer musical. Principalmente em se tratando de rock, e seus derivados, para ele apenas rótulos inventados para vender discos. FZ costumava brincar com as variações do rock desde sua gênese: o twist, blues, swing e doop-wop de grupos vocais... Frank sempre encontrava um jeito de inserir esses elementos em sua música e costumava dizer que se os discos vendiam, era porque ele conseguia fazer música de entretenimento para pessoas que precisavam ser entretidas. Ou seja, a revolução atribuída aos primeiros discos dos Mothers of Invention para ele era qualquer coisa, discos de uma 'low-budget rock'n'roll group' mal tocados e mal divulgados pelo depto. de marketing da gravadora.
Ele só viria a mostrar suas verdadeiras ambições musicais (pouco delineadas em Freak Out e já evidentes em Absolutely Free) com o lançamento de Lumpy Gravy em Maio de 1968. Mas outro álbum ganhou mais notoriedade, lançado dois meses antes: We're Only In It For The Money, o da controversa capa parodiando o Sgt. Pepper's dos Beatles (o disco saiu com essa arte na capa interna e vice-versa), e tirando um sarro pesado com os hippies. Ele utilizou-se da linguagem do rock'n'roll em sua versão bicho-grilo, popular e contraditório em sua bandeira de contracultura, para esculhambar com os próprios hippies e todos aqueles grupos da Haight-Ashbury, sacanear os intocáveis Beatles (as faixas interligadas em "Money" é mais uma alusão a você-sabe-o-quê), além de massacrar o alvo favorito de Zappa, o American way of life ou os americanos mesmo em geral. Os vocais e letras bem-humoradas (às vezes beirando o pastelão) acabam tirando um pouco a atenção da música, como sempre genial, com idéias avançadas de métrica musical e edição de sons vanguardista até a alma. Mas na superfície, ainda era um disco de rock.
Já Lumpy Gravy...
Gravado com a Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra (& Chorus), o disco foi concebido como uma séria incursão na música orquestrada, com influências claras de Ígor Stravinski e Edgar Varèse. A versão primordial do disco todo instrumental, sem aqueles diálogos chapados direto de um bumbo de bateria, é lançado pela primeira vez aqui no Disco 1 de The Lumpy Money Project/ Object [2009]. Gravado para a Capitol Records, O Lumpy Gravy original acabou não saindo por desavenças em relação ao contrato na época. Eventualmente ele saiu pela Verve, a gravadora "oficial" dos Mothers, que não sabia como lidar com esse grupo "comercialmente", mas que pelo menos serviu pra ensinar Frank a não perder tempo com empresas megacorporativas.
Com as fitas originais debaixo do braço, pro novo lançamento Zappa estilhaçou o material da primeira versão orquestrada, mixando-as com gravações mais antigas feitas no Studio Z (basicamente, surf-rock instrumental) mais uma série de diálogos viajandões gravados entre as sessões para WOIIFTM, uma série de trechos entrecortados numa edição digna de Eisenstein, mas fundamentadas nas idéias de John Cage, que compunha peças em cima do conceito de aleatoriedade aplicada à música. O resultado é, em vários níveis, arrebatador. O próprio Zappa revelou em entrevistas que Lumpy Gravy é um dos álbuns mais bem cotados no seu ranking pessoal. Por muitos anos ele foi com certeza o mais raro de se achar, pois a gravadora não tinha o menor interesse em mantê-lo em catálogo.
Mas ao se apossar de todos os direitos sobre seus lançamentos passados, em algum ponto da década de 70, Zappa depois não só lançou caixas com seus discos antigos, como em alguns deles ele mexeu no material, criando novas 'master takes' ao regravar trilhas inteiras de baixo e bateria, acelerando fitas, dando um 'upgrade digital' que tirou o sono dos puristas nos anos 80. O disco que mais sofreu na mão de FZ circa 1984 foi o WOIIFTM. Zappa o julgava mal-executado, e deslumbrado com a tecnologia digital, ele viu ali a chance de deixar o disco mais próximo de como ele queria que soasse na época... Difícil é não preferir os timbres vintage do disco original (presente no disco 1 de Lumpy Money). A versão de Lumpy Gravy ouvido no disco 2 de LM não foi lançado nas edições em cd que colocavam as duas obras em um disquinho, com o WOIIFTM remixado. A única versão desses álbuns que ficou de fora de LM é o Lumpy Gravy conhecido universalmente, mas boa parte dele é igual à mix de 84. O que é diferente é que no background dos trechos que conhecemos como diálogos sem música ao fundo, ouve-se jams de Frank, Arthur Brown (baixo) e Chad Wackerman (bateria), com resultado insatisfatório (vai ver por isso FZ não se arriscou a lançar essas sessões). Outras diferenças são mais sutis e perceptíveis para poucos...
Além de todas essas versões lançadas ou não, o disco 3 de Lumpy Money traz sessões de ambos os discos, ensaios para LG, soando mais como um estudo, incluindo uma versão tresloucada de "Help, I'm a Rock". A parte de WOIIFTM traz takes instrumentais, assim como ouvimos em MOFO, o que é uma experiência extraordinária. Acho que se esses álbuns na época fossem lançados como discos instrumentais, eles seriam bem mais respeitados no meio musical fora do âmbito rock'n'roll.
Duas obras gravadas quase simultaneamente em 1967, mas que mantém pouca semelhança estilística entre elas, não passando de referências perceptíveis de um no outro, notadamente de LG em WOIIFTM. Dois exercícios de linguagem de um compositor em plena evolução, saindo de discos que se compravam nas prateleiras de lojas como "rock psicodélico", concebidos de uma posição privilegiada de roqueiro cult, com vastas pretensões e "visão-além-do-alcance".
Ouvidos dentro da bolacha tripla pondo as diferentes versões em perspectiva, tudo na mesma qualidade, há um sentido de completude ao material, uma obra em progresso às avessas, pois o ápice parece ser mesmo o Lumpy Gravy que ninguém ouviu em 67, 68 ou até a era dos downloads de versões em qualidade sofrível.
Então, você já sabe, Lumpy Money vale cada centavo. Mas enquanto a alta do dólar atrapalhar, segue os links para "satisfaction guaranteed"...

Disc 1
Disc 2 - 1 e 2
Disc 3

FAQ do CEM

2009-03-18T20:53:00.000-03:00

Perguntas Frequentes sobre o

CEM

P – O que são os cursos de Extensão em Musica?

R – São cursos introdutórios para quem nunca tocou um instrumento ou quem já toca e quer aprender um pouco de Teoria e Percepção Musical.

P – Precisa saber tocar um instrumento?

R – Já saber tocar um instrumento ou estar aprendendo a tocar facilita o aprendizado, pois todas as informações dadas em Teoria da Música poderão ser verificadas no seu instrumento, ou os exercícios da disciplina Percepção Musical poderão ser treinados tocando no instrumento. Mas, não, não é uma exigência ter conhecimento prático de nenhum instrumento.

P – Precisa saber alguma coisa de música?

R – Os cursos básicos foram feitos para quem não sabe nada. Por isso foram organizados em dois semestres. O primeiro semestre irá trabalhar os conhecimentos elementares de escrita e audição musical. O segundo semestre continua o assunto dado no primeiro semestre, ou seja, já não aborda mais assuntos tão elementares. Por isso, para quem não sabe nada sobre escrita musical ou percepção musical, aconselha-se que faça o curso desde o primeiro semestre.

P – Quem já sabe alguma coisa precisa cursar os dois semestres?

R – Cada semestre é independente, inclusive tendo certificados de participação independentes. Para saber se vale a pena ou não cursar o primeiro semestre, basta dar uma olhada no conteúdo programático. Nele está especificado o que acontecerá em cada curso.

P – O que eu vou aprender no curso de Teoria da Música?

R – O curso de Teoria da Música tem esse nome porque é o nome mais conhecido a respeito desses assuntos. Mas na verdade, esse seria um curso de Gramática da Música Ocidental. No primeiro semestre, o aluno vai aprender basicamente as regras de escrita e leitura, e um pouco sobre escalas. No segundo semestre, o curso passa a abordar um pouco mais de teoria em si, ao incluir noções de tétrades, campos harmônicos e modos litúrgicos.

P – O que eu vou aprender no curso de Percepção Musical?

R – Percepção musical é o ato de ouvir e identificar estruturas sonoras. No curso de percepção o aluno vai aprender a identificar notas, intervalos, acordes e escalas usando somente seu aparelho auditivo (o ouvido), sem a ajuda de instrumentos. Nesse curso também se aprende a solfejar melodias e ritmos.

P – Quem são os professores dos cursos?

R – São alunos da graduação em música com desempenho comprovado nas matérias que estão lecionando, sob a supervisão e coordenação direta do Prof. Dr. Hugo Ribeiro do Núcleo de Música.

P – O valor é referente aos dois cursos (Teoria Musical e Percepção Musical)?

R – Não. Cada curso é independente. O valor de R$150,00 é referente a somente um dos cursos, com carga horária de 24 horas, sendo duas horas por semana durante doze semanas. Seria o mesmo de pagar R$50,00 por mês durante três meses. Se for pago à vista, tem um desconto de 20%, pagando somente R$120,00. Quem quiser fazer os dois cursos (Teoria da Música e Percepção Musical) terá que pagar R$300,00 em três parcelas de R$100,00, ou R$240,00 à vista.

P – Eu posso fazer somente um dos cursos ou sou obrigado a fazer os dois?

R – Cada curso é independente. Têm horários, carga horária, assuntos e professores independentes. Você pode escolher fazer somente o curso de Percepção Musical e não fazer o de Teoria. Ou vice-versa. Mas nós aconselhamos que, quem puder, faça os dois cursos. Principalmente quem for candidato ao curso superior de música, pois são assuntos de extrema importância, e cujo conteúdo básico não será abordado em nível superior. De forma semelhante, quem quiser cursar o primeiro semestre mas não puder continuar no segundo semestre, não tem problema. O mesmo vale para quem quiser começar a partir do segundo semestre.

P – Esses cursos são um pré-vestibular para o curso de música?

R – Não exatamente, mas serve como tal. Pretendemos que a partir do vestibular de 2010 comece a ter uma prova prática, além da já existente prova teórica. A prova prática irá constar da execução de uma música em seu instrumento e da leitura de um solfejo a primeira vista. Dessa forma, o curso de Teoria da Música irá abranger o conteúdo exigido na prova teórica, e o curso de Percepção Musical irá prepará-lo para a prova de solfejo rítmico ou melódico. Outra razão da criação desses cursos foi a constatação de que os calouros do curso de graduação em música estavam com um conhecimento muito baixo acerca da escrita e leitura de partitura, além da capacidade de solfejar e executar ritmos simples, o que acaba fazendo com que uma das duas opções ocorra: 1) muitos calouros reprovem nas disciplinas de Estruturação Musical I ou de Percepção Musical I; 2) o nível do conteúdo abordado seja baixo, influenciando no nível de conhecimento final do formando do curso de música.

P – Mas esse curso é para quem quer fazer uma graduação em música?

R – Não. Esse curso é aberto para toda a comunidade, o que inclui tanto os que querem fazer uma graduação em música e ainda não estão preparados para tal, quanto aqueles que querem aprender um pouco mais de teoria e percepção musical para ajudá-los em sua prática musical amadora, como regentes e cantores de corais de igreja, músicos de bandas de rock, etc. Esse curso pretende absorver a demanda de pessoas que procuram cursos de música com boa qualidade e certificação válida.

P – Porquê esse curso não é gratuito?

R – O valor arrecadado será utilizado para pagar os professores, e o restante será utilizado em benefício do Núcleo de Música da UFS, através da compra de pequenos acessórios e materiais de consumo rápido, tais como tinta para impressora, cordas de violão, partituras, etc. Se houver um grande quantidade de interessados, o valor arrecadado dará, inclusive, para colocarmos ar-condicionado nas salas de aula, o que irá melhorar não só o conforto dos estudantes e professores, mas impedirá que o som das aulas atrapalhe outras salas vizinhas, assim como o som externo atrapalhe a audição de obras musicais.

P – Qual a diferença entre esse curso e aqueles oferecidos por escolas particulares de música?

R – Esse curso é ministrado por professores com conhecimento comprovado no assunto, orientados pelo Prof. Hugo Ribeiro, doutor em música pela UFBA. Além disso, para cada curso será expedido um certificado pela Universidade Federal de Sergipe, onde, no verso, constará o conteúdo programático da disciplina, e que poderá ser utilizado como comprovação de estudos de aperfeiçoamento em uma instituição de renome.

P – Só existem esses dois cursos?

R – Por enquanto sim. Assim que a estrutura do curso de Licenciatura em Música da UFS estiver mais preparada, é intenção do Núcleo de Música oferecer outros cursos de extensão, tais como de instrumento (piano, violão, violino, etc.), arranjo, análise de música popular, improvisação, informática e música, etc.

P – Existe previsão para esses outros cursos?

R – Não. Mas quando eles puderem ser ofertados, serão divulgados.

Pensando em estudar música?

2009-03-02T22:46:00.000-03:00

Cursos de Extensão em Música

Objetivos, Público alvo e Organização

Os Cursos de Extensão em Música têm o objetivo de preparar futuros candidatos ao curso de Licenciatura em Música da UFS, através de cursos básicos sobre os conhecimentos específicos necessários para o ingresso neste curso de graduação. Também fazem parte do público alvo, músicos (instrumentistas e/ou cantores) que já possuam conhecimento prático do seu instrumento e desejem aprender a ler e escrever partituras.

São ao todo quatro cursos a serem ofertados, dois a cada semestre, com conteúdos específicos a serem trabalhados em cada nível.

Primeiro Semestre:

Teoria Musical I - 31/03 a 16/06

Percepção Musical I - 01/04 a 17/06

Segundo Semestre

Teoria Musical II - 04/08 a 27/10

Percepção Musical II - 05/08 a 28/10

Os cursos são independentes, não possuem pré-requisitos, ou seja, a participação em um dos cursos não requer a participação em outro prévio ou simultâneo. Por exemplo, é possível cursar Teoria Musical I sem ter que cursar Percepção Musical I, assim como, quem se sentir preparado, pode cursar diretamente Teoria Musical II no segundo semestre sem ter antes cursado Teoria Musical I no primeiro semestre.

Duração e Valor

Cada curso tem a duração vinte e quatro horas distribuídas ao longo de doze semanas, resultando num valor total de R$150,00 (cento e cinquenta reais) a serem pagos no ato da inscrição com três cheques de R$50,00. Se preferir pagar à vista, terá um desconto de 20% sobre o valor total do curso.

Para pessoas com necessidades financeiras comprovadas, poderão ser concedidas bolsas de 50% a 100% sobre o valor do curso.

Inscrições

As inscrições serão realizadas na secretaria do Núcleo de Música, Didática III do Campus de São Cristóvão, entre 02 a 27 de março, das 14:00 às 21:00.

Horários e Local de aula

Os cursos ocorrerão nas salas reservadas ao curso de Licenciatura em Música na Didática II, Campus de São Cristóvão. Para cada curso serão ofertados duas turmas, uma pela manhã e outra à noite nos seguintes horários:

Percepção I e II-A1 (matutino)

Terças Feiras, das 09:00 às 11:00

Percepção I e II-A2 (noturno)

Terças Feiras, das 19:00 às 21:00

Teoria Musical I e II-A1 (matutino)

Quartas Feiras, das 9:00 às 11:00

Teoria Musical I e II-A2 (noturno)

Quartas Feiras, das 19:00 às 21:00

Conteúdo Programático Teoria Musical I

Pentagrama, claves de sol e de fá, signos de compassos simples, sinais de alteração, sinais de agógica, figuras rítmicas, ponto de aumento, intervalos, escala maior e menor, tríades, armaduras de clave.

Teoria Musical II

Signos de compassos mistos e compostos, clave de dó na 3ª e 4ª linha e claves antigas, síncopa e contratempo, tétrades, campo harmônico das tonalidades maiores e menores, modos litúrgicos.

Percepção Musical I

Leitura e transcrição rítmica de exemplos em compassos simples, solfejo e transcrição melódica de exemplos musicais simples em dó maior (com intervalos de no máximo uma terça), identificação e solfejo de intervalos diatônicos simples (até uma 5J), identificação de acordes maiores e menores.

Percepção Musical II

Leitura e transcrição rítmica de exemplos em compassos compostos utilizando síncopas e contratempos, solfejo e transcrição melódica de exemplos musicais simples em dó maior (com intervalos de até uma quinta justa), identificação e solfejo de intervalos diatônicos simples, identificação de acordes maiores, menores, aumentados e diminutos.

Certificação

Cada curso terá um certificado de participação independente, contendo a frequência (24 horas) e nota final de aproveitamento.

Professores dos cursos

José Rafael de Oliveira Jr.

Fabio Alexandre de Oliveira

Saulo José Ferreira Santos

Luiz Eduardo de Souza Amaral Rocha

Coordenação

Prof. Dr. Hugo Ribeiro

Maiores Informações

Através do telefone 2105-6821 (secretaria do Núcleo de Música)
ou através do email hugoleo75@gmail.com

Dia 28...

2009-02-19T18:03:00.000-03:00

Essa arte bunita aí refere-se ao mais novo lançamento indie-rock (espero não ofender a galera haha) das terras do Cacique Serigy: Elisa, "O Quarto dos Fantasmas". Afastando a praga da maldição, esse showzito no Capitão Cook conta com o Snooze, e também os parceiros Daysleepers, além de mais uma novidade, o Road to Joy. É rock que não acaba mais. É pós-carnaval, e minha estréia em palcos como trintão! ;)

Formato Maçã

2009-02-17T10:09:00.000-03:00

Um querido engenheiro de som e brother, João Vasconcelos (a.k.a. Janjão), responsável pela masterização do terceiro álbum do Snooze, retomou contato e montou essa homenagem aí de cima, me colocando como garoto-propaganda da Apple. Vou fazer de conta que essa maçã tem mais a ver com os Beatles que com informática, e aceitar a alusão de que eu faço alguma diferença nesse mundo de loucos e sonhadores.
Em tempo: a foto foi tirada por esse camarada aqui, terça passada (10/fev) no show snoozento da Tenda Cultural montada na Orla de Atalaia, dentro do Projeto Verão. A não-divulgação (viva o orkut e o boca-a-boca) e horário incovenientemente cedo demais não atrapalharam a festa, a galera compareceu, e a Plástico Lunar encerrou a noite em grande estilo.

Beneath the Underdog

2009-02-15T08:24:00.001-03:00

Da auto-biografia de Charles Mingus, "Saindo da Sarjeta", p. 101, cap. 16:

Outubro
- Charles, cante a nossa canção para mim de novo, aquela que você compôs.
- Baby, você sabe que não sei cantar.
- Diga a letra então. Por favor?
- Tudo bem, baby, para você, em nossa última noite juntos como garoto e garota. Venha sentar-se ao meu lado, eu vou tocar para você.... "Boy meets girl on a cloudy afternoon, woman needs man so they say. Love at first sight - oh what a day that was - picnics - boat rides - strolling through the park - watching fireflies light up the dark..."
- Vamos, Charles, a parte que você escreveu quando mamãe tentou mandá-lo embora.
- Talvez não dê sorte, Barbara.
- É só uma canção. Eu adoro. Por favor!
- "Came the rains, washing away all our dreams. No one's exactly to blame, we failed at the game of love and understanding. Each one is trying to learn that life is just a lesson. If you give and take in turn, love is what you earn. Now you've heard my story, now you know why I'm blue, I lost my Barbara Jane and I don't know what to do - until my baby's back guess I'll just have to die or sing the blues...
- Querido, não faça esse ar tão triste. Essas últimas palavras nunca vão se concretizar.

Get Back

2009-02-05T14:33:00.000-03:00

Ainda sobre o Curso de Verão:
Dentro da maratona de shows, teve uma terça-feira que foi overdose de baixistas. Começou com Ney Conceição liderando três formações de seus alunos (cerca de 08 baixos cada grupo). Bacana a idéia. Quase participo de última hora, mas o ensaio geral chocava com o da Big Band, que eu já estava comprometido. Normal, provavelmente eu teria um papel terciário mesmo, assim como a maioria da galera. Os principais eram um aluno bom segurando o groove, e outro melodia. No mais, todos improvisavam por vez. Mas o melhor estava por vir: ao final Ney assumiu os comandos, chamou Kiko Freitas e um guitarrista + clarinetista do Amapá que estavam fazendo o curso, e tocaram composições dele, e também "A Rã" e "Partido Alto 2". Tudo ótimo.
Em seguida, o lançamento do Cd "Duo 13", que infelizmente não adquiri porque a grana tava pouca, mas ainda pretendo ir atrás. Trata-se de um violão de 07 cordas dialogando com o baixista (06 cordas) Hamilton Pinheiro - que foi meu professor em prática de conjunto. Excelente trabalho, ótimas composições com várias coisas a se estudar. Tenho que conferir a gravação mesmo...
Pra encerrar a noite, Tony Botelho, professor de contrabaixo acústico (ele foi professor do Jorge Helder, por exemplo), montou um grupo de última hora com Edu Ribeiro (batera), Sérgio Galvão (sax e piadas) e Leandro Braga (piano). Muito massa ver a galera combinando as partes na hora mesmo e quebrando tudo como se estivessem ensaiando há meses. Fora de série!

Na última semana fiz três apresentações. Na quinta, prática de conjunto. Me juntei com Davysson pra tocar "Three Views of a Secret" do Jaco, com direito a um quarteto vocal. Além disso fiz o baixo pruma composição do pianista mais requisitado da noite, o João Paulo. O cara é uma mistura de Thelonious Monk com Herbie Hancock. A música chama "Toma, Distraído", e é um sambinha safado, meio partido alto. A recepção foi excelente. Ah, digno de nota, essa apresentação e a do dia seguinte não foi na escola, mas no Espaço Brasil Telecom, que é dentro de um hotel mega chique, ao lado do Palácio da Alvorada!
E na sexta feira a Big Band fez a segunda apresentação, dessa vez com o repertório voltado mais pra swing, e também uma ou duas bossas. O som tava bem melhor, pena que não tinha muita gente. Sábado era a festa de encerramento do curso. Ficamos sabendo de última hora que a Big faria uma apresentação. E que ótimo, pois foi a melhor das três. Já lá pra 1 da manhã no pátio da escola mesmo, foi tudo perfeito. A galera super a fim de assistir e nós na pilha de tocar, fluiu que foi uma beleza. E depois, that's all folks, porque all things must pass, e o que é bom passa logo, e... acho que deu pra entender né? Buracaju aqui vamos nós, não sem antes comer um aratu catado recém chegado da terrinha, na Embaixada de Sergipe, ou melhor na casa do Tarso e da Ana. E Goodbye Blue Sky pra todos os amigos feitos na capital federal. God bless you.

De volta, já cheguei tocando num projeto do restaurante Chateau Blanc. Terças de jazz, tocamos eu, Rafael Jr. na batera, Davysson no sax e o líder Rafael Eugênio no pianão que ele sempre marreta solo todo sábado. A onda é fazer aquela música de elevador, trilha sonora pra galera jantar, mas enfim, é jazz, e música instrumental a gente curte de qualquer jeito. Ficou curioso?
Chega lá!

Summer Babe

2009-01-18T16:26:00.000-03:00

É nisso aí que meti as caras desde a última quarta-feira. O Curso Internacional de Verão de Brasilia é referência mundial, oportunidade pra rever técnicas, aprofundar conhecimentos e ver shows, muitos shows de grandes nomes da música instrumental brasileira - tanto no erudito como no popular. Aliás, essa parece ser uma premissa da Escola de Música como um todo, quebrar essas barreiras, o que é ótimo. Alguns professores meus da Ufs já tinham apontado pressa nova tendência de pensar música como uma coisa só, sem essas amarras. Afinal o que é conhecido como música clássica foi extremamente popular em sua época, e qualquer compositor vai ter como objetivo final ser ouvido pelos outros, enfim...
Meu professor de contrabaixo aqui é Jorge Helder. Figura de uma simplicidade comovente, faz muito minha linha: pouco virtuose - na verdade esse sou eu, o Jorge é virtuose sem firulas -, mais interessado no papel do baixista na construção melódico-harmônica de um trabalho musical, e cheio de dicas ou "truques" para dar aos alunos. Boas histórias sobre sua impressionante carreira, com cerca de 2.000 músicas gravadas no Brasil e exterior. O outro curso que estou fazendo é "Oficina de Improvisação". Acabei ficando na turma avançada, pois na entrevista me saí bem com as perguntas de harmonia! Mas não sei até onde isso foi interessante, pois tô penando nessa aula. Teve clínica individual, e o material teórico é pesado. Fora isso o professor (Ademir Junior, saxofonista) tem teorias psicológicas bastante interessantes sobre o improvisador. Vale a pena baixar a apostila dele, pra quem gosta de se aventurar em solos e nunca soube exatamente o que está fazendo...
Essas são as aulas da tarde. Às 8 da matina tenho que estar a postos com o baixo afinado pro ensaio da Big Band. Há dois maestros, um alagoano (Jonas) figuraça que ensaia muitos frevos, e o Manoel Carvalho, outro figura, que faz a linha de maestro chato, mas parece saber o que está fazendo. É o repertório dele que tô tocando mais, tem outro baixista fazendo a maioria dos frevos. Rola muito chorinho (yes!), e um ou outro swing. Parece que já me apresento essa próxima quinta. Na outra semana devo tocar também com um grupinho que formei com Davysson, pra Prática de Conjunto, que não é exatamente aula, mas o professor (Hamilton Pinheiro, baixista), manda a galera formar os grupos e ensaiar, que ele vai avaliar antes de marcar apresentação. Não é nada igual ao que vivi nos 06 semestres de Souza Lima, onde os professores de prática não só orientavam os grupos sobre como tocar, mas escolhiam o repertório e até distribuíam os alunos nos grupos. Mas é isso, nada é perfeito...
Uma coisa bacana desse curso é que rolam shows quase que diários. O concerto de abertura na quarta foi metade erudito, um duo de flauta e piano, e popular, com um Quinteto que incluía os profs. Hamilton no baixo e Ademir no sax. Muito bom! Sexta foi meio bizarro, botaram uma banda de rock pra tocar, talvez numa tentativa de abranger todos os estilos. Mas a escolha foi péssima, a banda só tocou hits batidíssimos da década de 90, misturando com Deep Purple e "Born to be wild"... foi no mínimo bizarro ouvir coisas como "Man in the box" e "Enter Sandman" por uma banda meia-boca (apesar dos bons músicos). Mas é isso, viva a diversidade. Agora heavy mesmo foi o show de sábado. Aí foi arrepiante, todo mundo saiu andando em nuvens. Tô falando do Nosso Trio: Nelson Faria, Ney Conceição e Kiko Freitas quebraram tudo. Não dá pra descrever em palavras, mas foi o show que todos os alunos estavam precisando. Teatro lotadíssimo, os caras sintetizaram o sentimento geral de todos ávidos em fazer música. Foi uma experiência muito marcante pra muita gente.
Daí ontem mesmo o Marcelo Snoozer sequestrou eu e Davysson pra fazer um som na casa de um amigo. O lugar era uma espécie de xalé já em Sobradinho, no meio do nada. Ficamos até de madrugada tocando de tudo. Claro que rolou um revival de Snooze e Beatles no repertório, mas tocamos vários Jobins e standards de jazz. Fiquei bem feliz de saber que Marcelo acordou recentemente pra sua veia musical, ele tem tomado aulas de violão erudito e passou a se interessar em estudar harmonia e teoria musical. Também visitei a rádio que o pai dele montou em casa. É bem reconfortante a noção de que os amigos de verdade duram pra sempre, não importa os rumos que nossa vida toma.
Hoje fiz programas turísticos com meu tio-primo (depende do ponto de vista) e sua esposa. Conheci o Museu Nacional, que é um projeto recente do Niemeyer. Depois visitamos uma exposição no CCBB: Arte para Crianças. Muito legal, fiquei só imaginando minha Julinha encapetada e chorando para não ir embora. Eram vários espaços, com diversas instalações, vídeos e salas com coisas pra galerinha manipular e brincar. Muito bom o espaço, melhor que o de SP onde concentram tudo no prédio histórico do BBrasil. Aqui é todo um complexo, e tudo muito belo, aliás como quase tudo nessa cidade, tirando os prédios dos Ministérios, que é uma coisa horrível. Ainda no domingo fiz uma prova via msn (sign o' the times) e fui no cinema com meus hosts. Amanhã me mudo pro alojamento da Escola pra dar conta dos ensaios, estudar mais e economizar nas passagens de ônibus. Apesar de ainda ter umas pendências da faculdade pra entregar via internet, acho que é o melhor a fazer nesses próximos dias. Estar aqui já é um privilégio, pretendo pelo menos dar o máximo de mim pra fazer bem feito e sair daqui cheio de idéias para aplicar nas gigs e aulas que conseguir dar em Aracaju. A propósito, alguém aí a fim de aulas de contrabaixo (kd a interrogação...). Desempregado procura, favor encaminhar propostas para fabiosnoozer@gmail.com, ou simplesmente deixar um comentário nesse blog que entro em contato imediato de any degrau.
Agradecido pela atenção. Câmbio desligo.

Tom Waits - More than Rain

2008-12-29T13:44:00.000-03:00

It's more than rain that falls on our parade tonight
it's more than thunder, it's more than thunder
It's more than a bad dream now that I'm sober
Nothing but sad times, nothing but sad times

None of our pockets are lined with gold
Nobody's caught the bouquet
There are no dead presidents we can fold
Nothing is going our way

It's more than trouble I've got myself into
It's more than woe-be-gotten grey skies now

and it's more than a bad dream now that I'm sober
There's no more dancing, there's no more dancing
and it's more than trouble I've got myself into
nothing but sad times, nothing but sad times

None of our pockets are lined with gold
Nobody's caught the bouquet
There are no dead presidents we can fold
Nothing is going our way

And it's more than goodbye I have to say to you
It's more than woe-be-gotten grey skies now

É daqui a pouco...

2008-11-29T20:45:00.000-03:00

O agora trio (Fabão, Rafa Jr. e Luiz Oliva) conta com os teclados de Ítalo (meu colega de curso recém-chegado de Petrolina-PE). Mas a surpresa da noite é a performance de Cabelo, com seu projeto 'Música das Cinzas', apresentando um diálogo impressionante com a faixa "Revolution #9" - definitivamente a mais vanguardista gravada pelo 4teto de Liverpool -, pegando trechos de várias outras canções do White Album, mais obscuridades escondidas aqui e ali, além de intervenções eletrônicas. Ouça e tire suas próprias conclusões aqui.

Set list SN00ZE:

- Revolution 1
- Sexy Sadie
- Don't pass me by
- I'm so tired
- The Continuing Story of Bungalow Bill

Interlúdio Música das Cinzas: "Take this brother may it serve you well"

- Glass Onion
- Happiness is a warm gun
- Savoy Truffle

Três discos raros!!!

2008-11-27T22:55:00.000-03:00

Esse post é especial, pois esses discos não saíram em cd, e trata-se de um genuíno trabalho de pesquisa e resgate do que há de melhor na música brasileira, com um passeio também pelo erudito de outras praças. A estória é a seguinte, morávamos eu e minha patroa em São Paulo e no meu aniversário de 28 aninhos ela resolveu garimpar alguns sebos na Rua Augusta. O que chegou em casa (além de um belíssimo filme de Jean Renoir) não parecia muito convidativo: uma caixa de Lps com aquele clássico logotipo da Rede Globo bem grande estampado, e nenhuma referência a artistas ou gênero musical. Mas era só abrir a 'Pandora's Box' e a coisa mudava de figura. Três disquinhos muito bem embalados, conservados, cada um com seu encarte com textos e ficha técnica... um verdadeiro achado! Ano de lançamento: 1977, gravadora Som Livre, lógico. Desconheço o propósito desse lançamento (a caixa), se foi comercial ou interno dentro dessa mega-empresa chamada Globo. Nem no enorme portal Discos do Brasil há qualquer referência. Até escrevi pra idealizadora do projeto e ela disse que tinha conhecimento desse material, mas não o tinha em sua discoteca, por isso os discos não constavam. Mas uma recente pesquisa googliana me revelou que esses discos tiveram lançamento comercial e independentes um do outro. Pelo menos os dois primeiros listados aí em baixo. O terceiro é que não achei referência alguma. Será que ele saiu apenas nesse formato? O que importa é colocar essas relíquias no mapa discográfico brasileiro, porque merecem. Então vamos às bolachas:

- Os Carioquinhas no Choro: o texto no encarte de autoria de Sérgio Cabral fala mais do centenário do choro carioca do que o grupo em si. Os músicos d'Os Carioquinhas não são creditados, e sim as particpações especiais; no texto há menção de que trata-se de uma turma jovem, entre 15 e 22 anos, e os nomes citados são Luciana, Rafael, Téo, Mário e Paulo, apesar de um septeto aparecer tocando na foto bem relax, por sinal. No Clique Music o grupo consta como Luciana Rabello/Raphael Rabello/Maurício Carrilho. Isso explica algumas coisas, não? Excelência instrumental e tudo em família... O repertório inclui 03 músicas do sergipano Luiz Americano (ói ele de novo)! Neste site dá até pra comprar o dito cujo.

- Altamiro Carrilho, Abel Ferreira, Formiga e Paulo Moura interpretam Vivaldi, Weber, Purcell e Villa-Lobos com a Orquestra Sinfônica Brasileira sob a regência de Júlio Medaglia: bom, o que acrescentar? Deu pra sentir o drama né? Simplesmente pegaram os melhores caras do choro nacional, com uma orquestra gabaritada e um maestro casca-grossa, e o resultado? Baixe ae e acredite! A peça de Villa-Lobos é especialmente maravilhosa...

- Música Popular Brasileira do séc. XIX no Vale do Paraíba: esse é realmente histórico (inclusive para quem está cursando História da Música, dá um estudo interessante). Os irmãos Régis e Rogério Duprat encabeçam esse projeto, e o que se ouve são polcas, dobrado, tango e valsa, interpretados por um baita naipe de sopros, no melhor estilo "banda de música". Diversão garantida!!!

E viva la vynil...

Abel Ferreira e o Choro

2008-11-26T22:59:00.000-03:00

A partir de agora, passo a disponibilizar meus discos de vinil aqui no blog. Essa série é clássica, e "Classe A": a Nova História da Música Popular Brasileira saiu em 1977 pela Editora Abril, dando continuidade à série original lançada em 1971 (capas pretinhas), dos quais não tenho nenhum exemplar. Já os azulzinhos foram herança familiar, mi madre teve o bom gosto de comprar na época (02 anos antes d'eu nascer) logo a caixa com toda série. Nem metade sobreviveu, muitos se perderam, alguns doados, outros deixei com amigos antes de me mudar para SP, e fiquei com o que realmente me interessava. E chorinho muito me interessa, sim senhor! Uma particularidade dessa coleção é que, em geral, o artista que dá nome à edição é mais um carro-chefe, ou então o compositor em questão. Mas os intérpretes sempre variam, o que dá um sabor variado a cada bolacha, e quase sempre tem aquela raridade que você não acharia em canto nenhum. Fora que o disquinho de 10 polegadas é na verdade o brinde que acompanha a revista! Renomados jornalistas detalham pacientemente tudo o que tem a ver com o(s) artista(s), é conteúdo pra ler e reler pra vida toda. Como não tenho scanner, fico devendo essa bela história do Choro Brasileiro, mas copiei na ficha técnica os discos originais de cada gravação compilada aqui. Bom divertimento e divulguem esse espaço.
Viva la vynil........................................................

NOVA HISTÓRIA DA MÚSICA POPULAR BRASILEIRA
ABEL FERREIRA E O CHORO

A1 - Abel Ferreira - Numa Seresta (Luís Americano)
[Abel Ferreira e Filhos, 1977]
A2 - Altamiro Carrilho - Dinorá (Benedito Lacerda/ José Ferreira Ramos)
[Chorinhos em Desfile, 1959]
A3 - Dante Santoro - Quando a minha flauta chora (Dante Santoro)
[78 rpm, 1939]
A4 - Abel Ferreira - Chorando Baixinho (Abel Ferreira)
[Lp, 1976]
B1 - Severino Araújo e Orquestra Tabajara - Espinha de Bacalhau (Severino Araújo)
[78 rpm, 1959]
B2 - Carlos Poyares - André de Sapato Novo (André Victor Correia)
[Som de prata, flauta de lata, 1975]
B3 - Raul de Barros - Na Glória (Ary dos Santos/ Raul de Barros)
[Brasil Trombone, 1975]
B4 - Paulo Moura - Eu quero é sossego (K-Ximbinho/ Hianto de Almeida)
[Confusão urbana, suburbana e rural, 1976]

obs.: A faixa B1 contém um 'pulo' que não consegui tirar nem kpeste!
obs.2: Pra quem não sabe, Luís Americano é aracajuano, radicado no Rio, porém um ilustre sergipano, um dos grandes nomes do choro nacional... Mais sobre ele no disco "Vibrações" de Jacob do Bandolim.
obs.3: O grande Raul de Barros se apresentará aqui em janeiro, no Teatro Lourival Batista, no projeto Circular BR. É "só" uma lenda viva.

Ripando Vinil

2008-11-26T07:17:00.000-03:00

Depois de um tempinho brigando com programas e cabos defeituosos, acho que dessa vez vai. Audiófilos de plantão, uni-vos: estarei disponibilizando tudo o que conseguir ripar de minha humilde discoteca para mp3. Darei preferência à música brasileira e instrumental, mas na verdade, tudo é bem vindo. Aceito inclusive pedidos e sugestões quanto a sites hospedeiros na net. Rapidshare é uma opção, mas se souberem de outros que não apaguem os arquivos tão rapidamente eu tô acatando...
Até mais tarde, com a minha primeira contribuição nesse que é um desejo antigo.
Stay Tuned and Have Fun!

Agenda Novembro

2008-11-19T21:56:00.000-03:00

Quase 03 meses sem postar nada, mas a vontade de manter esse espaço segue firme e forte, assim como minha onipresença no Programa de Rock não quer dizer que estou totalmente afastado. Mas as aulas da Ufs, ensaios dos vários projetos, e uma viagem a São Paulo forçaram uma pausa nessas coisas (blog, programa de rádio)....
Então venho por meio deste (post) celebrar a volta do Jazz Baixão, depois de meses e meses me adaptando a minha última aquisição contrabaixística, um Tobias Growler, adquirido quase como um apadrinhamento de Palito, grande brother e baixista de primeira categoria do forrozão sergipano (ainda aguardo um trabalho dele instrumental, pois o cara é monstro). Foi mais ou menos assim que em 2002 peguei o Fender Jazz Bass na mão de meu colega de curso Robson Souza. Nesse caso na verdade, foi realmente um presente, algo que só um amigo de verdade faria pelo outro. Sorte minha. A reestréia desse baixo Made in Japan vem com limpeza interna by Ronaldo e pedaizinhos recém adquiridos, a saber: um oitavador que comprei na Bass Center (Teodoro Sampaio, SP), e um Bass Fuzz feito por encomenda por Marcelo Toddynho. Peguei esse hoje aliás, amanhã vou aproveitar o feriado pra fazer bastante barulho com ele...

Então pros curiosos, aqui vai a agenda contrabaixística desse escriba:

- Esse sábado (22) Snooze no Etnia, com Daysleepers e The Baggios! O repertório é surpresa, nem eu mesmo sei (hahaha). Só sei que vai ser em 4teto, pq Duardo estará em Aju pro aniversário de sua filhinha Sophia.
- Segunda-feira (24) o Conservatório de Música começa a semana de comemoração de aniversário com concertos diários (no auditório Villa-Lobos, aliás, parado há uma cara). Nessa primeira noite, tocarão os professores de violão, o infernal trio de Saulo Ferreira, e meu quarteto pras horas vagas. Serão três (ou quatro) teminhas jazz comigo, Thiago Valadão (guitar), Odílio Sandinez (batera) e Davysson Lima (sax).
- Próximo sábado (29), rola Tributo ao álbum branco dos Beatles com 04 bandas sergipanas dividindo o repertório do disco duplo mais bacana da história do rock. Snooze marca presença (o trio + teclados), e também Daysleepers. Completam o time beatlemaníaco Elisa e, claro, Plástico Lunar.

Até algum desses dias!

ps1: Na Bass Center, ao ser indentificado como sergipano, o dono da loja imediatamente me perguntou se eu conhecia Gilson Batata, cliente assíduo da loja. Ele havia passado por lá dois dias antes, e sua banda mega brega estava fazendo turnê, ao que parece naquela região....

ps2: Thiago Valadão, além de guitarrista de jazz, ataca como empreendedor do jazz sergipano. Pra quem lembra da Poyesis, vale conferir a reinauguração, agora como Jazz Club, essa quinta. Vai ter uma galera fazendo um som, lógico, mas vale destacar que no baixo, estará nada mais nada menos que Vitor, chefe de naipe da Orquestra do Estado. Imperdível.

The Meters - Funky Miracle

2008-08-30T12:13:00.000-03:00

Esse supergrupo formado em New Orleans no final dos 60's

é uma influência pra 10 entre 10 grupos, artistas ou instrumentistas que lidam com funk (no bom sentido). Ao lado de James Brown e Sly & The Family Stone, é referência obrigatória pra quem quer se familiarizar com o que há de melhor no estilo, além é claro, dos vários discos da Motown até 1971. Mas voltando aos Meters, o interessante é que a grande maioria de seus temas são instrumentais, e o funk é mais associado com as manipulações melódicas de seus cantores. Pro baixista então, fica mais fácil colar nas linhas de George Porter, pois o quarteto era mesmo 'roots': sem a metaleira e vozes pra atrapalhar, o que fica em primeiro plano é a cozinha matadora, com Joseph "Zigaboo" Modelist na bateria (quebrando tudo), fazendo a cama para os riffs inteligentes do guitarrista Leo Nocentelli e as peripécias do líder e tecladista Art Neville (os poucos vocais são dele também). Para checar todos esses elementos citados, ouça agora "Cissy Strutt" (qualquer rádio online vai ter, né possível). Você provavelmente já ouviu esse teminha, mas nunca ouviu falar dos Meters, certo? Pelo menos comigo foi assim. Mas esse post é na verdade pra retomar os estudos do Lily Pond. "Funky Miracle", outro clássico dos caras, foi a primeira música que transcrevi do começo ao fim usando aquele programinha. Falo da linha do baixo, é claro. Então, amigos da clave de fá, uni-vos para um groovão irresistível. Seguem os links:

- A partitura em .pdf;

- Os códigos em .txt (para utilizá-los no LP, tem que salvar em .ly);

- A música para download, porque ninguém é de ferro, e o ouvidão é sempre um bom guia.

Comentários sobre a escrita informática:

O que vem antes do cabeçalho contém um monte de coisa que eu nunca entendi. Coisa de nerd, provavelmente. Então o esquema é copiar e colar em qualquer novo arquivo. Tem a ver com a versão do programa e formatação.

\version "2.10.10"
\paper {
% #(define dump-extents #t)
indent = 0\mm
% line-width = 160\mm - 2.0 * 0.4\in
% ragged-right = ##t
% force-assignment = #" "
% line-width = #(- line-width (* mm 3.000000))
}

aqui abre-se o cabeçalho. notar o uso das chaves { } para efetivar os comandos.
\header{
title = "Funky Miracle"
composer = "The Meters"
}
mais uma chave aberta (após uma fechada) indicando a clave e fórmula de compasso (4/4 na verdade nem precisaria indicar, é automático).
{
\clef bass
\time 4/4

vamos aos grooves: a linha da intro usa bastante antecipações de semicolcheias, escrito com o til ~
e16 d b, a,~ a, b,8 d16~ d e8 g16~ g4
e16 d b, a,~ a, b,8 d16~ d e8 g,16~ g,4
e16 d b, a,~ a, b,8 d16~ d e8 g16~ g4
e16 d b, a,~ a, b,8 r16 d4 dis \bar "||"

ritornelo. e mais abaixo, a indicação de que aqui é um ponto de recomeço pra essa música. O sinal é chamado de 'S'. O groove transcrito agora abusa das colcheias pontuadas com semicolcheias criando uma levada irresistível.
\bar "|:"
\mark \markup { \musicglyph #"scripts.segno" } e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16
e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16
e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16 \bar ":|"
e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16
e8. d16 e4 e'16 g8. e4 \bar "||"

quiálteras. 'times 2/3' é como se escreve uma tercina. no caso aqui vai ser uma tercina de semínima (4), três delas em dois tempos.
\times 2/3 { g4 a e'~ } e'8 r16 b16 d'8 e'
\times 2/3 { g4 a e~ } e8 r16 b,16 d8 e
\times 2/3 { g4 a e'~ } e'8 r16 b16 d'8 e'
\times 2/3 { g4 a e~ } e8 r16 b,16 d8. d16
\bar "||"
e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16
e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16
e8. d16 e4 e'16 g8. e8. d16
e8. d16 e4 e'16 g8. e4 \bar "||"
e16 d b, a,~ a, b,8 d16~ d e8 g16~ g4
e16 d b, a,~ a, b,8 d16~ d e8 g,16~ g,4
e16 d b, a,~ a, b,8 d16~ d e8 g16~ g4
e16 d b, a,~ a, b,8 r16 \times 2/3 { d4 dis e } \mark "fine" indicação de que a música vai encerrar naquele ponto (na volta).
\bar "||"
r1 pausa ('rest') de semibreve
\times 2/3 { g4 a e'~ } e'8 r16 b16 d'8 e'
\times 2/3 { g4 a e~ } e8 r16 b,16 d8 e
\times 2/3 { g4 a e'~ } e'8 r16 b16 d'8 e'
\times 2/3 { g4 a e~ } e8 r16 b,16 d4
\bar "||"
aqui vem os improvisos. no primeiro compasso é o teclado que sola, no segundo guitarra, baixo no terceiro e batera no quarto. mesmo esquema na próxima linha.
e8 e r4 r2
e8 e r4 r2
e8 e' gis16 a8 ais16~ ais16 b8 b16 d'8 d'16( e')
(os parênteses são pra ligadura hammer-on)

e4 r4 r2
\override Score.RehearsalMark
#'break-visibility = #begin-of-line-invisible
e8 e r4 r2
e8 e r4 r2
e8 e'~ e'16 d'8 b16 d'[ b r gis~] gis a b8
e4 r4 r2
\once \override Score.RehearsalMark #'self-alignment-X = #right
\mark "D.S. al Fine "
\bar "||"
o 'override score' tem a ver com o comando 'do S ao Fim' que é quando a gente volta praquele começo lá em cima e acaba onde já marcamos que vai acabar. meu conselho pra esse tipo de comando é sair copiando os exemplos que conseguir. ou então enche o email do prof. hugo com dúvidas insolussionáveis. Ah! lá em cima há dois colchetes [ ] nas semicolcheias do segundo compasso de improvisação. isso foi o jeito que encontrei pra unir em uma célula as três notas com uma pausa antes da antecipação. sem isso o programa arrumava de um jeito esquisito, mas tudo dá-se um jeito (se não der, seguir os conselhos acima).

} não esquecer desse colchete pra fechar sua partitura

Coisas s/n

2008-08-30T11:24:00.000-03:00

- A gig no Quality Hotel foi simplesmente surreal. Estávamos programados pra tocar de 21:30 às 23h, e o secretário de saúde resolveu encerrar somente às 22:30!!! Ou seja, uma hora de braços cruzados, com metade do cachê já pagos. Essa vida de músico é mesmo 08 ou 80. Acabamos tocando uma horinha, com a sensação de que ninguém prestava atenção, mais preocupados com os canapés e coquetéis de frutas. Mas no fim das contas tocamos bem, Monara cantou muito, e descobrimos que fomos bastante elogiados nas internas... Que isso gere outras datas nesse meio, o que importa é tocar e levar o leitinho da criança. ;)

- A outra data do Starfish foi cancelada. Ainda quero tocar lá. É aguardar...

- Mais uma atividade pro recesso da Ufs: virei aluno de baixo acústico de Juliana, da Orquestra Sinfônica de Sergipe. É minha terceira tentativa, e de novo pego um professor com uma técnica de arco de escola diferente do anterior (to colecionando...). Mas didaticamente falando, parece que agora vai, só depende da dedicação que eu conseguir ter. Nessa próxima quinta o concerto deles no Tobias Barreto vai ter uma peça para contrabaixo solo. Imperdível não só pro pupilo aqui, mas pra todos que gostam de boa música.

- 07 matérias pro próximo semestre! Pra quem pegou 03 no primeiro, vai ser um choque. Pelo menos está tudo concentrado em três dias na semana: terça, quinta e sexta. E outra: continuo indo só pro Cultart, vou me manter um ano sem precisar pisar no Campus (pra quem levou 07 anos pra se livrar do curso de Psicologia, isso faz diferença, acreditem).

- Snooze volta a tocar o repertório anos 80 no Excalibur, dia 27 desse mês. Tem mais uma coletânea no gatilho, e o desengavetamento do projeto de covers que gravamos no longínquo verão de 2005, que quase se perdeu, mas agora vai ganhar um upgrade decente pra ser lançado de alguma forma ainda esse ano. Aguardem as novas.

- E o Crove? Esse é anos 80 made in SE. Calhou que me chamaram pra retomar o projeto, parado há uma cara. Eu que já gostava, virei fã, conhecendo as músicas de 15 anos atrás, totalmente pós-punk. Depois de alguns vários ensaios, estamos doidos pra tocar. Que tal nos chamar pra sua festinha? Também precisamos gravar. As músicas do Luiz Eduardo são boas demais pra não terem um registro decente. Quem se dispor a ajudar a viabilizar um projeto pra tentar a lei de incentivo à cultura, entra como produtor executivo, porque contar com Edu, Fabinho ou Odara pra fazer qualquer coisa nesse sentido, é esperar uma eternidade...

- A Cover Baixo desse mês tá show de bola. Todas as matérias, bass clinic, entrevistas, resenhas, workshops e transcrições... realmente bola dentro. Dá pra ler algumas coisas na net, mas com certeza não é tudo. Recomendo então o investimento de R$ 8,90. Dessa vez vale a pena!

Recesso da UFS

2008-08-27T09:45:00.000-03:00

Depois de mais uma prova de contraponto, a hora é de respirar, botar a leitura em dia, e ensaiar com o novo quarteto de jazz e música brasileira. É o Brazz Jazz que faz sua estréia essa quinta (28) no Quality Hotel. Na ocasião convidamos a super-cantora Monara pra desfilar clássicos da bossa nova. A formação do grupo é a seguinte:

- Fabio Oliveira (baixo); Thiago Valadão (guitarra); Davysson Lima (sax); Odílio Sandinez (bateria). Próxima quarta temos outra data, resta saber se vai ser mesmo no Quality ou no Starfish (Barra dos Coqueiros).

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Fica a dica pra mais uma 'obsession'. Quem me conhece de verdade sabe que na minha adolescência eu lia quadrinhos como um descrente procurando a resposta pra algo além da compreensão. Foram anos colecionando, rapando sebos, assinando, comprando em banca... Mas um dia, resolvi dar um basta. Foi pouco depois de casar e acumular trabalho, faculdade, banda e família. Não dava mais pro orçamento, resolvi priorizar as leituras pra música (e cinema, outra paixão), e acabei me distanciando mesmo. Mas uma preciosa dico do meu amigo Tex reacendeu o vício pelos universos paralelos, mas sem aquela de super-herói (X-Men é ótimo, mas uma hora cansa a novelinha). O blog Vertigem, foca no sêlo Vertigo da Dc Comics. Em geral, a onda é histórias sobre o sobrenatural, magia, ocultismo, e atividades bizarras de personagens bem ortodoxos. Estou finalmente lendo todos os 'Sandman' na ordem, esperando chegar até o final (a série já chegou ao fim), e também conhecendo uma série chamada 'Fábulas', que o nome já indica mais ou menos do que se trata. Recomendo também a 'Bíblia' por Simon Bisley, prato cheio pra quem curte desenhos e arte gráfica. Pra quem conhecer a Bíblia propriamente dita, melhor ainda.

Vai lá!

Playing God

2008-08-11T11:00:00.001-03:00

Enquanto não temos o privilégio de uma volta do 'brincando de deus', seu líder Messias G. B. aparece com um trabalho solo, e isso já é motivo pra comemorar! O single lançado sexta-feira, dia 08, aniversário do cabra, às 08:08h, é um bom aperitivo do que vem por aí. Programações eletrônicas e guitarras sujas permeiam a canção "the machines are my family", enterrando o vocal familiar em uma camada doce de sujeira. A falta de uma cozinha "orgânica" é compensada pela ótima melodia vocal e um arranjo competente. A essa altura da carreira, não dá pra esperar algo menos que bom vindo dessa galera. Na minha última ida pra Salvador, antes da Nave, dei uma chegada numa casa ao lado, onde o Messias discotecou (de Nick Drake a Pavement), e a banda que iria tocar era o Theatro de Séraphin, que conta com outro bddeus na formação, o Cesar. Ótima banda, belos sons e guitarras sempre surpreendentes. Só não fiquei até o final pois precisávamos voltar no hotel antes de ir na Nave discotecar (a propósito, eu, Maíra e Adelvan como superapocalipseoverdrive conseguimos a façanha de esvaziar a pista hahaha). Quem sabe não teremos o Theatro por aqui em Aju Rock City? Essa conexão Aracaju-Salvador precisa de um upgrade urgente. Por enquanto é esperar o disco completo do Messias. Sexta coloco esse single no Programa de Rock (Sex, 20h). Dá pra ouvir na net aqui. Mas pra fazer o download da música, é só seguir o nosso seminarista favorito:
http://www.messias.art.br/

Lily Pond, Parte II

2008-08-11T09:25:00.000-03:00

E ae. No post passado chamei aquele exemplo de "escala diatônica". Segue uma explicação para quem nunca estudou na vida: a escala de dó maior é uma escala que só contém notas "naturais", a saber: dó, ré, mi, fá, sol, lá, si. E quais seriam as notas "não-naturais"? Quaisquer dessas, com alguma alteração (sustenido ou bemol). Pois bem, o intervalo entre as notas naturais vai ser o modelo para qualquer escala maior, por isso ela pode ser designada como 'a' escala diatônica. O esquema intervalar é o seguinte: tom-tom-semitom-tom-tom-tom-semitom. Um tom no contrabaixo corresponde a duas casas, um semitom a uma casa. Os semitons na escala diatônica encontram-se entre as notas Mi e Fá, e entre o Si e o Dó (oitava nota, repetição da primeira). Ou seja, podemos dizer que os semitons em qualquer escala maior devem aparecer entre os graus III e IV, e entre o VII grau e a oitava. Todos os outros intervalos serão de um tom.
Voltando ao Lily Pond, lembremos como escrevi a escala diatônica:
\relative { c d e f g a b c }
As letrinhas entre as chaves correspondem às cifras usadas para indicar acordes. É dessa forma que escrevemos as alturas (notas) no LP. Já as figuras rítmicas escrevemos com números, da seguinte forma: semibreve - 1; mínima - 2; semínima - 4; colcheia - 8; semicolcheia - 16; fusa - 32; semifusa - 64. Ou seja, sem novidades, esses são os valores proporcionais que já servem pra manipularmos a duração das notas musicais. Mas por que no exemplo não apareceu nenhum número? É que algumas coisas são automáticas pro LP, se não indicarmos nada diferente, ele já escreve as notas em semínimas, na clave de sol e no compasso 4/4 (aquele 'C' após a clave). Mas tudo isso pode ser modificado, é claro. Vamos começar abolindo a Clave de Sol, e adotando a Clave de Fá, afinal isso aqui é o blog de um baixista! ;) A diferença das duas claves é de tessitura, como diferentes registros de voz, basta comparar um soprano a um baixo, a idéia é a mesma. No piano é fácil visualizar: escreve-se para a mão esquerda em clave de fá, e a mão direita na de sol.
Posto isso, vamos criar a escala de Sol Maior. O 'sol' que será a tônica dessa escala vai ser aquele da terceira casa na quarta corda do baixo. Pra soar grave daquele jeito, precisamos da clave de fá, e escrevemos o sol na primeira linha do pentagrama. Seguindo aquele esquema da escala diatônica (t-t-st-t-t-t-st), faz-se necessária uma alteração! O sétimo grau (Fá) natural não fecha o último tom nem o próximo semitom (mi-fá é um semitom e fá-sol um tom). Mas se acrescentarmos um sustenido (#), caracterizamos a escala maior. A escala seria escrita assim:

\relative c
{
\clef bass
\time 2/2
g2 a b c d e fis g
}

O 'relative c' refere-se ao registro da primeira nota. Por hora, basta saber que se não pusermos isso, o sol escrito seria mais agudo do que aquele da terceira casa, quarta corda no baixo. 'Clef' é o termo em inglês para clave. 'Clef bass' então é a clave de Fá (lembrando que se não colocarmos isso a clave de Sol é automática. 'Time' refere-se à fórmula de compasso; se não indicarmos nada o compasso automático é o 4/4. Nesse exemplo usei um 2/2, só pra variar. Na partitura isso será representado por um 'C' cortado no meio. O número dois após o 'g' refere-se à figura rítmica (mínima). Percebam que se não preciso mudar a figura, o padrão fica sendo o último número escrito. Agora é só copiar, colar no bloco de notas, salvar (extensão ".ly"!!!), clicar em cima, gerar o ".pdf" e abri-lo pra visualizar a escala de sol maior na clave de fá.
Ah, já ia esquecendo: o fá sustenido foi escrito como 'fis'. Então qualquer nota alterada com sustenidos vai ter esse sufixo -is. Os bemóis serão -es. Parece complicado? Ainda estamos no básico, criem suas próprias escalas pra testar os resultados. Sugestões são bem-vindas.

Ooooo Lily Pond

2008-08-08T17:42:00.000-03:00

Lily Pond é o nome de um "freeware" para notação musical. Se você é músico e já escreve em outros programas (Finale, Sibelius, Encore...), essa é uma alternativa gratuita e na minha modesta opinião extremamente simples e eficaz. Se você é músico e não sabe uma linha de partitura, aprender a mexer no Lily Pond pode ajudar como introdução a esse universo, que costuma ser visto como 'sacal', talvez pela forma que é ensinada pelos conservatórios mundo afora, mas que não passa de mais uma ferramenta pro músico, e como tal não deve ser ignorada. Aprender o básico já pode ajudar em várias situações musicais (escrever uma frase pra memorizar, trocar idéias com um professor via internet, etc.), daí a ser um expert depende da vontade e necessidade de cada indivíduo. O que quero dizer é: não é preciso ler música pra tocar bem, isso é fato. Mas há toda uma literatura de métodos, songbooks e video-aulas (e seus encartes) que pode ser melhor aproveitada se a gente tiver uma noçãozinha ou outra. É com isso em mente que vou tentar fazer um passo-a-passo de como usar o Lily Pond, aliando isso a uma geral em teoria musical para iniciantes.

Para uma aprofundada no programa, recomendo os links dessa página do Prof. Dr. Hugo Ribeiro, divulgador do Lily Pond e prof. efetivo do curso de Licenciatura em Música da Federal de Sergipe. Tá tudo lá, não dá pra reclamar. O barato desses programas livres é justamente essa democratização do conhecimento. No site do programa é possível mandar e-mail pra galera que atualiza o software, participar de lista de discussão pra tirar dúvidas... é um conhecimento em eterna construção, onde o próprio usuário que se apropriar das ferramentas poderá criar seus comandos e sugerir mudanças pra melhor. Mas por aqui, fiquemos no básico!

Bem, para escrever a escala acima, usei um único programinha que todo computador vagabundo tem: o bloco de notas! É isso mesmo, aqueles arquivos de 1kb que a gente salva em .txt podem ser úteis pra criarmos música. Pra postar a imagem aqui no blog usei o Power Point (eu sei, provavelmente deve haver algum caminho mais fácil). Mas em geral, só vou precisar de duas ferramentas pros próximos exemplos (já adiantando que não vou mais fazer essa 'prezepada' de converter pra imagem): o Bloco de Notas e o Adobe. Perae, mas e o Lily Pond? Lá vai uma explicação de um leigo em informática, me perdoem os entendidos: o LP difere de um Finale, por exemplo, por não ter interface. Não é um programa que a gente abre e vai manipulando a partitura, com cada figura correspondendo a algum atalho do teclado. Música no LP é escrita em códigos que são convertidos para .pdf (por isso o Adobe). A vantagem disso é poder mandar via e-mail uma partitura de, digamos, 2kb, quando convertido para .pdf ela iria pra 134kb! Isso é um exemplo de uma página escrita. Uma part maior poderia ter 251 kb em .pdf, e mandando pra alguém que tenha o LP instalado, o arquivo não passaria de 5kb. Uma mão na roda pra quem não quer perder tempo discutindo arranjos no ensaio, já podendo chegar lá com tudo pronto pra descer a mão. Há, importante mencionar: claro que não salvamos os arquivos do Bloco de Notas em .txt! Pra ser um arquivo LP ele deverá ser salvo com a extensão .ly. Salvo o arquivo, um simples 'enter' aciona o programa que converte os códigos para notas musicais em .pdf. E, se há alguma outra vantagem nisso, esteticamente acho que o resultado é bem satisfatório. Não curto muito o visual de programas como o Encore. A partitura gerada pelo LP parece feita pelo melhor dos copistas que já existiram, e o programa automaticamente arruma os compassos de maneira lógica, por exemplo, o começo de uma nova seção provavelmente já vai aparecer alinhado à esquerda, não é algo que você precisaria se preocupar em mexer após escrever. Esse e outros detalhes (como poder copiar e colar trechos repetitivos durante a partitura) fazem valer a pena o aprendizado.

Segue o passo-a-passo...

Download do programa aqui.

Após instalação, abra o Bloco de Notas e cole o seguinte código:

\relative { c d e f g a b c }

Salve como ".ly". Clique 'enter' em cima do novo arquivo... O Adobe deverá criar um arquivo automaticamente na mesma pasta que se encontra o que foi salvo. Abrindo-o normalmente, você verá o .pdf com a escala diatônica. Se qualquer alteração no arquivo LP for feita, para visualizarmos a mudança no .pdf, é necessário fechar o Adobe (ou só o arquivo), salvar a alteração do '.ly', e repetir o processo.

Good Vibrations

2008-07-23T12:54:00.000-03:00

Foi com alegria que recebi a encomenda de substituir Rômulo no Beach Boys Cover, por motivo de viagem do baixista titular. O meu castigo foi reconhecer que não era familiar com a discografia dos caras - mesmo com o líder Arthur tendo me passado a obra completa em um dvd em fevereiro -, tendo assim quase 3o músicas pra pegar em 02 semanas. Os ensaios tão rolando e o show é agora dia 26, sábado, na Live (antigo Tequila Café). É a primeira vez que vou tocar nesse lugar reformulado, e parece que depois de um período negro apenas voltado pro pop descartável, aqueles portões voltaram a abraçar o bom e velho rock 'n' roll. Há duas semanas Maria Scombona e The Baggios tocaram, e semana passada Plástico Lunar, Mamutes e Os Ordinários (PE) fizeram um som. Apesar de não ter comparecido, soube que as duas noites foram bem bacanas. Sábado é a vez da Surf Music, além da Beach Boys Cover a Vox toca repertório "surf" um pouco mais contemporânea. A diversão vai ser garantida, com certeza.

Apesar da loucura de pegar baixos e algumas vozes de um monte de música que eu nunca tinha ouvido direito, é lógico que minha relação com os Beach Boys não é de agora. Na primeiríssima viagem que fiz com a Snooze, em 1996 para Teresina/PI, um dos discos que chamou minha atenção na abençoada discoteca de nosso compadre Fernando Castelo Branco foi o Pet Sounds (1966). Aquele que você bate o olho e pensa, "isso deve ser bom, não é?". Fernando não só achou inconcebível eu nunca ter ouvido como prometeu uma fitinha com a gravação do álbum. E não é que naquela época essas coisas aconteciam mesmo? Recebi pelo correio uma fita com o Pet Sounds completo, e na sobra do Lado B ainda rolou Big Star, senão me engano (que merece outro post)...

O que dizer do Pet Sounds? Vou dizer muito não, apenas que se eu ouço de cabo a rabo, costumo ficar com os olhos cheios d'água desde "Wouldn't it Be Nice" (faixa 01), e em "God Only Knows" eu choro de vez. Essa, parece uma melodia rabiscada por um anjo e cantada por um querubim. É simplesmente a coisa mais doce que eu já ouvi na vida, e tem a capacidade de deixar qualquer melomaníaco como eu sem fôlego. Mas o disco reserva mais que isso: quando finalmente comprei o disco (na Baratos Afins, minha primeira ida a SP em 98), um trombonista amigo meu que torceu o nariz quando viu a capa, meses depois mandou recado dizendo que os metais em Pet Sounds fizeram ele mudar de opinião em relação aos Beach Boys. Além de metais, marimbas, tímpanos, gaita, sinos... tudo é mágico naquele disco. E os vocais... sem comentários.

O outro disco deles que mergulhei foi o Smiley Smile (1967), mesmo sabendo que era uma versão resumida do Smile, obra prima não-acabada na época. Mais recentemente ganhei de Saulo Coelho o Dvd "Brian Wilson presents Smile Live". O documentário e o show são os registros definitivos dessa fase, e também é de chorar regularmente a cada exibição.

Mas o show sábado pega mais pesado na fase "surf". Agradeci a Arthur pela iniciativa dessa banda (tá vendo, Coverama serve pra alguma coisa haha), pois além de apresentar o som dos caras pruma galera que poderia não ter acesso, pra mim que tive que entrar nessa gig, pôs em perspectiva toda essa fase inicial. É fácil ter preconceito, como muita gente tem restrição com a fase "ié-ié-ié" dos Beatles. Mas vá tocar e cantar. É tudo arte, e o que eles faziam, ninguém fazia tão bem. Falando nos Fab4, é bom ressaltar que os Beach Boys não influenciaram os Beatles apenas com Pet Sounds. Comparem "Surfer Girl" com "This Boy" (lado B de "I wanna hold your hand, 1963). É definitivamente a primeira tentativa de fazer uma "beach boy song". Anos mais tarde o próprio Paul mostraria pessoalmente ao Mike Love uma nova composição como outra tentativa de soar como eles: era "Back in the USSR", abertura do álbum branco (1968).

Esse post foi na verdade pra colocar para download um "best of" do repertório gigantesco que a gente vai tocar. De repente dá tempo de uns gatos pingados que descobrirem o blog a tempo decorar as letras e cantar junto conosco. ;)

Para baixar, é só clicar.

Ladies and Gentlemen.... The Rolling Stones

2008-07-20T00:00:00.000-03:00

Minha obsessão atual é a fase 60's dos Stones, ainda com Brian Jones. O que acontece é algo parecido com o que rolou anos atrás com minha Beatlemania, assim que conheci meu amigo psicólogo Fredão. Vou explicar: ouvi muito Beatles na minha adolescência, através de fitas k7 gravadas na casa de um tio beatlemaníaco, tanto por meu irmão Rafael quanto meu primo André. Essas compilações viraram minha primeira imersão no rock em inglês e teriam consequências definitivas em minha vida como montar uma banda e então decidir ser músico anos mais tarde; acontece que, ainda adolescente, qdo fui conhecendo outros sons - basicamente os clássicos anos 70's e o progressivo - , os Beatles ficaram, assim... 'in the closet', até eu conhecer Frederico, por volta de 1998, qdo eu engatinhava no curso de psicologia da UFS e ele já era tipo quinto período. Mas longe dos papos psi, nossos encontros eram basicamente pra tomar cerveja ao som de muito Beatles e discussões homéricas e filosóficas sobre Lennon, McCartney e os Rolling Stones (tá vendo, não perdi o fio da meada ainda hehe). Ouvir finalmente o álbum branco de cabo a rabo conhecendo as nuances, pegar o violão e tocar todo o songbook,... foi uma época inesquecível, e essa 'mania' desembocou no projeto Snoozing Beatles que acabou virando uma banda independente até do Snooze e de mim mesmo que deu a pilha no início. Beatles sempre vai ser minha escola referencial. Foi ouvindo os caras obsessivamente que aprendi inglês e a dar acordes no violão (a maioria dos que sou familiar até hoje), sem falar em harmonizar vocais, e também um pouco de funções harmônicas, que só veio cair a ficha bem mais tarde.
Mas eu também ouvia os Rolling Stones (é, vamo ao que interessa)!!!! E o primeiríssimo disco que me fez ter certeza que se tratava de uma bandaça foi o Between the Buttons que tinha na casa de Salsicha (irmão de Daniel, primeiro guitarrista do Snooze), original nacional, senão me engano mono. Nessa época eu já tinha noção de que um disco lançado em 1967 por uma banda rockenrou como os Stones devia ser bom. Mas a fitinha gravada por Rafael entregou muito mais que isso. Algumas das músicas ali nunca saíram de minha cabeça mesmo com anos (bote ano aí) sem ouvir a bolacha (lembrando que o mp3 não havia sido inventado hehe).
Pois bem, um belo dia de pesquisa musical na net (qdo ainda morava em SP), descobri que o catálogo dos Stones estava sendo relançado remasterizado em sistema DSD - que tecnicamente não sei exatamente o que significa, mas soa bem pra kcete!!! Bob Dylan tb teve seus discos relançados nessa onda, Beatles não. A essa altura eu já conhecia a maior parte dos discos dos Stones, mas era essa a chance que eu tinha (já no mundo dos mp3) de reaver boa parte dos discos deles que eu já tive (que foram roubados) e ainda ter o que não tinha, ouvir o que não conhecia, reouvir o que não lembrava, etc.
Mas essa "caça" relevou mais do que a encomenda: percebi que essa banda era particularmente difícil de entender a discografia porque muitos desses relançamentos eram discos que eu conhecia com tracklist diferente, até com capas distintas! Eu já tava ligado que lançamentos britânicos e americanos diferiam na época, mas a discografia dos Rolling Stones é um caso à parte. O troço beira o bizarro. A EMI costumava mudar os discos da Parlophone dos Beatles nos lançamentos ianques, mas o que chegou até nós consumidores mundiais anos mais tarde foi a proposta inicial, e não as adequações mercadológicas. Com os Stones o buraco é mais embaixo. Por exemplo, eu tinha o cd "Aftermath" de 1966, lançamento nacional da coleção "Satisfaction Years" (tinha até propaganda na tv alguém lembra?) que era o original britânico. Só descobri isso quando me deparei com esse relançamento pra baixar com capa totalmente diferente, três faixas a menos e "Paint it Black" abrindo o disco, faixa que nem sequer fazia parte do álbum que eu conhecia. Depois eu fui entendendo a lógica da coisa: os lançamentos americanos incluiam os singles que no Reino Unido não costumavam entrar nos álbuns. Prática que os Beatles se arrependem às vezes em depoimentos do Anthology. Mas enfim, eram os 60's e ninguém sabia que o negócio ia ficar tão grande. O troço com os Rolling Stones complica porque no Brasil alguns discos eram lançados do jeito britânico (Decca Recods) e outros do americano (London Records), vide por exemplo "Out of Our Heads", que saiu primeiro nos EUA com os single hits "Satisfaction" e "The Last Time". Mas o álbum de mesmo nome no Reino Unido saiu meses depois com outra capa que, pra piorar a confusão, essa mesma capa foi usada em outro lançamento americano, o "December's Children". O inverso havia acontecido meses antes, no começo de 1965, quando "The Rolling Stones No. 2" saiu na Inglaterra com a mesma foto de capa do "12x5" que saiu nos EUA ainda em 1964, o que deixa a discografia dos caras engraçada com um "no.2" sendo o terceiro disco com inéditas, vai entender...
Finalmente, qual não foi meu espanto ao baixar o remaster de "Between the Buttons" e notar de cara a ausência das duas músicas mais seminais pro meu entendimento da obra: "Let's Spend the Night Together" (faixa de abertura) e "Ruby Tuesday". Resposta: aquele vinilzão que tinha na casa do Salsicha era brasileiro e seguia o lançamento americano. O original britânico não incluía esse compacto duplo (o que quer dizer que não tinha lado B, eram dois lados A haha), e continha três músicas que eu não conhecia!!!! As tais faixas foram lançadas em outro disco americano, o "Flowers", que tb saiu no Brasil em cd, mas eu nunca tinha ouvido. Inclusive o Flowers tb foi remasterizado apesar de ser compilação, e o tracklist inclui o compacto duplo já mencionado. Mas pra mim (até por uma questão histórico-cronológica), "Let's Spend..." e "Ruby Tuesday" sempre serão associados ao "Between the Buttons", é tanto que a capa do single é a mesma do álbum.
É com esse clássico absoluto do cancioneiro psicodélico que eu inauguro esse blog (não por acaso o título do blog é uma das músicas do disco).

O single.
O álbum.

Fonte (do álbum): http://singhellogoodbye.blogspot.com/